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posted 29. Feb 2024

Tracey Rose. Shooting Down Babylon

23. Feb 202411. Aug 2024
23.02.2024 – 11.08.2024 **Tracey Rose. Shooting Down Babylon** Das Kunstmuseum Bern präsentiert die im Zeitz MOCAA entstandene, grosse Retrospektive der südafrikanischen Künstlerin Tracey Rose (* 1974). Die Künstlerin ist seit Mitte der 1990er-Jahre eine radikale Stimme in der internationalen Kunstwelt. In ihren Arbeiten setzt sie sich mit Postkolonialismus, Geschlecht, Sexualität, Rassismus und Apartheid auseinander. Im Zentrum stehen dabei die Kraft der Performancekunst und der Körper, der für Tracey Rose ein Ort des Protests, der Empörung, des Widerstands und des Diskurses ist. Ihre Performances beleuchten zentrale Erfahrungen im Übergang zu einer postkolonialen Welt und kommentieren sie kritisch. Die Künstlerin setzt ihre performative Praxis in verschiedenen Medien wie Fotografie, Video, Installation und Zeichnung um. Kuratorinnen: Koyo Kouoh (Direktorin und Chefkuratorin Zeitz MOCAA) und Tandazani Dhlakama (Kuratorin Zeitz MOCAA) in Zusammenarbeit mit Kathleen Bühler (Chefkuratorin Kunstmuseum Bern) Die Ausstellung wurde von Zeitz MOCAA (Kapstadt, Südafrika) organisiert.

artist

Tracey Rose 
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posted 28. Feb 2024

O Rose - Marie Lund & Rosalind Nashashibi

10. Feb 202407. Apr 2024
Exhibition 10. 2. — 7. 4. 2024 Opening Friday, 9. 2. 2024, 5 — 7 pm **O Rose Marie Lund & Rosalind Nashashibi** O Rose is a collective exhibition, which grew out of a collegial relation and friendship between Danish sculptor Marie Lund and British-Palestinian filmmaker and painter Rosalind Nashashibi. The two artists work in different media and with different aesthetics. But there turns out to be methodological overlaps in the way they conceive their works and in the way their works open up to and absorb the lived life in which they are created. The conversation between the two artists takes its starting point in Rosalind Nashashibi’s film Denim Sky. In this domestic sci-fi film, Rosalind Nashashibi explores ways of forming a community around her single parent family through, amongst other means, journeys into space and non-linear time. With this film in mind, Marie Lund created a new series of sculptures, Daily, which, through repetition and variations, similarly collapses the expectation of a linear time. Made from residual materials, paper pulp and rubber granules, the sculptures – in their own way – also speak of fragility and strength. In the new film The Invisible Worm, made for the exhibition, Rosalind Nashashibi explores the multiple personas and roles of the artist. Visual artist and co-writer on the film, Elena Narbutaitė, who is also one of the main characters in Denim Sky, appears in the film, together with Marie Lund, Rosalind Nashashibi, her son Pietro, a male model and a cat, each embodying artist and muse. The exhibition’s title refers to William Blake’s mystical poem The Sick Rose, 1794, which also guides the film’s poetic and inscrutable structure. Both Marie Lund’s and Rosalind Nashashibi’s studios appear in the film, as do Den Fries’ galleries. Both paper and film are porous. Making works in paper pulp or with 16 mm film requires laborious processes that extend over time and are characterized by the unpredictability of the materials. Cracks can appear in the surfaces of the paper shells when the paper pulp solidifies, just as dust grains can get stuck in the delicate film emulsion or on the camera’s lens and infiltrate the images like small flickering, almost invisible worms. Similar to the material processes shaping Marie Lund’s work, the situations captured in Rosalind Nashashibi’s films are open to influence – initiated to then be allowed to unfold on their own terms. Neither the sculptures nor the films are static, autonomous works. Rather, they are containers or frames for each other and a kind of host for the relationships that exist between them and that weave in and out of them. Rosalind Nashashibi’s collaged narrative flickers luminously between persons and narrators as well as physically between the exhibition spaces. Marie Lund’s mute sculptures spread out serially in the other galleries, they are not concluded objects either. On the contrary, the sculptures insist on a temporality that is not really unlike that of the film. The works of both artists are fundamentally deriving from thinking about relations and exchanges, about what continues and what changes. About the Artists Marie Lund’s artistic practice arrives from a contemplation on the interdependence between objects, space and bodies. Her sculptural works contain references to existing, functional objects, which she releases from their original use and transforms into abstract structures through tensile material processes. In resistance to sculpture as autonomous objects, they outline and activate their environments, turning to ideas of hosting and of exchange. Rosalind Nashashibi is a filmmaker and painter living in London. Shot on 16mm, her films start from close observation of life and move into storytelling, often considering relationships in communities and extended families. In her paintings, overloaded motifs and existing paintings are treated with seriousness whilst wrongfooting the viewer into questioning themselves as to why they are engaged. Rosalind Nashashibi supports a free Palestine. About the Exhibition Series at Den Frie O Rose is part of Den Fries’ exhibition series Valgslægtskaber, which unfolds connections and conversations between artist colleagues. In this fourth edition, works by Marie Lund (DK) engage with the works of Rosalind Nashashibi (UK/PS).

artists & participants

Marie Lund,  Rosalind Nashashibi 
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posted 27. Feb 2024

Anna Perach: Holes

01. Feb 202428. Apr 2024
February 1–April 28, 2024 **Anna Perach: Holes** The first UK institutional solo exhibition by Gasworks studio holder Anna Perach. Taking inspiration from historical instances where the female body is viewed as something that transgresses the rules of morality and nature, the artist explores ideas of identity, gender, and craft. Employing a distinctive visual vocabulary, Anna works with an intricate tufting technique to create surreal wearable sculptures that will be activated in a new two-part performance, taking place at selected times during the exhibition. Supported by Catherine Petitgas, Gasworks Exhibitions Supporters and the Anna Perach Exhibition Circle.

artist

Anna Perach 
Gasworks London

GASWORKS | 155 Vauxhall Street
SE11 5RH London

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posted 26. Feb 2024

Von Anfang an (from the beginning)

20. Jan 202409. Mar 2024
Jan 20-Mar 09, 2024 **Von Anfang an (from the beginning)** Johannes Bendzulla, Ralf Brög, Jakob Forster, Lothar Götz, Toulu Hassani, Tomas Kleiner, Albrecht Schäfer, Jörn Stoya, Emma Talbot Papierarbeiten können den Betrachter näher an den Künstler und sein Denken heranführen, gewähren oft einen nahezu intimen Einblick in das Schaffen, die Entstehungsprozesse und Annäherungen an Motive. Diese Bandbreite wird in der Ausstellung mit dem Titel ,Von Anfang An (from the beginning)’ gezeigt. Die Auswahl der Künstler und ihre hier gezeigten Arbeiten zeigen verschiedenen Ansätze und Herangehensweisen mit dem Medium Papier. Papierarbeiten sind bei Emma Talbot Ausgangspunkt für ihre Malereien auf Seide, wie auch für ihre 3-dimensionalen Arbeiten und Animationen. Erinnerte Bilder und Gefühle bringt Talbot täglich zu Papier, wobei sie versucht das Erlebte so genau wie möglich wiederzugeben. Emma spricht von einem ungefilterten Vorgehen bei dem sie ohne Hirarchie und Zensur ihren inneren Bildern folgt. Die entstandenen Zeichnungen werden immer wieder gesichtet und analysiert. Einzelnen Motiven geht sie auf die Spur, um mittels umfangreicher Recherche die aufgetauchten Themen und Zusammenhänge zu vertiefen. Später werden Elemente aus Zeichnungen zu größeren Arbeiten und komplexen Bildgeschichten zusammengefasst. Jörn Stoya’s neue Arbeiten genannt ,Instrumentals’ reflektieren Verbindungen von künstlerischen Arbeiten über Jahrhunderte und unterschiedlichste Klimazonen und Kulturen hinweg. Die Grundlage der Arbeiten sind japanische Holzschnitte aus dem 18. Jahrhundert, entweder im Original oder als Originalreprint. Diese sind genau wie etwa Radierungen von Albrecht Dürer unlimiert, d.h. der Idee der Verbreitung verpflichtet. Erworben hat Stoya die Drucke von einem Auktionshaus in Michigan. Sie haben also einen ziemlichen Weg, nicht nur räumlich, sondern auch zeitlich hinter sich. Der Künstler hat diese Papiere in seiner für ihn typischen Art mit leuchtendem und purem Pigment bearbeitet. Er sieht das Resultat eher als eine Art Zusammenarbeit als eine Aneignug. Instrumentals nennt man Musikstücke ohne Sologesang oder Einzelstimme, in denen aber verschiedene Instrumente zusammenerklingen können. Tomas Kleiner’s Zeichnungen sind oft von Beginn an Begleiter seiner größer angelegten Installationen und performativen Arbeiten. Das Spektrum reicht von eher technischen Planungs- oder Konstruktionsskizzen, zu Materialkollagen bis hin zur freien Struktursuche. Meist sind es poetisch leichte, manchmal humorvolle Arbeiten, die in eigens hergestellten Rahmen präsentiert werden. Albrecht Schäfer arbeitet seit einigen Jahren mit der vergleichsweise schnellen Technik der Monotypie die als Gegenpol zu seinen Gemälden zu sehen ist, die meist über einen langen Zeitraum hin entstehen. Monotypien sind Abdrucke eines auf einer oder mehrerer Druckplatten gemalten Bildes auf ein Blatt Papier. Wie dunkel und mit welcher Struktur etc. eine Fläche gedruckt wird, hängt von der Zusammensetzung der Farbe, dem Auftrag auf die Platte und deren Oberfläche, dem exakten Druck der Walze, des Druckfilzes, der Feuchtigkeit des Papiers, der Temperatur des Raumes und weiteren Faktoren ab, so dass der Künstler jedesmal vom Ergebnis überrascht ist, obwohl er alle Parameter selbst bestimmen kann. Das Arbeiten wird dadurch maßgeblich zu einem Dialog mit dem eigenwilligen Material und mit der zuweilen sehr widerständigen, analogen Druckerpresse. Toulu Hassani nutzt die Zeichnung auf Papier um sich ihren arbeits- und zeitintensiven Malereien anzunähern und im Vorfeld oder während des Malprozesses Entscheidungen zu erproben. Die unterschiedlichen Raster, die auch ihren Malereien zu Grunde liegen werden auf Papier getestet, ebenso Richtungswechsel, Auflösung des Rasters und ,Störungen’ anderer Art. In selteneren Fällen, wie hier bei den Arbeiten mit dem Titel above horizon (excerpt) handelt es sich um Papierarbeiten, die von bereits realsierten Arbeiten abgeleitet wurden. Lothar Götz arbeitet immer auch auf Papier. Das Zeichnen mit Bleistift und Buntstift gehört zu seiner täglichen Arbeit im Studio. In dieser Ausstellung werden erstmalig Studien/Entwürfe zu raumbezogenen Arbeiten im privaten und öffentlichen Raum gezeigt. In 3 Vitrinen werden realisierte Entwürfe aber auch verworfene Zwischenschritte und nicht zur Realsisation gebrachte Projekte zu sehen sein. Es sind ungewöhnliche Motive die Jakob Forster mit Buntstift zu Papier bringt. So zeigen die Arbeiten der Anti-Aging Serie Blisterverpackungen, wie sie für Schokolade und Pralinen verwendet werden. Wie eine Serie von Gemälden, auf denen Form und Muster von Pappbechern, wie man sie tagtäglich für den Gebrauch von Getränken auf der Straße verwendet dargestellt sind, handelt es sich hierbei ebenfalls um Gefäße. Der Künstler sagt: ,Die Arbeiten der Anti-Aging Serie thematisieren Wertspeicherung künstlerischer Arbeit im Material in Reaktion auf (die Erfahrung von) Energieverlust durch (Lohn-)Arbeit und die damit einhergehende Kompensation mit und Abhängigkeit von Kaffee und Schokolade.’ Bei den Schleifmittel-Zeichnungen von Ralf Brög handelt es sich um eine eigenständige, relativ neue Werkgruppe, die wie seine anderen Werkgruppen einen konzeptionellen Ansatz haben. Das verwendete Malmittel ist traditionelle Ölfarbe, der Grund Schleifpapier oder Schleifgewebe. Die Palette der Schleifpapiere verdankt Ihre Farbigkeit der verwendeten natürlichen oder auch synthetischen Kornwerkstoffe. Ebenfalls festgelegt ist die Größe des Bogenformats (230 x 280 mm). So dass gesagt werden kann, dass die spezifischen Materialeigenschaften des Bildträgers zu spezifischen Qualitäten der Serie werden. Wenn Brög nun von Zeichnung spricht und nicht von Malerei, könnte es damit zu tun haben, dass das Dargestellte als skulpturale oder objektorientierte Ideen in noch unbestimmtem Umfeld zu lesen ist. Dabei wirkt der monochrome Schleifmittel-Raum als Verweis auf konkreten, materialisierten Raum im Unterschied zum illusionistischen Bildraum der Malerei. Bei Johannes Bendzulla’s Bildobjekten und Papierarbeiten wird die Frage aufgeworfen, ob das Bildmotiv wirklich real, beispielsweise ein Blatt Papier ist, oder ob es sich um eine perfekt gedruckte Abbildung einer Papierstruktur handelt? Der Künstler interessiert sich besonders für die Verschränkung von grundlegenden analogen Medien mit digitalen Bildstrategien. Vor allem Zeichnung und Malerei sind dabei von Bedeutung. Leinwand und Farbe, Papier und Bleistift, die Konventionen des Tafelbilds und des gerahmten Blattes – all das bildet sein Grundvokabular, welches dann mit „unmöglichen” bzw „unrealistischen” digitalen Eingriffen verfremdet wird. So verwischt er die Grenzen zwischen analoger und computergenerierter, mathematischer Bildästhetik. Trompe L’oeil basierte Strategien verwendet Bendzulla ebenfalls häufig, weil das Spiel mit der „Täuschung” und „Ent-Täuschung” der BetrachterInnen für ihn fundamentale Fragen der Weltwahrnehmung berührt.
Petra Rinck Galerie, Düsseldorf

PETRA RINCK GALERIE | Birkenstrasse 45
40233 Dusseldorf

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posted 25. Feb 2024

Nguyễn Trinh Thi

01. Feb 202408. Apr 2024
Im IBB-Videoraum 1.2. – 8.4.24 **Nguyễn Trinh Thi** Nguyễn Trinh Thi ist eine in Hanoi lebende Künstlerin und Filmemacherin. Ihre Arbeit bewegt sich zwischen Film und Videokunst, Installation und Performance. Aktuell beschäftigt sie sich mit den vielschichtigen Beziehungen zwischen Bild, Ton und Raum und deren Wirkmacht in Bezug auf Geschichte, Erinnerung und Repräsentation. „How to Improve the World“ (2021, 47 Minuten) von Nguyễn Trinh Thi ist ein Film über das Zuhören. Er spielt im Zentralen Hochland von Vietnam, wo viele indigene Bevölkerungsgruppen leben. Die Arbeit reflektiert die Unterschiede in der Verarbeitung der Erinnerung einer Kultur des Sehens und einer Kultur des Hörens und beobachtet gleichzeitig den Verlust von Land, Wäldern und der Lebensweise der indigenen Bevölkerung.
Berlinische Galerie, Berlin

BERLINISCHE GALERIE | Alte Jakobstraße 124-128
10969 Berlin

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posted 24. Feb 2024

Karl Schmidt-Rottluff-Stipendium. Die Ausstellung 2023

02. Dec 202325. Feb 2024
02.12.2023 – 25.02.2024 Karl Schmidt-Rottluff-Stipendium. Die Ausstellung 2023 Seit 1989 zeigt die Kunsthalle Düsseldorf alle vier Jahre in Kooperation mit der Studienstiftung des deutschen Volkes die Preisträger*innen-Ausstellung zum 1975 begründeten Karl Schmidt-Rottluff-Stipendium. Die von Schmidt-Rottluff gegründete Förderungsstiftung vergibt zweijährige postgraduale Stipendien für herausragende künstlerische Leistungen. In der Kunsthalle präsentieren die letzten zwei Jahrgänge ihre während der Laufzeit des Stipendiums erarbeiteten Werke. Beteiligte Künstlerinnen: Matej Bosnić (* 1990), Cudelice Brazelton IV (* 1991), Nicolas Fehr (* 1989), Daniel Hopp (* 1983), Ava Irandoost (* 1986), Ida Kammerloch (* 1991), Larissa Rosa Lackner (* 1987), Vera Palme (* 1983), Julia Phillips (* 1985), Andrėja Šaltytė (* 1988), Silke Schönfeld (* 1988) Zur Ausstellung erscheint ein Katalog-Schuber. Eröffnung: Freitag, der 1. Dezember, 18 – 22 Uhr.
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posted 23. Feb 2024

Willi Baumeister - Zeitzeichen

23. Feb 202416. Jun 2024
opening: 22. Feb 2024 07:00 pm
Willi Baumeister - Zeitzeichen 23. Februar – 16. Juni 2024 Eröffnung: Donnerstag, 22. Februar 2024, 19 Uhr Das Museum Folkwang zeigt vom 23. Februar bis zum 16. Juni 2024 die Sammlungspräsentation Willi Baumeister im Museum Folkwang. Zeitzeichen. Anlass zum Auftakt des Ausstellungsformats Sammlungsgeschichten ist die Präsentation des im Jahr 2023 erworbenen Gemäldes Montaru 2d (1954) von Willi Baumeister (1889–1955). Flankiert wird der Neuerwerb von rund 30 Gemälden und Druckgrafiken des Künstlers. Baumeister repräsentiert die abstrakte Malerei wie kaum eine andere Künstlerpersönlichkeit in Deutschland. Seit den ausgehenden 1910er Jahren entwickelt er eine eigene Zeichensprache, die er bis zu seinem Tod in seinen zahlreichen Werkreihen weiterführt. Zeitzeichen zeigt, wie sich Baumeister von den Regeln der mimetischen Kunst löst und zu Kompositionen gelangt, die Form, Farbe und Material autonom verwenden. Die Präsentation erzählt von der wechselvollen Geschichte der Werke Baumeisters in der Sammlung des Museum Folkwang. Zwischen 1926 und 1930 baute das Museum einen ersten repräsentativen Bestand auf. Einer der beiden Ausstellungsräume wird dieser Werkgruppe gewidmet, die 1937 vollständig der Aktion „Entartete Kunst“ zum Opfer fiel. Der zweite Raum konzentriert sich auf die Ankäufe nach Baumeisters Tod. In nur 14 Jahren wurde mit qualitätvollen Arbeiten eine Übersicht über Baumeisters Schaffen angelegt. Die letzte Werkphase Baumeisters war bis 2023 ausschließlich in grafischen Blättern repräsentiert und wird nun durch Montaru 2d um ein Hauptwerk ergänzt. Das Museum Folkwang konnte das Gemälde dank der großzügigen Unterstützung der Willi Baumeister Stiftung aus Mitteln des Folkwang-Museumsvereins erwerben.

curator

Nadine Engel 
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posted 22. Feb 2024

Native America: In Translation

26. Jan 202412. May 2024
January 26 – May 12, 2024 **Native America: In Translation** Traveling Exhibition: Art on Hullfish, Princeton University Art Museum, NJ February 5 – April 24, 2022 Cantor Fitzgerald Gallery, Haverford College, PA October 21 – December 10, 2022 Milwaukee Art Museum, WI February 24 – June 25, 2023 University of South Florida Contemporary Art Museum, Tampa, FL August 25 – December 1, 2023 Museum of Contemporary Photography at Columbia College Chicago January 26 – May 12, 2024 Blanton Museum of Art, Austin August 4, 2024 – January 5, 2025 Native America: In Translation, curated by Wendy Red Star, considers the wide-ranging work of photographers and lens-based artists who pose challenging questions about land rights, identity and heritage, and histories of colonialism. The exhibition extends Red Star’s work as guest editor of Native America, Fall 2020 issue of Aperture magazine. In the Apsáalooke (Crow) language, the word Áakiwilaxpaake (People of the Earth) describes Indigenous people living in North America, pointing to a time before colonial borders were established. In this exhibition, artists from throughout what is now called North America—representing various Native nations and affiliations—offer diverse visions, building on histories of image-making. Some of the artists presented in Native America: In Translation are propelled by what the historian Philip J. Deloria describes as “Indigenous indignation”—a demand to reckon with eviction from ancestral lands—while others translate varied inflections of gender and language and the impacts of climate change into inventive performance-based imagery or investigations into personal and public archives. “The ultimate form of decolonization is through how Native languages form a view of the world,” Red Star notes. “These artists provide sharp perceptions, rooted in their own cultures.” Works by: Rebecca Belmore, Nalikutaar Jacqueline Cleveland, Martine Gutierrez, Duane Linklater, Guadalupe Maravilla, Kimowan Metchewais, Alan Michelson, Koyoltzintli, and Marianne Nicolson. Native America: In Translation is made possible, in part, with generous support from the National Endowment for the Arts

curator

Wendy Red Star 
MoCP Chicago

Museum of Contemporary Photography / Columbia College Chicago | 600 S. Michigan Ave
IL-60605 Chicago

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posted 21. Feb 2024

Kay Rosen: NOW AND THEN

18. Nov 202331. Mar 2024
18.11.2023 - 31.03.2024 **Kay Rosen: NOW AND THEN** The Weserburg Museum für moderne Kunst is presenting the first institutional solo exhibition of Kay Rosen in Europe. Ever since the 1970s, the American artist (b. 1943 in Corpus Christi, Texas; lives in New York City and Gary, Indiana) has been using language as artistic material. She is internationally known above all for wall works which render individual words, sentences or series of letters, often in massive dimensions. Coming together here in an impressive manner are minimalist form, aesthetic impact and intelligent contents. Kay Rosen imparts perplexing twists to everyday concepts and words through their arrangement as well as their design in terms of typography and color. Whether it is a matter of neologisms, redefinitions or onomatopoetic explorations, Kay Rosen repeatedly reveals surprising levels of verbal significance. Often coming into focus are issues involving a critique of society. The exhibition in Bremen brings together wall works, paintings, drawings, prints and videos. To be seen in addition to exemplary major works are also new, wall-filling paintings that were especially developed for the spaces of the museum. The Weserburg is thereby making possible, in recognition of the artist’s eightieth birthday, a fresh encounter with and rediscovery of a complex artistic oeuvre. Director: Janneke de Vries

artist

Kay Rosen 

curator

Ingo Clauß 
Weserburg Bremen

Weserburg | Teerhof 20
28199 Bremen

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posted 20. Feb 2024

Taipei Biennial 2023 - Small World

18. Nov 202324. Mar 2024
November 18, 2023–March 24, 2024 Taipei Fine Arts Museum No. 181 Zhongshan N. Road Sec. 3 Taipei 10461 Taiwan **Taipei Biennial 2023 Small World** Organized by Taipei Fine Arts Museum (TFAM) and co-curated by independent curator Freya Chou, director and curator of Beirut Art Center Reem Shadid, and New York–based senior writer and editor Brian Kuan Wood, the Taipei Biennial 2023, titled Small World, is currently on view through 24 March 2024. Following in the footsteps of Taipei Biennial 2020, which held an international collaboration with the Centre Pompidou-Metz, TFAM will showcase the screening program and selected video works from Taipei Biennial 2023 Small World at SculptureCenter in New York, where “Small World Cinema” will run from 25 January through 25 March and feature over 20 video works by several participants, including Taiwanese artists Li Yi-Fan, Su Yu-Hsin, Yin-Ju Chen, and Wang Ya-Hui alongside Taiwanese-American artists Jen Liu and C. Spencer Yeh. Sound and music connect the “Small World” Music, in parallel to visual arts, plays an important role in Taipei Biennial 2023 as a medium for communicating and exploring intimate and vulnerable relations between our societies, and ourselves, and each other. By transforming one of the gallery spaces into the Music Room, three groups of musicians were invited to organize and host diverse programmes such as forums, screenings, concerts, listening sessions, and live performances. Segments of the events are recorded to play back between performance periods in the Music Room. In an enormous world, the Music Room is designed as a temporary gathering space allowing intercultural exchanges and connections between different small groups of people who make significant contributions to their own fields. In December 2023, the first Music Room program, “ex-DJ,” was organized and hosted by dj sniff in collaboration with DJ Rex Chen, a Taichung-based turntablist; SlowPitchSound, a Sci-Fi turntablist from Toronto; and Mariam Rezaei, a turntable composer and performer from Newcastle. A limited number of mix tapes will be released in the future to showcase their musical practice during the residency and sources of inspiration. The second Music Room program, “Hostbuster,” runs through 27 January 2024. . As musicians, artists, curators, and organizers active in Indonesia, Julian Abraham “Togar” & Wok the Rock have cultivated a practice of hosting and being hosted, listening and being listened to. During their month-long residency at the Biennial, they aim to explore and unfold the sonic connection between Indonesia and Taiwan by facilitating a series of gatherings. The third and final Music Room program, “Sound Worlds Rotation,” will be hosted by Ting Shuo Hear Say from 21 February to 17 March. Based in Tainan, Taiwan, and run by Alice Hui-Sheng Chang and Nigel Brown, Ting Shuo Hear Say will invite ten artists for a series of rotating three-day residencies exploring new improvisational possibilities. Recordings, documentation, and other artifacts and traces of the collaborations will remain as “residue” within the space following the residencies. Resonating with the Music Room programs are works in the exhibition that engage with music and sound within the exhibition Jacqueline Kiyomi Gork expands acoustical treatments of space into objects of heightened sensitivity and feeling. Her work Not Exactly (Whatever the New Key Is), 2017–ongoing, blasts resonant frequencies from an array of blowers which inflate a soft vinyl structure whose black color blurs into the darkness of the room. The complex effect of sonic immersion and spatial reconfiguration causes the room itself to appear emotionally responsive, transforming the private sensations into the ambient and reflective states of being shared with surrounding and sympathetic architecture. Nikita Gale’s GRAVITY SOLO III (HYPERPERFORMANCE), 2022, assembles readily available objects and ubiquitous consumer technologies, two large pieces of red calcite “play” a keyboard, producing a humming, droning tone that changes over the course of this performance without a performer. Patricia L. Boyd’s Operator , 2017–ongoing, was shot using a custom-built system of motorized camera rigs, which functions as an interrogation of the soundstage as a site of production. By equating the duration of the film for each presentation with monetary value from loan repayment scheme, Boyd also reflects the economic relationship between artist and institution. Meanwhile, one of the participating artist groups, Hide and Seek Audiovisual Art, brings together a group of Chinese-speaking cultural workers from Taiwan, Hong Kong, ,Mainland China, and Malaysia, to explore how people with subtly different individual experiences can find a place for themselves in mainstream culture. Through collaborative writing, the participants will produce interpretations of some of the Biennial works, which will be recorded as audio guides and made available one month before the Biennial’s conclusion.
Taipei Biennial

TAIPEI FINE ARTS MUSEUM | No. 181, Sec. 3, Zhongshan N. Rd., Zhongshan Dist.
10461 Taipei City

Taiwan, Province of Chinashow map
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posted 19. Feb 2024

Tursic & Mille. Sweet Nothings

11. Jan 202424. Feb 2024
Jan 11 — Feb 24, 2024 | New York, Upper East Side Opening on Thursday, January 11, 2024 from 6 to 8 pm **Tursic & Mille Sweet Nothings** Almine Rech New York, Upper East Side is pleased to present Sweet Nothings, Tursic & Mille's seventh solo exhibition with the gallery, on view from January 11 to February 24, 2024. With an artistic partnership spanning more than two decades, painters Tursic & Mille have been at the forefront of contemporary painting, redefining the limits of the medium in empirical work in which the materiality of paint, the concept, the process and images shape a personal way of thinking in painting. With their landscapes, erotica, portraits and abstract compositions, Tursic & Mille blur pre-existing hierarchies between all kinds of images, aiming to go forward with the history and genre of painting as it exists in the 21st century. Their latest exhibition presents a profound exploration of painting itself through five series of new works: The exhibition opens with a thought-provoking piece titled Mouse. The artists discovered a deceased rodent amidst their paper images, a poignant symbol of overconsumption and, by extension, the human condition. This incident inspired a series of paintings, titled Eaten by the Mouse, each preserving accidental compositions. Notably, the show will include a still life born from the unexpected collaboration with the mouse. Tursic & Mille's practice evolved from image reproduction to a profound exploration of the image as an object. Over time, the Torn Papers models used for painting, damaged and transformed in the process, became captivating new subjects. Portraits, landscapes, and more transformed into engaging still lifes, marking a shift in perspective that challenges traditional definitions of art. The Papers are a unique collection of abstract paintings. These A3-sized sheets serve as a spaces for wiping brushes and testing colors during painting sessions. These accidental, unconscious artworks have been accumulated for over twenty years, and are showcased here for the first time. A wooden board used to scraping paintings and pallettes takes on new significance with Sisyphus. Consisting of leftover paint and attempts accumulated over the years, this temporal mass explores the question of "making" and perhaps also, "why make?" The piece explores the essence of art as an obstinate act of creation and a manifestation of the human need to understand the world. The series Sentimental Paintings, initiated during the pandemic, explores the accumulation of syntactic elements of painting, combining abstraction, figuration, and words. Old advertising images from the postwar period serve as source material, reflecting the optimism and carefree attitude of that era, simultaneously touching and kitschy with happiness and lightness. Other figurative elements can be added, contradicting or emphasizing the initial representation. Contrasting with contemporary geopolitical realities, the artists introduce positive words, often accompanied by drips, with a certain sense of humor. Tursic & Mille were the recipients of the Fondation Simone et Cino Del Duca prize in 2020 and the Fondation d'Entreprise Ricard Prize in 2009. They were also nominated for the Marcel Duchamp Prize in 2019.

artists & participants

,  Wilfried Mille,  Ida Tursic 
Almine Rech Gallery, New York

39 East 78th Street
NY 10075 New York

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posted 18. Feb 2024

Simon Denny - Optimism 2023

02. Dec 202327. Oct 2024
Simon Denny Optimism 2023 December 2, 2023–October 27, 2024 Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki has launched a sculpture commission for Te Ātea | North Atrium by Berlin-based New Zealand artist Simon Denny. The new work titled Optimism is Denny’s largest public commission since he represented New Zealand at the Venice Biennale in 2015. Opening after an extended period of research and development, Optimism continues Denny’s interest in the frontiers of technology—this time with a powerful new installation focusing on future-proofing within the space industry. With particular reference to New Zealand’s possibly little-known role in the space race, Denny references the patents by US-based New Zealand company Rocket Lab who are just one of the space businesses in New Zealand. One astronomer has referred to the presence of the space industry in the South Island as being like Cape Canaveral. The installation consists of two large suspended “megastructures” each measuring over five metres in diameter. The sculptural structures are large scale models of patent diagrams printed in 3D using light resistant filament. The patents for rocket engine parts were filed by American New Zealand company Rocket Lab over the last ten years. Their forms uncannily resemble familiar images of UFOs and space craft alluding to the popular fascination with space, including the technology and companies that might fuel a future in which we inhabit and travel beyond Earth. The sculptures extend on Denny’s interest in the business of patenting and the way in which technology companies use patents to speculate on the needs of the future, sometimes years ahead of manufacture. Optimism asks where future innovation resides—whether in the imagining of individuals, public governance, or in private enterprise and at what cost. The sculptures are integrated with augmented reality (AR) technology that incorporates visuals of space colonies and futuristic living from the 1960s to today composed onto the objects in real time, weaving together imagery extending from Trek culture, to SpaceX, virtual societies, private space programmes, existing terrestrial successionist movements and frontier narratives. Auckland Art Gallery Commissioning Curator, Natasha Conland says “Optimismcombines historic associations between utopian thought and design, as well as questions our ethical impasse regarding how to live and care for the planet”. Simon Denny: Optimism, 2023 is supported by Auckland Contemporary Art Trust (ACAT) and the Contemporary Benefactors of the Auckland Art Gallery. Exhibition details: Optimism When: Saturday December 2, 2023–Sunday October 27, 2024, 10am–5pm daily Admission: Free About Simon Denny Born in 1982, Auckland, Simon Denny lives and works in Berlin. Denny is an artist whose work explores the cultures and values behind some of the new technologies that are changing the world. In recent years, Denny has looked at the exploitation of information in data-economies, using his work to visualise systems of competing political and economic visions, interrelationships of labour, capital, developments in technologies, and impacts on the environment. Denny graduated with a Bachelor of Fine Arts from Elam School of Fine Arts, Auckland, in 2004, and completed his Masters in Fine Arts at Städelschule, Staatliche Hochschule für Bildende Künste, Frankfurt am Main in 2009. Denny was winner of the prestigious Baloise art Prize 2012, has twice been nominated for the Walters Prize, 2012 and 2014, and he represented New Zealand at the 56th Venice Biennale, with Secret Power 2015. He is a University of Auckland young alumnus award recipient, and currently Professor of Time-Based media at the HFBK Hamburg.

artist

Simon Denny 

curator

Natasha Conland 
Auckland Art Gallery, Auckland

TOI O TAMAKI | Corner Kitchener and Wellesley Streets
Auckland

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posted 17. Feb 2024

Tim Berresheim. Neue alte Welt

17. Feb 202426. May 2024
17. Februar bis 26. Mai 2024 Tim Berresheim. Neue alte Welt Kurator: Alain Bieber, NRW-Forum Am Anfang war das Wort, das Feuer und die Kunst. Mit archaischer Kraft inszeniert der Künstler Tim Berresheim eine Evolution des Menschen und der Kunst. Das NRW-Forum präsentiert über 20 Jahre seines künstlerischen Schaffens. Frühwerk und neue, eigens für die Ausstellung konzipierten Arbeiten werden zu einer Ausstellung kombiniert, die mit allen Sinnen erlebbar wird: Besucher*innen tauchen in spektakuläre Bildwelten und außergewöhnliche Augmented-Reality-Inszenierungen ein. Berresheim ist ein Pionier der computerunterstützten Kunst. Seine Arbeit ist ein Zusammenspiel aus Kunstgeschichte, Technologie, Wissenschaft und Natur. Monumentale Wandarbeiten ergänzt durch Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Alltagsgegenstände zeugen vom der beeindruckenden Produktivität des Künstlers und werden durch Replikate von naturkundlichen Artefakten, wie zum Beispiel ersten Musikinstrumenten, Kleinskulpturen oder Ritualgegenständen, erweitert. Vor und im NRW-Forum lädt ein Augmented-Reality-Avatar von Berresheim und seinen berühmten Kunstfiguren, den Aspettatori, die Besuchenden zu einem Spiel ein, in dem sie selbst zu Jägern und Sammlern werden.

curator

Alain Bieber 
NRW-Forum, Düsseldorf

NRW-FORUM | Ehrenhof 2
40479 Dusseldorf

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posted 16. Feb 2024

Günter Brus

17. Feb 202420. May 2024
opening: 16. Feb 2024 01:00 am
Bregenz, am 11. Februar 2024 – Der österreichische Aktionismuskünstler Günter Brus ist am 10. Februar 2024 in Graz verstorben. Im Kunsthaus Bregenz sind die Aufbauarbeiten für seine große Ausstellung mit fast 500 Arbeiten aus allen Schaffensphasen – die letzte an der Brus aktiv mitgearbeitet hat – im vollen Gange. „Günter Brus“ wird wie vorgesehen am 16. Februar um 19 Uhr eröffnet und bis zum 20. Mai zu sehen sein. 17. 02 – 20. 05. 2024 Eröffnung: 16. Februar um 19 Uhr **Günter Brus ** Ein Mann steigt aus einem Citroën 2CV. Er ist in Weiß gekleidet und vollständig mit weißer Dispersion bedeckt. Über seine Körpermitte verläuft eine schwarze Linie, die am rechten Fuß beginnt, sich über das Sakko des Mannes, Hals, Mund, Nase und Scheitel zieht, und auf der Körperrückseite an der linken Ferse endet. Der Mann ist ein lebendes Bild, eine wandelnde Skulptur. Die schwarze Linie befleckt den Körper, teilt ihn und hält ihn zugleich wie eine Naht zusammen. Günter Brus beginnt seinen Wiener Spaziergang am 6. Juli 1965 auf dem Heldenplatz als bewegliches Mahnmal – als ein Untoter, der mit diesem Auftritt gegen das autoritäre Klima der Zeit protestiert. Schon nach kurzer Zeit wird er festgenommen und wegen Störung der öffentlichen Ordnung mit einer Geldstrafe belegt. Die Festnahme spiegelt die konservative Grundstimmung Nachkriegsösterreichs. Es kommt zu weiteren Aktionen, Selbstbemalung I + II, sowie zu den noch radikaleren Selbstverstümmelungen. Brus erprobt die Kunst am eigenen Körper, seine in einem öffentlichen Akt vollzogenen Bewegungen und Gesten führen zur Entgrenzung der Malerei. Die Überschreitung von Schmerzgrenzen löst ein Gefühl der Beklemmung aus und verleiht dem Geschehen eine drastische Ernsthaftigkeit. Brus wird zum Pionier der Body Art und Vorreiter der performativen Kunst. Bereits 1964 bemalt er sich im Zuge seiner ersten Performance Ana, einer mehrteiligen und mehrstündigen Aktion, erstmals weiß. Mit der rechten Hand führt er einen Pinsel mit schwarzer Farbe über seinen kahl geschorenen Kopf. Die Augen sind geschlossen, ebenso der Mund. Brus steht vor einer weißen Leinwand. Bild und Malakt, Motiv und Maler werden eins, zugleich findet eine gespenstische Entfremdung und Zerteilung statt. Die Spaltung ist das Kennzeichen einer Kunst, die in der Vereinsamung das Symptom der Beschädigung des gesellschaftlichen Lebens erkennt. „Selbstbemalung“, notiert Brus 1965, „ist eine Weiterentwicklung der Malerei. Die Bildfläche hat ihre Funktion als alleiniger Ausdrucksträger verloren. (...) Durch die Einbeziehung meines Körpers als Ausdrucksträger entsteht als Ergebnis ein Geschehen, dessen Ablauf die Kamera festhält und der Zuschauer miterleben kann.“ Das Kunsthaus Bregenz präsentiert mit Günter Brus erstmals das Œuvre eines Wiener Aktionisten. Den Schwerpunkt bilden die fotografischen Aufzeichnungen seiner epochalen Aktionen und Performances sowie die informellen Malereien. Diese oft großformatigen Arbeiten zeichnen sich durch fahrige, wild gewordene Gesten aus. Die Malerei wird als aggressiver Akt wahrnehmbar, sie zeugt von Enthemmung, zuckender Zerrissenheit und einem Todestrieb, der an die Oberfläche drängt. Günter Brus (\*1938, Ardning) gilt gemeinsam mit Otto Muehl, Hermann Nitsch und Rudolf Schwarzkogler als Mitbegründer des Wiener Aktionismus und Pionier der Body Art. Der österreichische Maler, Grafiker und Aktionskünstler zählt zu den bedeutendsten lebenden Künstler\*innen Österreichs. Als Schriftsteller bezog er die Literatur in vollkommen neuer Weise in sein bildnerisches und zeichnerisches Schaffen ein. Günter Brus´ Werk wurde in namhaften Institutionen präsentiert, unter anderem in der Slought Foundation, Philadelphia, 2006, im MACBA, Barcelona, 2005/2006, in der Albertina, Wien, 2003/2004, und im Centre Pompidou, Paris, 1993/1994. Günter Brus war Teilnehmer derdocumenta 7, 1982, der documenta 6, 1977, und der documenta 5, 1972, in Kassel. 2011 wurde mit dem BRUSEUM ein eigenes Brus-Museum innerhalb der Neuen Galerie in Graz eröffnet.

artist

Günter Brus 
Kunsthaus Bregenz '

Karl Tizian Platz
A-6900 Bregenz

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posted 15. Feb 2024

Chiara Camoni

15. Feb 202421. Jul 2024
15 February - 21 July 2024 **Chiara Camoni** Curated by Lucia Aspesi and Fiammetta Griccioli Chiara Camoni (Piacenza, 1974; lives and works in Seravezza, Italy) is one of the foremost Italian artists of her generation. Her practice ranges from drawing to vegetable prints, from video to sculpture, with a particular focus on ceramics. Her work is characterized by the use of objects belonging to the domestic world or organic materials that the artist integrates into her production. Herbs, berries and flowers, as well as various types of clay and ashes determine the distinctive natural tones of her works, and recall the earth and vegetation that the artist collects and incorporates into her sculptures. The works are then manipulated and reassembled by Chiara Camoni through ritual gestures with strong connections to ancestral and archaic worlds, aiming to explore the relationship between craftsmanship and the spiritual sphere. The collective and shared dimension is also relevant to her practice, as the artist often collaborates with friends and relatives or organizes workshops and seminars to realize her projects. The exhibition at Pirelli HangarBicocca brings together the largest body of works ever presented by Chiara Camoni and, together with a series of new productions, gives life to an architecture of collectivity and memory, whose forms are inspired by the Italian gardens of the late Renaissance and the ancient amphitheaters. The symmetrical and radial design of the floor plan creates corridors and rooms, paths and environments that divide the space into areas where visitors can linger or converse. This large installation houses numerous other works by the artist, including a great selection of polychrome and glazed terracotta sculptures, such as the anthropomorphic figures from the Sisters series (2017-23) and the “Butterfly Vases” (2020-22), a reinterpretation of Egyptian canopic jars. Alongside sculptural islands, such as the ceramic floor tiles Pavimento (For Clarice) (2021) and the curtains made of vegetal prints of Untitled (a Tent) (2019), visitors will find new figurative works in onyx, leccese stone, and aluminum that draw on the vocabulary of medieval bestiaries. The exhibition will be complemented by a monographic catalog, which will include an in-depth documentation of the exhibition and critical texts commissioned from art historians, sociologists and archaeologists. Some of the concepts and themes of the exhibition will be explored through specific essays and contributions by authors such as Anna Anguissola, Domitilla Dardi, Gian Antonio Gilli, Chus Martínez, Alice Motard, and Andrea Viliani. Several international institutions have hosted solo exhibitions of Chiara Camoni, including A Tale of a Tub, Rotterdam (2023); Galleria d’Arte Moderna, GAM, Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Turin (2022); CAPC, musée d’art contemporain de Bordeaux, Centre européen d’action artistiques contemporaines CEAAC, Strasbourg (2021); Mostyn Centre for Contemporary Art, Llandudno, Galles, Middlesborough Insititute of Modern Art, United Kingdom (2019); Nomas Foundation, Rome (2015). Her works have also been exhibited in numerous exhibitions and group shows such as Biennale, Borger-Odoorn, Netherlands (2023); Biennale Gherdëina, Val Gardena, Museum of Modern and Contemporary Art, MAMAC, Nice (2022); CENTRALE, Brussels, Nottingham Contemporary, Galleria Nazionale di Arte Moderna, Rome (2021); Quadriennale di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Rome, Centrale Fies, Trento, Maison des Arts Georges & Claude Pompidou, France (2020); Magazin des Horizons, Grenoble, GNAM, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Rome (2019); Gallerie d’Italia, Milan, Museo Novecento, Florence (2018); Museo Internazionale delle Ceramiche, Faenza, ar/ge Kunst, Bolzano (2017); CAC-Contemporary Art Centre, Vilnius, Triennale di Milano, MACRO Museo di arte Contemporanea, Rome (2016); Museo Villa Croce, Genova (2015).

artist

Chiara Camoni 
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posted 14. Feb 2024

Amna Walayat: Fallen

25. Nov 202323. Mar 2024
25th Nov 2023 - 23rd Mar **Amna Walayat: Fallen** Amna Walayat is a Cork City–based, Pakistani-born artist whose practice expresses her hybrid cultural experiences. She reflects on issues of diaspora, gender, trauma, and sexuality, and on how values, norms, and beliefs are inflected by the female condition. This exhibition features an eclectic mix of Walayat’s works. It is her first solo show in an Irish venue and her largest presentation to date. Walayat employs techniques of both traditional and neo-Indo-Persian miniature painting. This medium has storytelling attributes and a relationship to symbolism and mysticism. The artist also often uses the female figure, including her own representation, to adopt multiple alternative personas. Through this deployment of identities, Walayat addresses colonial, patriarchal, and religious structures that exert control over women’s bodies and minds. Fallen is curated by Miguel Amado, Director, SIRIUS with Sarah Long, Critic in Residence, SIRIUS.

artist

Amna Walayat 

curators

Miguel AmadoSarah Long 
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posted 13. Feb 2024

Sarah Maldoror: Tricontinental Cinema

03. Feb 202428. Apr 2024
February 3–April 28, 2024 **Sarah Maldoror: Tricontinental Cinema** From February 3–April 28, the Wexner Center for the Arts at The Ohio State University will present the US premiere of Sarah Maldoror: Tricontinental Cinema. Known as the “mother of African cinema,” Sarah Maldoror (1929–2020) completed nearly four dozen shorts, features, and documentaries in her lifetime. Her 1972 feature Sambizanga was recently restored with support from Martin Scorsese’s The Film Foundation. Tricontinental Cinema is the first large-scale museum exhibition to reveal Maldoror’s groundbreaking work as a filmmaker, but also as a global activist and a champion of Black women’s rights. This immersive multimedia show, which expands on an original presentation at Palais de Tokyo, Paris, provides an overdue opportunity to celebrate Maldoror’s antiracist, unapologetically irreverent work in film and her involvement with theater, poetry, and politics. The center’s spring 2024 calendar includes a wealth of related programs that reflect the remarkable scope of her influence, beginning with a February 2 Exhibition Opening Celebration. These incorporate all disciplines presented at the Wex. Featuring projections from over a dozen films, Tricontinental Cinema traces the path of Maldoror’s life from her formation as an artist in 1950s Paris through her travels to Guinea-Bissau and Angola, and far beyond. It places her films in dialogue with works by artists who were her contemporaries, including a sculptural installation by Melvin Edwards and paintings by Wifredo Lam. Tricontinental Cinema also highlights Maldoror’s collaborations with cultural and political figures around the world. These include Aimé Césaire, Jean Genet, Chris Marker, and the legendary jazz group Art Ensemble of Chicago, who will perform at the Wex February 3 as part of the exhibition’s opening weekend celebrations. At the same time, the exhibition prompts a new conversation between the late artist and contemporary artists whose work embodies the same spirit of activism. Contributors include Chloé Quenum, and Soñ Gweha (formerly known as Anna Tje). And Tricontinental Cinema celebrates the efforts of artists such as Mathieu Kleyebe Abonnenc to promote awareness of Maldoror’s work in the field of contemporary art. One gallery will bring together towering, fiber-based sculptural work by Kapwani Kiwanga—who is also at work on the Canada Pavilion installation for the 2024 Venice Biennale, curated by Wex Executive Director Gaëtane Verna—and a series of large-scale paintings on raw canvas by Ana Mercedes Hoyos. For this presentation of Tricontinental Cinema, Maya Mihindou will create a new, vibrant series of murals that is designed to connect the center’s galleries and lead visitors through the story of Maldoror’s life and legacy. Sarah Maldoror: Tricontinental Cinema is organized by Palais de Tokyo, Paris, and the Wexner Center for the Arts. The exhibition is curated by Palais de Tokyo Curator François Piron and CAPC Musée d’art Contemporain de Bordeaux Chief Curator Cédric Fauq, and was originally presented at Palais de Tokyo November 26, 2021–March 13, 2022. The Wexner Center presentation of the exhibition is organized by Associate Curator of Exhibitions Daniel Marcus with Head of Exhibitions Kelly Kivland. Artists Mathieu Kleyebe Abonnenc, André Acquart, Melvin Edwards, Soñ Gweha, Ana Mercedes Hoyos, Kapwani Kiwanga, Wifredo Lam, Sarah Maldoror, Chris Marker, Maya Mihindou, Chloé Quenum, Maud Sulter
Wexner Center for the Arts, Columbus

1871 North High Street
OH 43201 Columbus

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posted 12. Feb 2024

André Thomkins «1930 – 1985»

18. Jan 202409. Mar 2024
18. Januar 2024 – 09. März 2024 **André Thomkins «1930 – 1985»** André Thomkins (1930-1985), geboren in Luzern, Schweiz, gehört zu den bedeutendsten Schweizer Künstlern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Ausgehend vom Surrealismus und der Dada-Bewegung sowie den Werken und Ideen von Paul Klee und Kandinsky und seinen Kenntnissen der Parapsychologie, der Philosophie und der Literatur umfasst Thomkins‘ Zeichnungen, Skulpturen und Musik. Auf der Suche nach adäquaten Ausdrucksformen für seine grenzenlose Phantasie und Experimentierfreudigkeit erfand er eigene Maltechniken, darunter die so genannten Lackskins. „Ein Tropfen oder Strang dicker Glanzfarbe rieselt auf das Wasser, breitet sich aus und bedeckt die Oberfläche. Die dabei entstehenden Formen lassen sich ständig verändern, mit Mitteln, deren Wirkung ein Wechselspiel zwischen künstlichen und natürlichen Kräften auslöst: Wenn man auf die Farbe pustet, treibt sie in die gewünschte Richtung auseinander und löst sich in graue Schuppen von fotografischer Feinheit auf, die eine plastische Präsenz suggerieren. Mit Farbtropfen oder -fäden, die man auf das entstehende Bild wirft oder zieht, kann man dann die Landschaft verändern.“ (André Thomkins, 1966).
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posted 11. Feb 2024

UNBOUND: PERFORMANCE AS RUPTURE

14. Sep 202328. Jul 2024
Berlin: 14. SEPTEMBER 2023 – 28. JULI 2024 **UNBOUND: PERFORMANCE AS RUPTURE** Die Gruppenausstellung UNBOUND: PERFORMANCE AS RUPTURE widmet sich der Frage, wie sich Künstler*innen zu unterschiedlichen Zeiten mit dem Körper in Bezug auf die Kamera auseinandergesetzt und dabei Ideologien der Unterdrückung zurückgewiesen, historische Narrative durchbrochen oder Vorstellungen von Identität erschüttert haben. Die Ausstellung, die Arbeiten aus der Julia Stoschek Collection mit Leihgaben in Dialog bringt, zeichnet verschiedene Schnittstellen von Performance und Videokunst seit den 1960er-Jahren und bis in die Gegenwart nach und legt dabei ein besonderes Augenmerk auf Formen des Risses, des Bruchs und der Pause. Im Gegensatz zu Peggy Phelans Definition von Performance als einer Live-Kunstform, die von ihrem sofortigen Verschwinden charakterisiert ist, stellt UNBOUND die Verwendung der Kamera und des dazugehörigen Apparats zum Zweck der Aufnahme und als beeinflussendes Element der Performance selbst in den Mittelpunkt. Die gezeigten Künstler*innen hinterfragen mithilfe einer bewusst herbeigeführten Verschmelzung der Präsenz der Performance mit der Virtualität des Bildes ein grundlegendes Paradox – eine Repräsentationskluft, wenn man so will, die sich zwischen dem performenden Subjekt, dessen komplexe Identität nie voll dargestellt werden kann, und der Kamera als einem gewaltvollen Werkzeug auftut, das versucht, die Dargestellten einzufangen, einzuhegen und zu klassifizieren. Viele der präsentierten Arbeiten zeigen und verhandeln dabei einen von der Kamera fortgeschriebenen kolonialen Blick und setzen zugleich doch auf genau jene zeitbasierte Technologie, um Verbindungen über Raum und Zeit hinweg zu etablieren, die ohne sie unmöglich wären. Neben Performancedokumentationen und Performances für die Kamera beschäftigen sich jüngere Arbeiten in der Ausstellung mit zeitgenössischen Bildökonomien und richten den Blick unter anderem darauf, wie Körper sich durch physische und digitale Räume bewegen. Mitte des 20. Jahrhunderts führte die aufkommende Performancekunst dank ihrer Verwischung der Grenzen von Kunstobjekt, Künstler*in und Aktion einen Bruch ins westliche Kunstverständnis ein. Die damit einhergehende Befreiung der Kunst durch den Körper (und umgekehrt) findet sich als gemeinsamer Antrieb hinter den unterschiedlichen Ansätzen der ausgestellten Werke. Etwa zur gleichen Zeit prägte die junge Videotechnologie einen entscheidenden Wandel in der Art und Weise, wie wir Bewegung aufzeichnen, bearbeiten, abspielen und präsentieren – ein Wandel, der die frühen Video-Experimente mit unserer heutigen Nutzung in sozialen Medien und darüber hinaus verbindet. Unter Berücksichtigung der entsprechenden Geschichten entwickelt sich ein Dialog zwischen historischen Arbeiten von Eleanor Antin, peter campus, VALIE EXPORT, Sanja Iveković, Ulysses Jenkins, Joan Jonas, Lutz Mommartz, Senga Nengudi, Howardena Pindell, Pope.L und Katharina Sieverding und Werken einer jüngeren Generation von Künstler*innen, darunter Panteha Abareshi, Ufuoma Essi, Shuruq Harb, Tarek Lakhrissi, mandla & Graham Clayton-Chance, Lydia Ourahmane, Sondra Perry, Akeem Smith und P.Staff. Zu UNBOUND: PERFORMANCE AS RUPTURE erscheint eine Publikation mit einer allgemeinen Einführung sowie Kurztexten, in denen die einzelnen Kunstwerke in Beziehung zu den Themen der Ausstellung gesetzt werden (bei Besuch der Ausstellung kostenlos). Darüber hinaus werden ein öffentliches Gesprächs- und Screening-Programm sowie ein Podcast die Ideen der Ausstellung weiter beleuchten und ergänzen. Bitte beachten Sie, dass die Ausstellung für Kinder unter 16 Jahren nicht geeignet ist. Kuratorin: Lisa Long Assistenzkuratorin: Line Ajan KÜNSTLERINNENLISTE Panteha Abareshi, Eleanor Antin, Salim Bayri, Nao Bustamante, Matt Calderwood, Peter Campus, Patty Chang, Julien Creuzet, Vaginal Davis, Ufuoma Essi, VALIE EXPORT, Cao Guimarães, Shuruq Harb, Sanja Iveković, Ulysses Jenkins, Joan Jonas, Stanya Kahn, Verena Kyselka, Tarek Lakhrissi, Klara Lidén, mandla, Graham Clayton-Chance, Lutz Mommartz, Senga Nengudi, Mame-Diarra Niang, Lydia Ourahmane, Christelle Oyiri, P. Staff, Manfred Pernice, Sondra Perry, Howardena Pindell, Pope.L, Pipilotti Rist, Katharina Sieverding, Akeem Smith, Gwenn Thomas

curators

Line AjanLisa Long 
JULIA STOSCHEK FOUNDATION BERLIN

JULIA STOSCHEK COLLECTION | Leipziger Strasse 60
10117 Berlin

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posted 10. Feb 2024

Lucy Raven

10. Feb 202421. Apr 2024
10.02.2024 – 21.04.2024 Eröffnung: Freitag, 9. Februar 2024, 19 Uhr Lucy Raven Eine Sonderausstellung der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin Die Neue Nationalgalerie zeigt Lucy Raven’s Videoinstallation „Ready Mix“ (2021), die Arbeit, Technologie und verborgene Mecha- nismen von Macht thematisiert. Die raumgreifende Installation in der oberen Halle des Museums befindet sich in direkter Sichtweite zur Baugrube des „berlin modern“ und stellt visuell und thematisch ei- nen Bezug zur monumentalen Baustelle des Museumsneubaus her. Die Ausstellung eröffnet deshalb anlässlich der und am Tag der Grundsteinlegung des von Herzog de Meuron gestalteten Gebäudes. Die 1977 in Arizona geborene Lucy Raven beschäftigt sich häufig mit der Entwicklung und Darstellung des US-amerikanischen Westens und des- sen heutiger Rolle in Bezug auf globalen Handel, Kommunikation und Entwicklung. Dabei setzt sie sich auch mit den Künstler*innen der Land- Art auseinander. Ravens Film „Ready Mix“ (2021, 45 Min.) demonstriert die Eigenschaften von Geschwindigkeit, Druck und Materialität (sowohl geologisch als auch synthetisch) am Beispiel der Produktion von Beton. Über zwei Jahre drehte Raven in einem Betonwerk in Bellevue, Idaho. „Ready Mix“ vermittelt unterschiedliche Perspektiven und kurze Erzählun- gen sowohl mit Drohnenaufnahmen des ausgehobenen Bodens als auch mit Aufnahmen von Bewegungen aus dem Inneren der aktiven Maschine- rie. In einer Einstellung stürzt etwa eine Steinlawine auf ein Förderband, ohne dass die Kamera die Bewegung vollständig erfassen kann. Die fes- ten Mineralien erscheinen so im Strom des silbernen Lichts fast flüssig. Im Gegensatz dazu stehen die Aufnahmen der Betonblöcke, die sorgfältig montiert und zu einer klar angeordneten Wand gestapelt werden. Auf einer durch die Glashalle von Mies van der Rohe verlaufenden vier- zehn Meter langen und sechs Meter hohen Wand werden die Einstellun- gen des Films in nahtloser Bildfolge gezeigt. Der Film steht dem Western als Filmgenre kritisch gegenüber und ist formal, aber nicht thematisch einzigartig in Ravens Werk. „Ready Mix“ nimmt die stereotype Wahrneh- mung von Landschaften auseinander und reflektiert die Topografie, wie sie tatsächlich ist. Kuratiert von Klaus Biesenbach, Direktor der Neuen Nationalgalerie und Lisa Botti, Co-Kuratorin. Die Ausstellung wird ermöglicht durch die Freunde der Nationalgalerie und Museum&Location.

artist

Lucy Raven 
Neue Nationalgalerie, Berlin

Kulturforum Berlin-Tiergarten / Potsdamer Straße 50
10785 Berlin

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