daily recommended exhibitions

posted 24. Apr 2017


26. Mar 2017 06. May 2017
opening: 25. Mar 2017 19:00
Andrea Éva Győri. AUDIENCE IS GETTING FRANTIC - APPROACHING VIBRATION Opening | Sat, 25 March 2017, 7 pm Exhibition | 26 March – 06 May 2017 Artist Talk (Ludwig Seyfarth and Andrea Éva Győri) | 27 April 2017, 6.30 pm Andrea Éva Győri's artistic practice revolves around the connection between the body and the psyche as a reflection of personal and social processes. Themes include sexuality and satisfaction as forms of self-care, and partnerships and the power relations that they generate. The exhibited works–mostly videos and drawings–are the result of remarkably trustful collaborations with their protagonists. The individual interpersonal and humorous encounters form a performative base that is essential to Győri's approach. Her project for Manifesta 11 in Zurich, in which she worked together with a sexual therapist, deals with the female orgasm in several series of drawings. In part, the studies are illustrations of exercises from behavioual psychology sessions. Others are portraits, in which the artist depicts women masturbating, visually analyzing their fantasies. In a time when over-sexualisation is both denounced and omnipresent, Győri offers a contrast to high-definition, pornographic photography, with its masculine gaze: an offensively subjective, artistic portrait of female nudity and intimacy. The most recent video work, presented for the first time in Grimmuseum, features the above mentioned sexual therapist, elucidating Győri's drawings in the installation in Zurich. Her technical and solution-oriented approach stands in contrast to the playful, impulsive nature of the drawings. In the exhibition the work forms the counterpart to an earlier video by Győri, which emerged in the closest of familial nuclei: that of mother and daughter. In the film Mom makes the bed (2016) the camera is the silent conversation partner, who listens to the mother of the artist as she makes the bed in the morning. In the midst of routine yet careful hand movements, the middle-aged woman explains the cornerstones of a balanced partnership and the dynamics that can arise from years of cohabitation. Parallel to creating household order, Győris mother gives her daughter, and at the same time every (female) viewer of the video, very personal advice for a fulfilling life. Although Győri's work is very direct and based on individual experience, it ties into the contemporary reality of the viewer in a universal way with a playful gravity. The personal life of the artist herself is, despite the intimacy of her approach, not present in the final work. Rather, as moderator she lays bare access to the formation of intimacy. Rather, as a moderator she facilitates the intimacy of its formation. Andrea Éva Győri (*1985 in Budapest, HU) lives and works in Berlin and Stuttgart. Studies in Fine Arts, Staatliche Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart in Class of Christian Jankowski, Mike Bouchet (Video/Performance/Sculpture/Installation), Felix Ensslin (Aesthetic/Psychoanalytical Culture Theory). Studies of Fine Arts at HONGIK University; Asien Oriental painting studies, Seoul, Korea, guest studies in Human Anatomy and Autopsy at the Medical University of Budapest. From May 2017 onwards, Andrea Éva Győri will be artist in residence at Jan Van Eyck Multiform Institute for Fine Art and Reflection, Residency Program and Projects Scholarship, Maastricht, The Netherlands. Győri has presented her work at international institutions, including: Haus der Kunst, München (upcoming); MANIFESTA 11, Zürich; Victoria Art Center, Bukarest, Romania; SeMA NaNJI Exchibition Hall, Seoul Museum of Art, Seoul; Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei, Taiwan; /si:n/ Biennial for Videoart and Performance in Palestine, Ramallah; Bundeskunsthalle Bonn; Staatliche Kunsthalle Baden-Baden; Bonner Kunstverein; Videonale15 Parcours Bonn; Kunstverein Familie Montez - Frankfurt / Main; Seoul Art Space-Seogyo, Seoul; 12. Triennalle der Kleinplastik, Fellbach; Gallery Wiensowski & Harbord, Berlin; Württembergischer Kunstverein, Stuttgart; Goethe Institut in Washington, D.C. Her selected public and private performances took place at Kunstmuseum Bonn; Videonale 15 Bonn; Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw; me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht; Kunsthalle Baden-Baden; W139, Amsterdam, Portikus, Frankfurt; Gallery Wiensowski & Harbord, Berlin; Heidelberger Kunstverein, Heidelberg; Seoul Museum of Art – SeMA, Seoul: Venice Biennale Hungarian Pavilion, Venice; Wiels, Contemporary Art Centre, Brussels; Ute Weingarten-Artpress, Berlin; Akademie Schloss Solitude, Stuttgart; Künstlerhaus Stuttgart, amongst others.
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posted 23. Apr 2017

SOL CALERO. Interiores

04. Mar 2017 07. May 2017
opening: 03. Mar 2017 19:00
ERÖFFNUNG: 03.03.2017, 19 Uhr Begrüßung: Marion Edelhoff (Vorsitzende), Einführung: Oriane Durand (Künstlerische Leiterin) Einem Gesamtkunstwerk vergleichbar sind die immersiven Installationen Sol Caleros (*1982 in Caracas, Venezuela): Farbintensiv, reich an dekorativen, aber auch nutzbaren Objekten und ausgestattet mit Malereien, Möbeln, selbstgestalteten Stoffen und Videoarbeiten. So transformiert Calero neutrale in funktionale und kommunikative Räume – Galerien wurden zu Friseursalons oder Internetcafés, ein Museum eine Wellness-Oase. In der Verwendung vielfältiger tropischer Motive und einer opulenten Ästhetik, hinterfragt sie unsere klischeebehaftete Vorstellung des Exotischen und somit die Konstruktion von Identität und Nationalität. Für Interiores, Sol Caleros erste große institutionelle Einzelausstellung in Deutschland, konzentriert sie sich erstmals auf die Malerei als Vorgang der Abstraktion. In der Tradition des venezolanischen Bildhauers Jesús Rafael Soto (1923-2005) verwandelt sie den gesamten Raum des Kunstvereins in eine Malerei – ihre Malerei –, in die der Besucher eintaucht. So entsteht ein Ort ohne Funktionalität, der dennoch weiterhin die Konflikte und Widersprüche unseres eigenen Wertesystems ausstellt, und unser Verlangen sowie Sehnsüchte mit Sinnlichem, Ablenkendem und Humorvollem füllt.


Sol Calero 


Oriane Durand 
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posted 22. Apr 2017

Julius von Bismarck. Talking to Thunder

31. Mar 2017 06. May 2017
opening: 31. Mar 2017 19:00
Opening Friday, Mar 31st, 2017, 7—9 pm When, at the end of August 2016, it emerged that more than 300 reindeers were struck by lightning on the Hardangervidda mountain plateau in southern Norway, Julius von Bismarck immediately booked the next flight. A chartered fishing boat brought him and his team near; a day and a half later, he stood before the site of a natural catastrophe of historical proportions. The sad trophies of this journey are 130 antler tips of different lengths, sometimes a few centimetres, sometimes up to 30 cm long, which he took from the animal carcasses on the spot. Each individual antler tip, which is mounted in stainless steel for this exhibition and placed on a metal rod at the height of a reindeer head, testifies to the relentless brutality of nature, which is so inexplicable to us. Julius von Bismarck is interested in various concepts of nature: he confronts the Western dogma of nature as an environment that is in need of protection with the image of nature as a punishing deity, a natural force which invariably devastates and is to be soothed and worshipped. In the north of Colombia, he met the shaman of an Indian tribe, whose people are stricken by the frequent thunderstorms occurring in this region, and who speaks with the thunder as if it were a real person. The title of this exhibition, "Talking to Thunder", stems from this conversation. Since he was struck by lightning while camping in his car in the wilderness about 10 years ago, von Bismarck has been attempting to tame lightning bolts. He travelled to an atmospheric research lab in New Mexico, to a naval base in Florida, and he visited Venezuela time and again - there is a remote area where there are particularly frequent electrical storms. The electric current between the ground and the sky can be measured. If it is particularly high, an electrical discharge can be provoked by building a bridge, for example in the shape of a Kevlar-spun copper thread, which is shot into the sky by a small rocket. In a fishing village in the middle of the Venezuelan jungle, and after long experiments, von Bismarck succeeded in capturing several lightning bolts. With a time lapse camera, he has filmed dramatic thunderstorms: lightning perforates the sky, plants sway heavily in the storm, gushes of rain whip the surface of a lake. These recordings, which are silent because of the nature of slow motion, have been set to sound with the artist’s own imitated noises. The resulting video can be seen on the third floor. In a group of photographs von Bismarck additionally shows the lightning striking palm trees, tropical plants and a lake. The lightning bolt itself becomes a sculptural object, almost tangible. The self-built rockets, with which the artist tried to capture the lightning, and which he painfully retrieved from the jungle after each use with the aid of a flashing LED and tracking transmitter, are exhibited in parallel as ready-mades, still carrying the aura of challenging the elements. Von Bismarck and his team spent many weeks in the Venezuelan jungle. What at first sight looks like paradise turns out to be the contrary: the humidity is unbearable, the beach is polluted with oil, the water is bacterially and chemically charged. Through binoculars, the rain-soaked tropical plants look like two-dimensional stage props, arranged behind one another – they remind of the western idea of the jungle, which has long been influenced by botanical drawings as well as the paintings of Henri Rousseau. Von Bismarck has pressed and dried the surreal plants of this menacing region, and mounted them on stainless steel plates. Titled "I like the flowers", they are part of this exhibition. Some amazingly beautiful, some brutally deformed, they testify to the long tradition of human intervention in nature. Julius von Bismarck grew up in Riyadh (Saudi Arabia) and Berlin, where he lives and works. Among his solo exhibitions are: I Like The Flowers, Kunstverein Frankfurt, Frankfurt (2017); Objects in mirror might be closer than they appear (with Julian Charrière), Villa Bernasconi, Grand-Lancy (2016); Tiere sind dumm und Planzen noch viel dümmer, Kunstverein Göttingen, Göttingen (2015) and History of Apparatus, Kunstverein Arnsberg, Arnsberg (2014). Among his group shows are: PRODUKTION. made in germany drei, Sprengel Museum, Hannover (2017); The 1st Antarctic Biennale, Antartic (2017); Deep Inside, 5th Moscow International Biennale for Young Art, Moscow (2016); Kunstpreis der Böttcherstraße, Kunsthalle Bremen, Bremen (2016); Under Arms. Fire & Forget 2, Museum für Angewandte Kunst, Frankfurt am Main (2016); Welcome to the Jungle, KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2015); Fire and Forget, KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2015) and Egocentric System, Art Basel Unlimited, Basel (2015). This year, Julius von Bismarck will receive the Art Prize of the City of Wolfsburg.
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 21. Apr 2017

Heidrun Holzfeind «Never Neverland»

10. Mar 2017 05. May 2017
opening: 09. Mar 2017 18:30
Eröffnung: Do, 09.03.2017, 18.30 Uhr apero 2017: Do, 16.03.2017, 18 - 22 Uhr Heidrun Holzfeind, »EXPOSED«, 2005 Filmabend und Gespräch mit Heidrun Holzfeind und Silvia Eiblmayr Di, 02.05.2017, 18.30 Uhr Der Kunstraum Lakeside richtet die erste Einzelpräsentation der in Kötschach-Mauthen gebürtigen Videokünstlerin Heidrun Holzfeind in Kärnten mit einer adaptierten Präsentation ihres dreiteiligen Videoprojektes „Never Neverland“ aus. Die Arbeiten der österreichischen Künstlerin Heidrun Holzfeind spüren dem Verhältnis zwischen individuellen Lebensgeschichten und politischen Realitäten nach. Für die vom steirischen herbst beauftragte Arbeit „Never Neverland“ spannt Holzfeind einen Bogen von einer Künstler Community in der kalifornischen Wüste zu Orten experimenteller Lebensentwürfe in der Steiermark und Slowenien. Das filmische Erkundungsprojekt porträtiert in einer 3-Kanal-Videoinstallation Menschen, die einen alternativen Lebensweg abseits der Konsumgesellschaft eingeschlagen haben. Diese Suche nach einem menschenwürdigeren Dasein wird zum Ausgangspunkt einer Reflexion über Kreativität, Spiritualität und Nachhaltigkeit und dem Gegensatz zwischen Kommunalismus und Individualismus. Holzfeinds Arbeit ist als künstlerischer Versuch zu verstehen, vernachlässigte soziale Narrative aufzugreifen und diese mit den Wünschen, Erwartungen und Gefühlen der Besucher zu konfrontieren. Dabei gelingt es Heidrun Holzfeind, ein politisches Moment jenseits der Konventionen politischer Kunst zu erzeugen. Anfang Mai findet ein Filmabend mit Heidrun Holzfeind und der Kunsthistorikerin und Kuratorin Silvia Eiblmayr statt, bei dem eine weitere Arbeit der Künstlerin, nämlich „EXPOSED“ aus dem Jahr 2005, gezeigt und diskutiert wird. Die Protagonistin des Filmes leidet unter einer Vielfachen Chemikalienunverträglichkeit (MCS). Der Film zeigt die Verletzlichkeit und Ausgesetztheit der Tänzerin, aber auch ihren Kampf um Anerkennung ihres von Umweltgiften belasteten gesundheitlichen Zustandes und um entsprechende Unterstützung.


Hemma Schmutz 
kunstraum lakeside, Klagenfurt

Lakeside Science & Technology Park GmbH, Lakeside B02
A-9020 Klagenfurt

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posted 20. Apr 2017


26. Mar 2017 25. Jun 2017
opening: 26. Mar 2017 12:00
Ausstellungseröffnung: Sonntag, 26. März, 12 Uhr »STRETCH« ist eine umfassende Werkschau der Künstlerin Alexandra Bircken, die sowohl frühe als auch neue ortsspezifische Arbeiten zeigt. Das Experiment mit dem Material sowie der Körper als Ausgangspunkt sind grundlegende Parameter ihrer skulpturalen Arbeit. Die Haut als Bekleidung, als Organ und zellulare Struktur, aber auch als Grenze zwischen Innen und Außen bildet den Initiator für die Entwicklung der vielschichtig konstruierten Werke der Künstlerin. Materiell sind ihre Objekte geprägt von unterschiedlicher, oftmals kontrastierender Beschaffenheit. Gipsmodellagen, Wachse, Fragmente von Schaufensterpuppen und Kleidungsstücke, die als Körperteile zum Einsatz kommen, sowie mit Wolle verdichtete Strukturen werden als Versatzstücke genutzt und miteinander verwoben. Die Arbeiten von Bircken (*1967, lebt in Köln) bestechen einerseits durch eine auratisch geladene Materialpräsenz und erinnern andererseits an den menschlichen Körper und dessen Schutzhüllen – sei es in stofflicher oder auch architektonischer Art und Weise. So erinnert beispielsweise das Walking House (2016) an ein archaisches Baumhaus oder – wie im Titel angelegt – an ein modulares, vermeintlich bewegliches Domizil. Demgegenüber stehen weiche, fließende Formen, wie etwa jüngst ein grobmaschiges Wollgewebe bzw. Ornament mit dem Titel Cocoon Club (2016). Rund sechzig Arbeiten werden im Museum Abteiberg zu sehen sein, verteilt im großen Wechselausstellungsraum und dem offenen Ausstellungsbereich in der Straßenebene. Über den Parcours verteilt tauchen diverse an menschliche Figuren erinnernde Skulpturen auf, die auf Treppen drapiert, stehend oder liegend dem Besucher gegenübertreten. Diese figurativen Arbeiten werden in Bezug gesetzt zur Maschine, als vom Menschen erschaffene Apparatur oder Machtinstrument. Die Dominanz- und Schutzbehauptung von Motorradkleidung und -rädern oder von Waffen wird durch Verletzungsspuren – etwa in den aus Motorradbekleidungen gefertigten Figuren – thematisiert. Maschinen, Waffen sowie zwei Motorräder werden durch Schnitte dekontextualisiert. Erstmalig sind in dieser Ausstellung, die gemeinsam mit dem Kunstverein in Hannover realisiert wurde (dort zuvor 30.09. – 27.11.2016), frühe Objekte und Skizzen zu sehen, die an der Schnittstelle von Mode und Kunst entstanden. Mit dem Shop »Alex« (Köln) begann 2003 die künstlerische Arbeit Birckens, die zuvor eine Ausbildung zur Modedesignerin am St. Martins College in London absolviert hatte, wo sie lange lehrte und sich u. a. mit ihrem eigenen Label »Faridi« einen Namen machte. Bereits ihre frühen Accessoires lassen ein künstlerisches Interesse an Objekthaftem und Räumlichem erkennen. Alexandra Bircken entwickelte große ortsspezifische Interventionen, die das Zusammenspiel von Mensch und Maschine sowie Figur oder Roboter im Raum beleuchten. Der Ausstellungsparcours als eine räumliche Welt aus Protagonisten und Formwandlungen lässt das Publikum sich selbst und die eigene Relation zu Welt und Zeit thematisieren. Alexandra Birckens Werke wurden in jüngeren Museumsausstellungen etwa im Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam (2014) oder in The Hepworth Wakefield (2014) gezeigt. Zuvor stellte sie beispielsweise im Kunstverein in Hamburg (2012) sowie im Studio Voltaire in London (2011) und im Kölnischen Kunstverein (2010) aus. Die Ausstellung »STRETCH« wurde in Zusammenarbeit mit dem Kunstverein Hannover realisiert und erzeugt an beiden Orten unterschiedliche räumliche Situationen. Im Rahmen der Ausstellungstournee erscheint eine neue Publikation zum Werk von Alexandra Bircken. Die Ausstellung im Museum Abteiberg und die Künstlerpublikation werden realisiert mit großzügiger Förderung durch die Stiftung für Kunst, Kultur und Soziales der Sparda Bank West und endet mit einem Finissage-Konzert, das Alexandra Bircken für das multimediale Mönchengladbacher ENSEMBLIA Festival vorschlägt.
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posted 19. Apr 2017

Making Space: Women Artists and Abstraction

15. Apr 2017 13. Aug 2017
Making Space shines a spotlight on the stunning but still relatively under-recognized achievements of women artists between the end of World War II (1945) and the start of the Feminist movement (around 1968). In the postwar era, societal shifts made it possible for larger numbers of women to work professionally as artists, yet their work was often dismissed in the male dominated art world, and few support networks existed for them. Abstraction dominated artistic practice during these years, as many artists working in the aftermath of World War II sought an international language that might transcend national and regional narratives—and for women artists, additionally, those relating to gender. Drawn entirely from the Museum’s collection, the exhibition features more than 100 paintings, sculptures, photographs, drawings, prints, textiles, and ceramics by some 50 artists. Within a trajectory that is at once loosely chronological and synchronous, it includes works that range from the boldly gestural canvases of Lee Krasner, Helen Frankenthaler, and Joan Mitchell; the radical geometries by Lygia Clark, Lygia Pape, and Gego; and the reductive abstractions of Agnes Martin, Anne Truitt, and Jo Baer; to the fiber weavings of Magdalena Abakanowicz, Sheila Hicks, and Lenore Tawney; and the process-oriented sculptures of Lee Bontecou, Louise Bourgeois, and Eva Hesse. The exhibition will also feature many little-known treasures such as collages by Anne Ryan, photographs by Gertrudes Altschul, and prints made at the Tamarind Lithography Workshop in Los Angeles, founded by June Wayne. Organized by Starr Figura, Curator, Department of Drawings and Prints, and Sarah Hermanson Meister, Curator, Department of Photography, with Hillary Reder, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints. The exhibition is supported by the Annual Exhibition Fund.
MOMA - The Museum of Modern Art, New York

MOMA | 11 West 53 Street
NY-10019 New York

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posted 18. Apr 2017

A World View: John Latham

02. Mar 2017 21. May 2017
As a pioneer of British conceptual art, John Latham (1921-2006) has exerted a powerful and lasting influence, not only on his peers but on generations of younger artists. This spring, the Serpentine hosts a new exhibition that encompasses all strands of Latham’s extraordinary practice, including sculpture, installation, painting, film, land art, engineering, found-object assemblage, performance and the artist’s theoretical writings. Central to the world view that Latham spent a lifetime developing, was his proposed shift towards a time-based cosmology of events away from a space-based framework of objects. In Latham’s eyes, ‘flat time’ expands across and beyond individual disciplines, aligning social, economic, political, psychological and aesthetic structures. He saw the artist as holding up a mirror to society: an individual whose dissent from the norm could lead to a profound reconfiguration of reality as we know it. Since he started exhibiting in the late 1940s, Latham has been associated with several national and international artistic movements, including the first phase of conceptual art in the 1960s. He was an important contributor to the Destruction in Art Symposium of 1966, and also a co-founding member of the Artist Placement Group APG (1966-89), along with Barbara Steveni, Jeffrey Shaw, David Hall, Anna Ridley and Barry Flanagan, an initiative that was to expand the reach of art and artists into wider society through organisations of all kinds, at all levels and on a basis equivalent to any other specialist. Adopting a holistic approach, the Serpentine exhibition will span Latham’s career to include the artist’s iconic spray and roller paintings; his one-second drawings; films such as Erth (1971) and Latham’s monumental work, Five Sisters (1976) from his Scottish Office placement with APG. Over the course of the exhibition, Flat Time House, John Latham’s studio home in Peckham, south London, will open to the public, hosting a programme of workshops and events. In 2003, Latham declared Flat Time House a living sculpture. Since 2008, it has been a gallery, residency space and centre for experimental events and research into Flat Time. It is also home to the John Latham archive. John Latham John Latham was born in Livingstone, Northern Rhodesia (now Maramba, Zambia) in 1921. After serving in the Royal Navy, he enrolled at Regent Street Polytechnic and then studied painting at Chelsea College of Art and Design (1947–51). Solo exhibitions include Henry Moore Institute, Leeds, UK (2016); Triennale di Milano, Milan, Italy (2014); Whitechapel Art Gallery, London, UK (2010); P.S.1 Contemporary Art Center, New York City, USA (2006); Tate Britain, London, UK (2005, 1976); Mattress Factory, Pittsburg, USA (1996); MoMA Oxford, UK (1992); Staatsgalerie, Stuttgart, Germany (1991); Société des Expositions du Palais des Beaux-Arts, Brussels, Belgium (1984); and Städtische Kunsthalle, Düsseldorf, Germany (1975). Multiple shows in the Lisson Gallery. His work was shown in many group exhibitions including Documenta 6, Kassel, Germany (1977) and the 51st Venice Biennale, Venice Italy (2005). His work is held in collections worldwide, including Tate Collection and MoMA.


John Latham 
Serpentine Gallery, London

Kensington Gardens
W2 3XA London

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posted 17. Apr 2017

The Uninhabitants. Gal Weinstein, Patrizia Giambi, in collaboration with Opifici Dal Re

29. Mar 2017 20. May 2017
opening: 28. Mar 2017 18:30
The Uninhabitants Gal Weinstein, Patrizia Giambi, in collaboration with Opifici Dal Re Preview 28 March 2017, 6:30 pm Riccardo Crespi gallery presents The Uninhabitants, an exhibition that stands on the borderline between art and design and is based on a group of works whose formal characteristics would make it easy to assign them to the area of the domestic, the world of inhabiting. The artists’ works all suggest a connection with corresponding objects of everyday use, but the doors Patrizia Giambi has created in collaboration with Opifici Dal Re, like Gal Weinstein’s disintegrating kitchen, display, on close examination, a quite different vocation that betrays an urge to un-inhabit rather than to inhabit: doors that do not protect, nor separate, a kitchen in which you can’t cook, an alcove that offers no privacy. Instead of conveying a reassuring sense of hearth and home, once they have emerged from the artist’s studio the works reveal their inability to function, thereby showing the fundamental divergence between the meanings implied in the creation of a work and its actual use. Gal Weinstein was born at Ramat Gan in 1970. He lives and works in Tel Aviv. This year he will represent Israel at the 57th Venice Biennale, after showing his work in numerous solo exhibitions in museums and galleries all over the world and taking part in major events both in Israel and abroad, including the 25th Bienal de São Paulo, the 8th Mercosul Biennale and the 4th Thessaloniki Biennale. Patrizia Giambi was born at Lugo, Ravenna, and lives and works in Forlì. She has collaborated since 1985 with Maurizio Cattelan, working alongside him in the spontaneous art group Palazzo del Diavolo. After intense exhibition activity in America from 1991 to 1997, she returned to Europe, showing at different institutions and galleries in Italy and the rest of the continent. Opifici Dal Re has taken up the legacy of the Essegi publishing house in Ravenna and was set up by Patrizia Dal Re to play an ever more active role in the production and publishing of art.

artists & participants

Patrizia Giambi,  Gal Weinstein 
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posted 16. Apr 2017

Annette Messager

10. Feb 2017 23. Apr 2017
From February 10 to April 23, 2017 the French Academy in Rome – Villa Medici will host the first solo exhibition in Italy by Annette Messager, one of the most famous, innovative and nonconformist French artists on the contemporary art scene. Internationally speaking the exhibition is already looking like one of the big cultural events of the season. Titled Messaggera, the show combines the most remarkable works of a prestigious career with new ones specially created for the Villa. Taken together they testify to the eclecticism of an artist who makes nonchalant play with references both to art history and popular culture. With Annette Messager, and at the instigation of director Muriel Mayette-Holtz, the French Academy in Rome – Villa Medici is initiating Une, its new series of contemporary art exhibitions, curated by Chiara Parisi: women artists internationally famed as contemporary icons will be presenting major shows with works for the most part not seen in Italy before. Each exposition will highlight the expressive force of the artist's project and their vision. Born in 1943 and laureate of the Golden Lion at the 2005 Venice Biennale, in 2016 Annette Messager received the prestigious Praemium Imperiale International Arts Award for sculpture. Not only sculpture, however, but also drawing, painting, photography, writing and embroidery, are the instruments she uses in her installations that are ironic reflections of her own experience. "For me," explains the artist, "transforming something is like playing. But playing seriously, the way children do. I consider myself an old child." With these words she introduces us into a world founded on a balance between the familiar and the troubling, between dream and nightmare. A world of fabrics, colored pencils, doctored images, dolls, soft toys and stuffed animals. At the Villa Medici Annette Messager offers an imaginative, dreamlike itinerary that sets up interaction between the interior and exterior spaces of the splendid Renaissance architecture. In an exploration of the revolts led by women, their fears and fantasies, the artist raises the issue of prejudice with a single intention: transforming taboos into totems. "When I started," says Annette Messager, "the art world was almost exclusively male. Since then a lot more women have found their way in, but prejudices die hard. A woman artist triggers specific questions: I get asked about my private life, and if I have children. Women writers are more readily accepted, probably because they've inherited the tradition of keeping a diary." With her highly personal way of interpreting our time, telling stories and creating disturbing ambiences, Messager challenges the social clichés about womanhood and plays her part in deconstructing stereotypes. Published by Electa, the exhibition catalogue—the first in a new series on contemporary art—conceived as an artist's book, is in fact Annette Messager’s personal diary devoted to the Villa Medici. It is accompanied by a poster specially created for the occasion.


Annette Messager 


Chiara Parisi 
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posted 15. Apr 2017

MAT COLLISHAW. The Centrifugal Soul

07. Apr 2017 27. May 2017
opening: 06. Apr 2017 18:00
‘We put too much of ourselves into our product facades, spinning too much mass to our outer edges where we hope it is both publicly visible and instantly lovable. One problem with this strategy is that it leaves too much blank space in the middle, so there’s not much of ourselves left for lovers or friends to discover in the long term. This could be called the centrifugal-soul effect.’ - Geoffrey Miller In The Centrifugal Soul, Mat Collishaw’s forthcoming exhibition at Blain|Southern, the artist presents new sculpture, installation and paintings. Drawing on various forms of illusion, the exhibition explores ideas of superficial truth and the erosive effect of our primal urges for visual supremacy. Collishaw worked with evolutionary psychologist Geoffrey Miller - whose theory that the origins of art stem from natural instincts of courtship and reproduction - to produce the title work and centrepiece of the exhibition. The Centrifugal Soul is a sculpture in the form of a zoetrope, which animates scenes of bowerbirds and birds of paradise as they perform elaborate mating rituals. The work offers a captivating demonstration of how aesthetic diversity has evolved through sexual selection and also reflects the artist’s ongoing examination of our insatiable appetite for visual stimulation. Exhibition dates: 7 April – 27 May 2017


Mat Collishaw 
BlainSouthern, London

4 Hanover Square
W1S 1BP London

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posted 14. Apr 2017

Marina Abramović. The Cleaner

18. Feb 2017 21. May 2017
For nearly forty years, Marina Abramović has been expanding the boundaries of art. Using her own body as a vehicle, she has pushed herself to the ultimate limits, often exposing herself to lethal hazards to create performance art that is shocking, challenging and deeply moving. This exhibition is her first major retrospective in Europe, and was produced in close collaboration with the artist. The Cleaner features more than 120 works from five decades and presents several of her most famous performance works as films, video installations, live performances, scenographies and photographs from the 1970s to today. It includes works created with the German artist Ulay, her partner in art and life in 1976–1988. Several of her early pieces – paintings, photos, sound compositions and works on paper – are shown here for the first time. Performance is about the here and now Since the early 1970s, Abramović has changed and promoted performance art – a discipline that is all about the here and now, about energies between people, rather than physical art objects. Her earliest conceptual pieces and audio environments have similarities with the public performance works she has produced in recent years, where the focus has been on the presence of each individual taking part in them. The active participation of the audience has grown increasingly important, as in 512 Hours and the completely new collective performance work The Cleaner (2017), which will take place on Skeppsholmen in conjunction with the exhibition. Born in Belgrade Her childhood in Belgrade in former Yugoslavia was deeply influenced by religion and revolution. Abramović, born in 1946, was brought up by her Christian grandmother and her parents who were partisans under Tito, the Yugoslavian head of state at the time. Spirituality, without religious affiliations, is at the centre of her practice, challenging power structures and hierarchies, without being explicitly political. Abramović gives up painting in the 1970s Early in her career, Abramović chose to give up the prevailing discipline of painting in favour of conceptualism, which is based on ideas rather than objects and often builds on sensory perceptions. But it was when she began engaging in performance art that she truly found her own expression. Abramović exposed herself to both pain and peril, like many other body artists at the time, including Chris Burden, Vito Acconci, and Gina Pane. In her early works, she experimented with a ritual dramaturgy similar to that of martyrdom. The settings are carefully composed of symbols and objects distinctly charged with meaning – the star, the cross, ice and fire, honey and wine. In one of her most disturbing works, Rhythm 0 (1972), she appears sitting next to a table with 72 objects intended for pleasure or pain. Abramović leaves the audience free to do what they want with her, while simultaneously taking full responsibility for everything that happens in the room. Ulay – collaborator and partner in 1976–1988 In her collaboration with Ulay (b. 1943), whom she met in Amsterdam, she developed a radically terse format, focusing on the dynamic interaction between them. Their Relation series evolved in their life together, which in itself was a work in progress, perpetually in motion, travelling around Europe in their van, and eventually going on longer journeys around the world to experiment with hypnosis and meditation. Their collaboration and their relationship was brought to a close in what is perhaps their most famous work, The Lovers (1989), a ritual walk from opposite ends of the Great Wall of China, where they met halfway – and then parted. Balkan Baroque – despair and genocide In the devastating Balkan conflict in the 1990s, Abramović explored her own background. In the performance Balkan Baroque (1997) at the Venice Biennale she expressed her despair over the war and genocide in former Yugoslavia. Dressed in white, sitting on a huge pile of animal bones, Abramović scrubbed futilely to clean them of dirt and blood. Visitors balked at the macabre scene. After being rejected by the national pavilion on the grounds of its difficult subject matter, it later provoked great attention in the international exhibition, where she was awarded the Gold Lion, the Biennale’s most prestigious prize. Durational performance and non-verbal dialogue The performances that Ulay and Abramović made together often lasted for many hours. Abramović has continued to develop so-called durational performance on her own, in pieces such as her now classic The Artist is Present (2010), in which she met visitors’ eyes at MoMA in New York every day for three months. Travel, to places such as India, Tibet, Australia and Brazil, and the encounter with non-Western cultural traditions is another perpetual theme. In her exploration of mediation and transition, she has engaged in a series of Transitory Objects – pieces that are intended as implements and triggers rather than as sculptures. She developed new collective projects, partly based on the German Fluxus artist Joseph Beuys’ ideas on social sculpture – a collective generation of energies and non-verbal dialogue, as a means of influencing the time we are living in. Reperformances will be performed daily in the exhibition, and 27 February–5 March the brand new performance The Cleaner will take place at the Eric Ericson Hall. Curator: Lena Essling


Marina Abramovic 
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posted 13. Apr 2017

Rosa Barba. Spacelength Thought

02. Apr 2017 25. Jun 2017
opening: 05. Apr 2017 19:00
Eröffnung: Mittwoch, 5. April 2017, 19 Uhr Das Werk der deutsch-italienischen Künstlerin Rosa Barba lässt sich vor dem Hintergrund eines erweiterten Skulpturbegriffs lesen. Neben Fragen nach der Komposition, der Körperlichkeit von Form und der Plastizität, spielt die zeitliche Dimension eine zentrale Rolle. Dieser Aspekt sowie ihr Interesse daran, wie Film Raum artikuliert, setzen Werk und Betrachter in ein neues Verhältnis, was sich auch im Inhalt ihrer Filme widerspiegelt. Jeder ist eine topografische Studie des modernen Unbewussten. Es sind Räume der Erinnerung und der Ungewissheit, die trotz der instabilen Realität, die sie darstellen, als versichernder Mythos zu lesen sind. Barbas filmische Arbeiten bewegen sich zwischen experimentellem Dokumentarfilm und fiktionaler Erzählung und sind zeitlich nicht eindeutig festgelegt. Sie fokussieren häufig Naturlandschaften und vom Menschen verursachte Eingriffe in die Umwelt, sie untersuchen das Verhältnis zwischen historischer Aufzeichnung, persönlicher Anekdote und filmischer Darstellung. Eine Schlüsselstellung für Barbas räumlich erweiterten Begriff von Skulptur hat die Serie White Museum, bei der die Umgebung Teil der Installation wird. Ein Raum des jeweiligen Ausstellungsgebäudes wird zur Projektionskabine, aus der ein Filmprojektor ein rechteckiges Lichtfeld nach draußen wirft. Die Landschaft wird so zu dreidimensionalen Filmbildern, die von einem leeren Raum, gleichfalls Teil des Museums und der Ausstellung, betrachtet werden können. Die Außenwelt wird zum Bild, zur Idee. Die Arbeit wurde seit 2010 in verschiedenen ortsspezifischen Versionen gezeigt; erstmals im Centre international d’art et du paysage de l’île de Vassivière, wo der umliegende Park Teil der Installation wurde, anschließend unter anderem 2012 in Margate, in der Turner Contemporary (Projektion aufs Meer), 2015 im Hirsch Observatory in Troy, Upstate New York, wo die Projektion in den Himmel gerichtet wurde und zuletzt auf der laufenden 32. São Paulo Biennale (bis Dezember 2016). Parallel zu ihrem filmisch-installativen Werk gibt Barba seit 2004 die Editionsreihe Printed Cinema heraus, die als eine Art Sekundärliteratur zu Barbas Filmen fungiert: Da die Publikationen Recherche- ebenso wie für den Film selbst verworfenes Material umfassen, bilden sie nicht nur eine visuelle, sondern auch eine dauerhafte Erweiterung der temporär begrenzten filmischen Vorführung. Rosa Barba, geboren 1972 in Agrigent (Italien), lebt und arbeitet in Berlin.


Rosa Barba 
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

Austria show map
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posted 12. Apr 2017

Copy Construct

25. Mar 2017 04. Jun 2017
opening: 24. Mar 2017
The exhibition Copy Construct departs from different artistic practices and specific works by artists that are based on ‘reproduction’ or ‘copy’. The selected works are inherent to the production of printed matter or artist’s books. This implies that different artistic media such as painting, drawing, photography, video, sculpture, and graphic design can manifest themselves through graphical problematics and their meanings. Alongside the 25 works of the artists, a little less than 300 books from the KASK collection (School of Arts, Ghent) and private collections from Belgium and England are displayed in the exhibition. The exhibition architecture is designed by Kris Kimpe and Koenraad Dedobbeleer and is accompanied by a publication, designed by Joris Dockx, which includes a bibliography of the exhibited books, different contributions by the artists, an interview with a book collector, etc. With work by: Kasper Andreasen, Peter Downsbrough, Vincent Geyskens & Jan Op de Beeck, Henri Jacobs, Jan Kempenaers, Kris Kimpe & Koenraad Dedobbeleer, Stephanie Kiwitt, Aglaia Konrad, Alon Levin, Sara MacKillop, Gregorio Magnani, Marc Nagtzaam, Willem Oorebeek, Frans Oosterhof, Ria Pacquée, Simon Popper, Guy Rombouts, Mitja Tušek, Anne-Mie Van Kerckhoven (Club Moral), & the KASK Collection et al., and publications by: Brumaria, Sébastien Conard, Arnaud Desjardin, De Enschedese School, Mekhitar Garabedian, Thomas Geiger (Mark Pezinger Verlag), Jef Geys, Groepsdruk (& others), Karl Holmqvist, Jochen Lempert, Louis Lüthi, Jurgen Maelfeyt, Mark Manders, Karel Martens, Tine Melzer, Dan Mitchell, Kristen Mueller, Olaf Nicolai, Sophie Nys, Quick Magazine, Kurt Ryslavy, Joachim Schmid, David Sherry, Erik Steinbrecher, Derek Sullivan, Elisabeth Tonnard, This Week, Erik van der Weijde, Maud Vande Veire, Gert Verhoeven, Leen Voet, Jan Voss, Fritz Welch curator: Kasper Andreasen


Kasper Andreasen 
Cultuurcentrum Mechelen

Minderbroedersgang 5
2800 Mechelen

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posted 11. Apr 2017

El Lissitzky. Kabinett der Abstrakten. Die neue Rekonstruktion

18. Feb 2017 31. Dec 2018
Eröffnung: Freitag, 17. Februar 2017, 19 Uhr In Kooperation und mit großzügiger Unterstützung von E)(POMONDO by Holtmann, Hannover-Langenhagen, hat das Sprengel Museum Hannover eine neue Rekonstruktion von El Lissitzkys Kabinett der Abstrakten (1927) errichtet. Der Raum, der bis 1937 im Provinzial-Museum in Hannover existierte, steht nicht nur für eine bedeutsame Etappe der hannoverschen Museumsgeschichte, sondern gilt als ein Hauptwerk des russischen Künstlers und Meilenstein in der Entwicklung der Ausstellungsarchitektur. Als Künstler der internationalen Avantgarde verfolgte der Architekt, Maler und Typograph Lissitzky (1890−1941) das Ziel, die abstrakten Formen der Kunst in Einklang mit den Anforderungen des modernen Lebens zu bringen. Seine Werke berücksichtigten stets neueste technische Möglichkeiten, Materialien und Medien. Der Stadt Hannover war er seit 1922 besonders verbunden, da er hier bei Kuratoren und Sammlern Anerkennung erfuhr und seine spätere Frau Sophie Küppers kennenlernte. 1926 entwarf er im Auftrag von Alexander Dorner, Direktor der Landesgalerie im Provinzial- Museum Hannover, einen neuartigen „Demonstrationsraum“ für zeitgenössische Kunst, der schon damals als zukunftsweisendes Experiment überregionale Beachtung fand und bis heute im Fokus kunsthistorischer Forschung steht. Lissitzky erfand eine komplett neuartige Form, Kunst zu zeigen. Er verglich den Demonstrationsraum mit einer Art „Schaukasten“ oder „Bühne“, auf der jedes Werk zu seinem eigenen Recht und zur besten Geltung kommen sollte. Das moderne Ausstellungsdisplay mit Lamellenwänden und beweglichen Elementen zielte auf die Aktivierung des Besuchers und die Reflektion seiner Wahrnehmung. Die Gestaltung sollte „keine private Salondekoration sein“, sondern einen „Standard aufstellen für Räume, in denen der Allgemeinheit neue Kunst gezeigt wird“ (Lissitzky). Ausgestellt waren (und sind) im Kabinett abstrakte Werke von Kubisten und Konstruktivisten wie Fernand Léger, Piet Mondrian, El Lissitzky und Friedrich Vordemberge-Gildewart. Der Originalraum wurde im Zuge der Zerschlagung der Moderne durch die Nationalsozialisten 1937 zerstört und in Erinnerung an Dorners Wirken erstmals 1968 vom Niedersächsischen Landesmuseum rekonstruiert. Diese erste, nicht länger funktionstüchtige Rekonstruktion diente bis 2016 im Sprengel Museum Hannover als materielle Substitution des verlorenen Originals. Als Gedächtnisort und „Alleinstellungsmerkmal“ des Hauses erschien eine Rekonstruktion weiterhin unverzichtbar, ermöglicht der Raum doch ein unmittelbares Erleben künstlerischer Utopien der internationalen Avantgarde in Hannover in den 1920er-Jahren, auch wenn eine moderne Kopie immer das Risiko einer gewissen Verfälschung der historischen Wahrheit birgt. Der neue Nachbau ist am selben Ort in der Sammlung nun der Öffentlichkeit wieder dauerhaft zugänglich. Er versucht, das ursprüngliche Kabinett in seiner architektonischen Beschaffenheit, der Farbigkeit und Beleuchtung so präzise wie möglich zu rekonstruieren: so gibt es wieder zwei Zugänge (statt bisher nur einer Tür), einen schwarzen Linoleumboden (statt eines hellgrauen Teppichbodens), eine Decke und Fensterverkleidung aus Nesselstoff (statt eines Kunststoff-Gitters und eines Plexiglas-Kubus) und eine buntfarbige statt einer bisher schwarz-weiß-grauen Bemalung der Rahmenleisten. Zur Eröffnung des neu rekonstruierten Raums wird es eine kleine Präsentation von Werken und Dokumenten zu Lissitzky, Dorner und zur Entstehung des „Kabinetts der Abstrakten“ sowie der Rekonstruktion geben. Beide Räume werden ab 23. September 2017 auch einen essentiellen Teil der kommenden Sonderausstellung „revonnaH. Avantgarde in Hannover 1912 – 1933“ darstellen (bis 7.1.2018). Es erscheint eine 12seitige, illustrierte Besucherbroschüre (dt. und engl.). In Kooperation und mit großzügiger Unterstützung von E)(POMONDO by Holtmann, Hannover-Langenhagen. Eröffnung: Freitag, 17. Februar 2017, 19 Uhr Wissenschaftliche Leitung: Dr. Isabel Schulz


El Lissitzky 
Sprengel Museum, Hannover

30169 Hanover

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posted 10. Apr 2017

Thorsten Brinkmann - PARADIECLIPSE

03. Feb 2017 06. May 2017
Die Landschaften und Kreaturen, die der Hamburger Künstler Thorsten Brinkmann in der Ausstellung versammelt, spielen diesmal in ungewohnt düsterer Manier mit den klassischen Kunstgattungen Stillleben, Landschaft und Skulptur. Dabei entwirft er mit Fundstücken vom Flohmarkt, Sperrmüll oder Schrottplatz stimmungsvolle Naturszenarien, die, gattungsübergreifend, alltägliche Dinge, Möbelteile, Behältnisse oder Gefäße im Sinne einer geheimnisvollen Narration harmonisch miteinander verknüpfen. Auf Pogonia (2016) wähnt man sich in einem exotischen, bläulich schimmerndem Wald. Geschwungene Stuhlbeine und Glasvasen kombiniert mit kurvig zugesägten Holzplatten, wachsen sich auf der Fotografie zu allerlei Bäumen und Pflanzen aus. Gluno (2016) hingegen zeigt eine Hügellandschaft aus Gegenständen in unterschiedlichen Brauntönen, wie einer abgewetzten Ledertasche, Stuhllehne und weiteren Möbeln aus Holz, die mit virtuosem Verve stimmig ineinander verschachtelt wurden. In zwei neu entstandenen Vitrinenarbeiten (2017) führt Brinkmann die zweidimensionalen Landschaften in eine räumliche Dimension über. Mit Dingen, die eher dem Innenraum entstammen, entwirft er Außenwelten, die je nach Perspektive unterschiedliche Deutungen zulassen. Anders als die Fotografien ermöglichen sie Rückschlüsse auf die verwendeten Materialien und ihre Verarbeitung. Auch die beleuchteten Tonnen (2017), zusammengesetzt aus Schrankwandteilen, stellen eine skurrile dreidimensionale Bilderwelt zur Schau, eine Anspielung auf die üblich Nutzung dieses Möbelstücks zur Aufbewahrung von allerlei dekorativen Objekten. Für seine gleichermaßen mehrdeutigen, wie humorvollen Werk- und Ausstellungstitel bekannt, dreht Brinkmann auch diesmal mit der Bezeichnung PARADIECLIPSE am Rad assoziativer Möglichkeiten. So rekurriert der Verweis auf den Garten Eden hier auf jenen Sehnsuchtsort, dem seit Anfang des 19. Jahrhunderts in unzähligen Gedichten, Märchen und Sagen der Romantik gehuldigt wurde – dem „Deutschen Wald“, welcher u.a. durch das zum Nationalmythos stilisierte Nibelungenlied zum Innbegriff germanisch-deutscher Kultur wurde. Die „Eclipse“ (engl: Sonnenfinsternis) hingegen wirft einen Schatten auf dieses Ideal. Es ist kein Zufall, dass Sonnen in diesem Zusammenhang mehrfach auftauchende Motive darstellen. In der Arbeit Peak (2016), die einen monolithischen Berg mit rosa Himmel zeigt, wird diesem Himmelskörper bildkompositorisch eine zentrale Rolle zugewiesen. Es erinnert an die Landschaften des Surrealisten Max Ernst, an Die ganze Stadt (1935/36) oder Grätenwald (1926), die ebenfalls mit der Symbolkraft von Sonne (oder konträr mit der des Mondes) spielen. Nach einer Reihe dieser utopischen Dschungelbilder und Ruinenstädte, schuf Ernst 1937 das Gemälde Der Hausengel (Der Triumph des Surrealismus), welches ein in einer Wüstenlandschaft ekstatisch tanzendes Mischwesen darstellt. Brinkmann hat eine ähnliche Kreatur geschaffen. Skrillo (2016), ein Hybrid aus Vogelwesen und Kämpfer, der im gleichnamigen Video ein sonderbares Ritual aus Tanz und Drohgebärde vollzieht. Durch einen einfachen filmischen Trick scheint die Figur seltsam fremdbestimmt, einer ihr innenwohnenden Macht unterworfen zu sein. Auf der Tonspur verstärken rückwärts abgespielte und dadurch verfremdete Geräusche zusätzlich das Gefühl eines Unbehagens. Doch das ist nur die halbe Wahrheit. Thorsten Brinkmann arbeitet dieses Mal zwar mit einem düsteren, schweren und teilweise morbiden Bildvokabular, das die großen, bisweilen pathetischen Sujets Natur, Wald, Paradies behandelt – er tut dies jedoch nicht ohne einen Twist. Auf mehreren Ebenen bietet uns der Künstler ein dichtes Netz aus kunsthistorischen und popkulturellen Bezügen an, welches an vielen Stellen humorvoll kommentiert wird. Der Schamanenkrieger Skrillo ist nicht das einzige Lebewesen, dem der Künstler Platz in seiner persönlichen Version eines dystopischen Weltentwurfs einräumt. Vogel-Chimären, halb Papagei, halb Parfümflakon (Papagon, 2016), Flugsaurier (Knoppfa, 2016), Wolperdinger aus Keramikteilen oder auch der Röckler (2016), eine Kreuzung, aus Kleidungsstück, Künstlerschuhen, Lampe und Geweih – sie alle beleben Brinkmanns Paradies, machen es zu einem mystischen Ort, der deutungsoffen und ambivalent bleibt. Text: Christiane Opitz, Ergänzungen Marita Landgraf
Mathias Güntner, Hamburg

Fleetinsel, Admiralitätstr. 71
20459 Hamburg

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posted 09. Apr 2017

BEN SCHUMACHER. Käsesakramentsystem

04. Mar 2017 14. May 2017
Remise In seiner multimedialen künstlerischen Praxis beschäftigt Ben Schumacher das komplexe Wechselspiel zwischen physischer Präsenz und biografischer Repräsentation. Im Rahmen seiner ersten institutionellen Einzelausstellung in Deutschland verwandelt der Kanadier die Remise in ein Käselager auf Zeit: Ein Regalsystem bietet Platz für Käselaibe und ein Fries aus geschnitzten Holzobjekten, die als Stellvertreter für die sieben Sakramente der katholischen Kirche fungieren. Mit dünnem Kabel verbunden, simulieren die Objekte die Verknüpfung von realer und virtueller Welt, wobei das traditionell lokal verankerte Handwerk der Käseherstellung auf den Anspruch der globalen Vernetzung trifft. Die Installation wird um eine siebenteilige Serie neuer Malereien ergänzt, die um Themen der Initiation, Heilung und Dienste kreist. Kuratiert von Nele Kaczmarek Ben Schumacher (*1985 in Kitchener, Kanada) lebt in Berlin und New York. Nach einem Architekturstudium an der University of Waterloo, Ontario und einem Kunststudium an der New York University wurden seine Arbeiten in Ausstellungen des Sculpture Center, New York, des Musée d’art contemporain de Lyon und im Rahmen der 13. Triennale Kleinplastik Fellbach und der Montreal Biennale international vorgestellt. Im Anschluss an die Ausstellung im Kunstverein Braunschweig, wird Schumacher dieses Jahr an Gruppenausstellungen im ZKM Karlsruhe und in der Kunsthalle Zürich teilnehmen.


Ben Schumacher 


Nele Kaczmarek 
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posted 08. Apr 2017


15. Mar 2017 06. May 2017
opening: 14. Mar 2017 18:00
EYES ONLY zeigt ANNELY JUDA FINE ARTS featuring LESLEY FOXCROFT Eröffnung: Dienstag, 14. März 2017, 18 – 21 Laufzeit: 15. März – 6. Mai 2017 || Mo - Sa 8 - 19 Uhr Die renommierte Londoner Galerie Annely Juda Fine Arts zeigt bei EYES ONLY die Britische Künstlerin Lesley Foxcroft mit der Arbeit „RUBBERBAND“, von 2017. Foxcroft´s Werke zeichnen sich aus durch die Einfachheit der verwendeten Rohstoffe, deren ungewöhnliche Verarbeitung zu minimalistischen Skulpturen und die bestechend simple Art und Weise der Befestigung der Werke im Raum und an den Wänden. Die Künstlerin verwendet überwiegend Packmaterialien, Karton oder schwere MDF Platten, die sie so „material-untypisch“ verformt, dass es schwierig ist, von der Form auf das verwendete Material zuschließen. Diese eigene Formensprache war dann selbst der Anstoß zu einer neuen Werkreihe, in der Foxcroft schwarzen Industriegummi für Ihre Arbeiten einsetzt. EYES ONLY* ist ein non-profit Kunstraum von Caro Jost mit dem Fokus auf internationale Kunstprojekte, in denen die klassische Rollenverteilung zwischen Künstler, Galerie, Museum, Kurator und Sammler aufgelöst wird. Im Herbst 2014 startete EYES ONLY im „Museumsareal München“ in einem kuriosem 10 m² großen Ladenraum, der nahezu nur aus einem Schaufenster besteht. Alle Ausstellungen und Aktionen finden in diesem ebenerdigen Schaufensterraum statt und sind „rund-um-die-Uhr“ durch die Scheibe zu betrachten.
EYES ONLY, München

Schellingstrasse 48
80799 Munich

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posted 07. Apr 2017


31. Mar 2017 30. Jul 2017
opening: 30. Mar 2017
Heute, im Zeitalter des Anthropozän, ist der Mensch zum bestimmenden Faktor der Evolution geworden. Nachdem die Menschheit sich über Jahrtausende gegen die Übermacht der Natur behaupten musste, drehte sich dieses Verhältnis spätestens mit der Industrialisierung um – so die These des Mainzer Atmosphären-Chemikers und Nobelpreisträgers Paul J. Crutzen. Angesichts der vom Menschen kontrollierten und bedrohten Natur macht sich in der Ausstellung eine Generation von Künstlerinnen und Künstlern auf die Suche nach Alternativen zur evolutionären Sackgasse. Die Künstlerinnen und Künstler begeben sich in die hintersten Winkel wenig erforschter Natur, um dort Essenzen und Modelle für mögliche Gegenentwürfe oder zumindest Ansätze für ein Umdenken zu suchen. Ausgehend von den letzten Refugien des Dschungels und der Tiefsee entwerfen sie computerisierte Simulationen, biologische Experimente und futuristische Biofiktionen. Sie suchen nach dem Paradox einer vom Menschen geschaffenen unberührten Natur. Dabei mischen sie kritisch-philosophische und animistische Denkweisen mit Versatzstücken von Life-Sciences, Bio- und Geo-Engineering. Gleichzeitig verwenden die Künstlerinnen und Künstler neueste Technologien der Bildkreation und der Materialverarbeitung. Mit Virtual Reality, Computeranimationen und 3D-Drucken generieren sie Bilder von berückender Schönheit oder irritierendem Hyperrealismus. Die Werke pendeln zwischen post-apokalyptischen Szenarien und öko-alternativen Visionen, abstrakt-poetischen Darstellungen und ganz konkreten Do-it-Yourself-Ideen. Auch wenn der Mensch in der Ausstellung nicht sichtbar wird, ist in allen Arbeiten die menschliche Konstruktion ablesbar. Was auf den ersten Blick vielleicht naturbelassen aussieht ist hier immer menschengemacht. Die Künstlerinnen und Künstler begeben sich auf eine Gratwanderung zwischen alternativen Visionen und dysfunktionalen Dynamiken, die immer dann drohen, wenn Menschen irreversibel in natürliche Prozesse eingreifen. Damit verbunden ist auch eine Kritik des anthropozentrischen und profitorientierten Gesellschaftsentwurfs, der Natur als nutzbare Ressource und nicht als Selbstzweck begreift. Letztlich steht in der Ausstellung das Selbstverständnis der Spezies Mensch auf dem Prüfstand. Die Werke suchen aber auch nach Perspektiven, in denen ökologische und technologische Entwicklungen nahtlos verschmelzen. Dabei loten sie das gegenwärtige Zukunftsdilemma aus, das zwischen vorsichtiger Wahrung der fragilen Koexistenz von Mensch und Natur und radikalen Maßnahmen angesichts apokalyptischer Dynamiken pendelt. Die Balance könnte letztlich sogar der Kontrolle des Menschen entgleiten, um einer posthumanistischen Ära Platz zu machen, in der sich Natur und Technik gegen den Menschen verbünden. In diesen spekulativen Zukunfts-Szenarien sind die Dualismen von Natur und Technik, Fakt und Fiktion, Optimismus und Pessimismus nicht mehr einfach auseinanderzuhalten. Der in Brasilien lebende Künstler Daniel Steegmann Mangrané macht mit brandneuer Virtual Reality-Technik ein Stück des brasilianischen Regenwaldes dreidimensional erfahrbar. Der Schweizer und Wahl-Berliner Julian Charrière zeigt einen überdimensionalen Kühlschrank mit tiefgekühlten tropischen Pflanzen, deren Ursprünge bis in die Kreidezeit zurückreichen. Der Künstler konserviert diese prähistorischen Relikte und spannt dadurch zugleich einen Bogen in die Zukunft. Das Schweizer Duo Studer/van den Berg lässt eine virtuell simulierte Ursuppe brodeln, in der auch die ominöse dunkle Materie ein digitales Abbild erhält. Die in Zürich lebende Amerikanerin Elodie Pong beschäftigt sich dagegen mit der Idee der virtuellen Konservierung bedrohter Arten, die für die Parfümindustrie synthetisch hergestellt werden und lässt diese Pflanzen im 3D-Drucker nachwachsen. Phillip Zachs Interesse gilt Würmern, einer Urform des Lebens, die heute in besonderer Weise durch menschlichen Forschungsdrang betroffen sind. Der Wurm erscheint als Metapher für eine durch und durch vom Menschen gestaltete Welt. Die Lettin Daiga Grantina erfindet hybride Objekte und Skulpturen aus artifiziellen Materialien, die scheinbar in ständiger Metamorphose als halbtransparente, organische Kreaturen den Ausstellungsraum besiedeln und über eine Sci-Fi-Zukunft hybrider Körper spekulieren. Der Belgier David Claerbout entwirft – ebenfalls am Computer – eine meditative Filmreise durch generische Bilder von idyllischen Wäldern, die begleitet von New Age-Sound eine Art Entspannung in einem nicht-existierenden Illusionsraum hervorrufen. Als selbsternannte Biohacker experimentieren Baggenstos/Rudolf & Hackteria mit ausgedientem Elektroschrott und mutmaßen im eigens in der Kunsthalle eingerichteten Bio-Labor über die Zukunft der Natur im Zeitalter von Cyborgs. Gleichzeitig organisieren sie in Kooperation mit Hackteria, einem Kollektiv von Wissenschaftlern und Künstlern, einen Do-it-Yourself-Workshop und untersuchen Chancen und Risiken aktueller genmanipulativer Technologien. Die Schweizerin Dominique Koch etabliert die biologische Möglichkeit zur potentiellen Unsterblichkeit einer Quallenart als Metapher des kapitalistischen Systems. Kuratiert von Sabine Rusterholz Petko, Kunsthistorikerin, freie Kuratorin, Zürich Die Ausstellung wird unterstützt durch: Kultursommer Rheinland-Pfalz Pro Helvetia – Schweizer Kulturstiftung Mainzer Volksbank eG
Kunsthalle Mainz

KUNSTHALLE MAINZ | Am Zollhafen 3–5
55118 Mainz

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posted 06. Apr 2017

Gerhard Richter. Die Editionen.

07. Apr 2017 30. Jul 2017
opening: 06. Apr 2017 19:00
Eröffnung: Donnerstag, 6. April, 19 Uhr Essen, 6. Februar 2017 – Gerhard Richter zählt seit vielen Jahren zu den wichtigsten Künstlern weltweit. Am 9. Februar 2017 wird er 85 Jahre alt. Das Museum Folkwang präsentiert vom 7. April bis zum 30. Juli 2017 erstmalig seine sämtlichen Editionen in einer großen Einzelausstellung. Gezeigt werden über 170 Werke, darunter Gemälde, Objekte, Fotografien, Künstlerbücher und Drucke. Seit 1965 befasst sich der weltbekannte Künstler kontinuierlich mit diesem Medium. Die Editionen – Drucke, Fotografien, Objekte, Gemälde und anderes mehr – sind damit zu einer wichtigen Gruppe im vielschichtigen Schaffen des Künstlers geworden. Sie bieten zugleich einen Überblick über sein mehr als fünf Jahrzehnte umfassendes künstlerisches Schaffen. Richter nutzt dieses Konzept seit den Anfangsjahren seiner Laufbahn, um seine Bilderfindungen neu zu interpretieren und gleichzeitig zu verbreiten. Schon seine ersten Editionen zeigen, dass er Fragestellungen, die ihn in der Malerei beschäftigen, auch in der Druckgrafik formuliert, auf neue und überraschende Weise: Fragen nach dem Verhältnis von Original und Reproduktion, nach den Eigenschaften von Malerei und Fotografie und nach der Lesbarkeit der Motive. Richter lotet in den Editionen die Möglichkeiten unterschiedlicher Medien und Gattungen aus. Immer wieder hinterfragt er dabei auch sein Selbstverständnis als Künstler: „Manchmal denke ich, ich sollte mich nicht Maler nennen, sondern Bildermacher. Ich bin mehr an Bildern interessiert als an Malerei.“* In dem Maße, wie Richters malerisches Werk sich entwickelt, reflektieren auch die Editionen seine Sujets, Konzepte und künstlerischen Strategien. Neben Familienbildern­ und Fotografien aus Zeitungen und Magazinen (z.B. „Flugzeug II“, 1966), verwendet der Künstler vermehrt auch eigene Aufnahmen als Vorlage. So griff er für die Edition „Ella“ von 2014 auf ein 2006 aufgenommenes Foto seiner Tochter zurück. Die Ausstellung entsteht in enger Zusammenarbeit mit der Olbricht Collection.


Gerhard Richter 
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posted 05. Apr 2017

Aldo Tambellini. Black Matters

11. Mar 2017 06. Aug 2017
Mit »Black Matters« zeigt das ZKM | Karlsruhe erstmals eine umfassende Einzelausstellung des amerikanischen Künstlers Aldo Tambellini. Tambellini zählt zu den Pionieren der Intermedia Art der 1960er- und 1970er-Jahre. Nachdem einzelne Arbeiten von Tambellini zuletzt in Ausstellungen und Screenings am Centre Pompidou in Paris (2012), der Tate Modern in London (2012), dem MoMA in New York (2013) und der 56. Biennale di Venezia (2015) zu sehen waren, gibt das von Peter Weibel initiierte und von Pia Bolognesi und Giulio Bursi in Zusammenarbeit mit dem ZKM kuratierte Ausstellungsprojekt nun erstmals einen Gesamtüberblick über die multimediale Praxis des Künstlers. »Black Matters« unternimmt dabei eine Reise durch die produktivste und energetisch aufgeladenste Periode von Aldo Tambellini und zeigt neben frühen Gemälden vor allem zwischen 1960 und 1980 entstandene Filme, Videos, Installationen, Lumagramme (handbemalte Dias) und Videogramme. Das ZKM | Labor für antiquierte Videosysteme hat insgesamt rund 120 – zum Teil bislang unveröffentlichte – Videos für die Retrospektive restauriert und digitalisiert. Der Künstler selbst hat intensiv an der Konzeption der Ausstellung mitgewirkt. In einer für die Ausstellung neu geschaffenen Multimedia-Installation manifestiert sich Tambellinis zentrales künstlerisches, politisches und philosophisches Unterfangen: Black Matters. Im historischen Moment, in dem in den USA die Rassenkonflikte wieder zunehmen und daher 2013 die internationale Bewegung Black Lives Matter entstand, die gegen die Gewalt gegenüber Afro-Amerikanern protestiert, hat das Motto von Tambellinis Lebenswerk »Black Matters« – der Untersuchung der Bedeutung von Schwarz in allen Dimensionen, von Schwarzen Löchern bis zur Hautfarbe, an ungeheurer Aktualität gewonnen.


Aldo Tambellini 
ZKM | Karlsruhe

Lorenzstraße 19
76135 Karlsruhe

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