daily recommended exhibitions

posted 29. Sep 2022

MARINA ABRAMOVIĆ. Gates and Portals

24. Sep 202205. Mar 2023
Modern Art Oxford OXFORD, UK September 24, 2022 - March 5, 2023 Pitt Rivers Museum OXFORD UK September 24, 2022 - April 2, 2023 **MARINA ABRAMOVIĆ. Gates and Portals** “This is an attempt to do something different, because in a normal exhibition you’re just a silent witness. At Modern Art Oxford, rather than just viewing artworks in front of you, you will be partaking in an experience that will be happening to you.” – Marina Abramović Pioneering performance artist Marina Abramović (b. 1946, Belgrade, lives and works in New York) presents a new site-specific performance-based exhibition at Modern Art Oxford. Gates and Portals explores transitional states of being, with each visitor participating as a performer with a small group of others. During the exhibition visitors will encounter gates and portals that prompt contemplation of bodily awareness and elevated consciousness. The exhibition was developed following a research residency at the Pitt Rivers Museum, Oxford in summer 2021. To complement Gates and Portals, a case installation of a film and new drawings made by the artist during her residency will be on display at the Pitt Rivers Museum.
Modern Art Oxford °

30 Pembroke Street
GB-0X1 1BP Oxford

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posted 28. Sep 2022

Álvaro Hoppe Guiñez. Plebiscito en Chile, 1988

04. Aug 202201. Oct 2022
opening: 03. Aug 2022 06:30 pm
04.08.2022 - 01.10.2022 03.08.2022 18:30 **Álvaro Hoppe Guiñez. Plebiscito en Chile, 1988** After the successful launch of his book, presented virtually at the MAC during 2020 and on the eve of the 50th anniversary of the coup d'état, Chilean photographer Álvaro Hoppe Guiñez exhibits an important part of his work in Plebiscito en Chile, 1988. The photographs show the Chilean political, historical and social process that culminated in the plebiscite of 5 October 1988, which decided whether or not Augusto Pinochet would remain at the head of the country. The first demonstrations for democracy, the YES and NO campaigns, the events of the day of the vote and the first night-time celebrations in the city are relived.
MAC Santiago de Chile

Parque Forestal, s/n frente a calle Mosqueto
Santiago de Chile

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posted 27. Sep 2022

Ultra Unreal - New myths for new worlds 

22. Jul 202202. Oct 2022
Ultra Unreal: New myths for new worlds  July 22–October 2, 2022 Ultra Unreal at the Museum of Contemporary Art Australia (MCA) features the works of six artists and collectives. Club Ate (Sydney), Korakrit Arunanondchai and Alex Gvojic (Bangkok & New York), Lawrence Lek (London), Lu Yang (Shanghai), and Saeborg (Tokyo) create worlds that blend myth and reality, simulating more-than-human futures, evolving belief systems and fluid frameworks of being. The fantastical worlds created by these artists are grounded in personal experience and politics. Populated by hybrid creatures and genderfluid beings, their worlds are spread across physical and virtual spaces at the MCA. Ultra Unreal reflects on the relevance of mythmaking and its role in navigating complex realities of the present. Drawing inspiration from Ning Ken’s theory of the ultra-unreal, it examines how mythologies can be used to reveal hidden histories and reorientate visions of the future. Works by Club Ate and Saeborg have emerged from the politics of the dancefloor, embodying the vitalities of underground and LGBTQIA+ nightclub communities. Works by Arunanondchai and Gvojic, Lek, and Lu, similarly pulse with late-night energy and investigate ideas that include Sinofuturism, reincarnation, empathy and nonhuman consciousness. Curator Anna Davis says, “The artists and collectives in Ultra Unreal ask questions about belief and technology, empathy and consciousness. In our complex present, thinking critically about the worlds we want to create and inhabit is more important than ever before.” Exhibition highlights include:
Club Ate’s new video, sound and textile installation Ang Idol Ko / You are My Idol(2022) draws on Filipinx mythologies and club cultures to evoke queer, trans and animist idols for today. The installation combines ancestral figures from the Buwaya (crocodile) and Kinnari (bird) mythologies, and draws on historical accounts of the Babaylan; queer and trans shamans in the Philippines who act as intermediaries between visible and invisible worlds. The brightly coloured rural world in Saeborg’s installation Slaughterhouse (2021–22) masks a darker commentary on gender roles and stereotypes in Japan. Using the role of livestock as an analogy for society’s treatment and expectations of women, Saeborg aims to highlight issues of gender-based power and control in human and nonhuman lives. Slaughterhouse began as a series of costumes and performances for the Tokyo nightclub Department H. Lu Yang creates virtual environments to contemplate the nature of consciousness, suffering, death, and rebirth. “I imagine my worlds to be open-ended, non-binary and multi-dimensional” says Lu, whose digital worlds are populated with genderless avatars. Lu has been working on his latest avatar DOKU for several years. In this new series of works, DOKU appears in six different environments, each representing one of the six realms of rebirth and existence in Buddhist cosmology. Exhibited for the first time in Australia, No history in a room filled with people with funny names 5 (2018) is from a series of works Korakrit Arunanondchai has been developing for the past decade. This fifth episode examines unseen forces shaping our reality, and relationships between humans and more-than-human beings in the context of contemporary Thai mythology. Made in collaboration with Alex Gvojic, the immersive installation features Tosh Basco as the Naga, a recurring character inspired by a mythical serpent and anarchic spirit that can take human form. Named after a fictional drug for forgetting sorrow in ancient Greek mythology, Lawrence Lek’s series Nepenthe explores connections between memory, virtual worlds, and environments geared towards healing. Nepenthe AR is a new augmented reality (AR) project commissioned by the MCA Australia that invites visitors to discover a series of restorative worlds on each level of the Museum. Nepenthe AR (2022) was inspired by the phenomenon known as the “doorway effect”; when people forget why they have walked into a room as they enter it. The exhibition includes daily screenings of Lu Yang’s Delusional Mandala (2015) and DOKU—Documentary (2020); Lawrence Lek’s, Sinofuturism (1839–2046 AD)(2016), and Saeborg’s Pigpen Movie (2016).


Anna Davis 
MCA Sydney

MCA NORTH, The Rocks, 140 George Street

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posted 26. Sep 2022

Peppi Bottrop. Dream on

03. Sep 202215. Oct 2022
opening: 02. Sep 2022 01:00 pm
Sep 3rd — Oct 15th, 2022 Opening Friday, Sep 2nd, 2022, 1—9 pm **Peppi Bottrop. Dream on** Sies + Höke is delighted to present Peppi Bottrop's newest paintings. Dream on will be his second solo exhibition with the gallery and is part of DC Open, the joint season openings of galleries in Düsseldorf and Cologne. A new catalogue will be published on its occasion. Peppi Bottrop (*1986) formulates a distinctive visual language that shifts between constructivism and deconstructivism, between figuration and abstraction.


Peppi Bottrop 
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 25. Sep 2022

Systems of Belief

25. Sep 202208. Jan 2023
opening: 24. Sep 2022 06:00 pm
25.09.2022 – 08.01.2023 Eröffnung: 24.09.2022 18:00 – 21:00 Uhr **Systems of Belief** Jordan Belson, Harm van den Dorpel, Storm de Hirsch, Antonia De La Luz Kašik, Richard Kriesche, Paul Laffoley, Irina Lotarevich, Lee Scratch Perry, Marta Riniker-Radich Die großangelegte Gruppenausstellung Systems of Belief vereint künstlerische Positionen, die sich mit alternativen Glaubenssystemen auseinandersetzen. In einer Welt, in der politische wie ökologische Ausnahmezustände den Alltag bestimmen, werden Konstanten des gesellschaftlichen Lebens wie Wissenschaft, Wirtschaft und Politik innerhalb von öffentlichen Debatten vermehrt auf den Prüfstand gestellt. Als Individuen, als Gesellschaft und als gesamtes Ökosystem stehen wir derzeit vor großen Herausforderungen. Herausfordernd, ja sogar überwältigend ist oftmals auch die subjektive Verarbeitung des komplexen Weltgeschehens, die durch unterschiedliche Informationsströme auf uns wirkt und unsere Sicht der Gegenwart prägt. Technologie wird in unserem Alltag im Allgemeinen und ebenso im Kontext der Ausstellung immer mehr zu einem Mittler zwischen einer faktischen Außenwelt und ihrer Wahrnehmung und Verarbeitung. Sie beeinflusst nicht nur wie und was wir auf unseren Computer- und Handydisplays sehen, sondern auch unser Wesen und unserer Verfasstheit. Mit fast grenzenloser Kraft scheinen oftmals anonymisierte und algorithmisierte Kommunikationsquellen auf unsere Wahrnehmung einzuwirken. Ihre technologischen und digitalen Strukturen und Systeme sind Ausdrucksformen technokratischer Mechanismen, die unsere Öffentlichkeit prägen: Evidenzbasierte Informations- und Analysetechniken, akkurate Organisationspläne und reibungslose Prozesse treiben unsere politischen und gesellschaftlichen Apparate an, die kaum greifbar, aber allgegenwärtig sind. In dieser entpersonalisierten und geradezu metaphysischen Sphäre technologischer Vorgänge erscheint jede Form des irrationalen Handelns innerhalb jener Apparate zunehmend unmöglich. Die Ausstellung Systems of Belief nimmt diesen vermeintlichen Raum des Unmöglichen zum Ausgang und versucht durch die Perspektiven unterschiedlicher Künstler*innengenerationen in Welten vorzudringen, in denen Technologie nicht zum Zwecke konformistischer Regularien verwendet, sondern zur Erzeugung von Unordnung Ausdruck unorthodoxer Dogmen und spiritueller Selbsterkenntnis bzw. Selbstverwirklichung wird. Künstler*innen wie Paul Laffoley, Marta Riniker-Radich und Irina Lotarevich beschäftigen sich mit der Logik oder „Architektur“ von Orten und Mechanismen, die fast einer göttlichen Macht ähnlich auf all unserer Lebensbereiche wie Ökonomie, Lebensraum und Kommunikation Einfluss nehmen. Die akribisch gefertigten Werke Laffoely‘s, die sich auf wissenschaftliche und esoterische Erkenntnisse berufen um Erklärungsmodelle für unsere Existenz und Dasein zu finden, stellen hier ein gutes Beispiel dar. Durch die Perspektive dieser unterschiedlichen künstlerischen Positionen ermöglicht Systems of Belief ein Nachdenken über weltanschauliche oder spirituelle Selbstverwirklichung durch Verwendung und Subversion technologischer Mittel. Kuratiert von Cathrin Mayer Im Parallelprogramm des steirischen herbst 2022


Cathrin Mayer 
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posted 24. Sep 2022

Kerstin Brätsch. Die Sein: Para Psychics

24. Sep 202205. Feb 2023
opening: 23. Sep 2022 07:00 pm
24.09.2022 – 05.02.2023 Eröffnung: Fr 23.09.2022, 19 Uhr **Kerstin Brätsch Die Sein: Para Psychics** Während des ersten Corona-Lockdowns in New York überführte Kerstin Brätsch ihre raumgreifende und kollaborative Arbeitsweise in einen nach innen gerichteten Prozess des täglichen Zeichnens. Im Zeitraum von Januar 2020 bis März 2022 entstanden durch die intensive Auseinandersetzung mit Mystik, Tarot, Pflanzenmedizin und Gottheiten die rund einhundert Mandala-ähnliche Zeichnungen ihrer jüngsten Serie Para Psychics. Die Ausstellung Die Sein: Para Psychics im Ludwig Forum Aachen präsentiert erstmals alle hundert Zeichnungen dieser Serie zusammen in einer ortsspezifischen Installation aus eingefärbten, den Lichteinfall manipulierenden Fensterscheiben und transparenten Raumstrukturen. Verteilt über die Museumswände und Metallstrukturen erinnern die Zeichnungen an ausgelegte Weissagungen, die die Besucher*innen deuten und durchwandern können. PSYCHICS UND PARA PSYCHICS Der Titel der Serie geht zurück auf ältere Arbeiten von Brätsch, die sogenannten Psychics (2005–2008), für die sie zahllose Wahrsager*innen in New York aufsuchte. Die Ergebnisse der Sitzungen bildeten schließlich den Ausgangspunkt für zahlreiche Ölmalereien – gemalte, provisorische Wahrheiten, die sich als Kippfigur zwischen Ironie und Authentizität bewegen. In Serien wie den Psychics, den darauffolgenden Unstable Talismanic Renderings (seit 2014), den Blocked Radiants (2011) oder den Fossil Psychics (Stucco Marmo) (seit 2017) war es jedoch die Materialität der Arbeiten selbst oder die mit ihr verbundenen Herstellungsverfahren, die Bezüge zu Fragen des Animismus in der Malerei eröffneten: Durch den Aufbau von Bildern aus Tropfen (Marmorierungen), durch wie Fossilien wirkende ‚versteinerte‘ Pinselstriche (Stuccos) oder durch die ständige Vervielfältigung der eigenen künstlerischen Identität unter Einbeziehung alter Handwerke und ihrer Meister*innen (oder im Fall der Psychics durch das Malen abstrakter Porträts nach tatsächlichen Sitzungen mit Hellseher*innen). Nach vielen Jahren der Zusammenarbeit mit Künstler*innen und Handwerker*innen kehrt Brätsch mit den Para Psychics diesen kollaborativen Impuls jedoch um. Die Mittel zur Erkundung von alternativen Sphären, Zeitlich- und Persönlichkeiten generiert sie nicht durch das Einbeziehen anderer oder die Aneignung jahrhundertealter Verfahren, sondern (ausgelöst durch die eigene Lockdown-bedingte Isolierung) durch / para die Vielfältigkeit ihrer selbst. Die Zeichnungen, gefertigt aus einfachsten, unmittelbar zugänglichen Materialien wie Buntstiften und Papier, stellen somit persönliche Verdichtungen des unfreiwilligen Innehaltens während der Pandemie dar. In ihrer formalen Bezugnahme auf weissagende Kartenlegungen öffnen sie jedoch auch einen ständigen Übergangsprozess des Wahrnehmens und Da-Seins. ÜBER DIE KÜNSTLERIN Im Verlauf der letzten zwanzig Jahre hat die in Berlin und New York lebende Malerin Kerstin Brätsch eine unverwechselbare Arbeitsweise entwickelt, mit der sie das Medium Malerei über den Einbezug von Performances, künstlerischen Aktionen und Installationen stetig erweitert und immer wieder aufs Neue befragt und interpretiert. Neben der regelmäßigen Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen wie Adele Röder (DAS INSTITUT), Debo Eilers (KAYA) oder Ei & Tomoo Arakawa (UNITED BROTHERS) greift sie zusätzlich auch auf traditionelle, zum Teil in Vergessenheit geratene kunsthandwerkliche Verfahren zurück, um die metaphysischen und animistischen Qualitäten von Malerei auf humorvolle Weise freizulegen. Kuratiert von Eva Birkenstock Kerstin Brätsch Die Sein: Para Psychics 24. September 2022 – 5. Februar 2023 Dienstag – Sonntag, 10 – 17 Uhr, Donnerstag, 10 – 20 Uhr Ludwig Forum Aachen Jülicher Straße 97–109 52070 Aachen


Eva Birkenstock 
Ludwig Forum, Aachen

Jülicher Straße 97-109
52070 Aachen

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posted 23. Sep 2022

Kimsooja. The Encounter with the Other

10. Sep 202123. Dec 2022
10.09.2021 - 23.12.2022 **KIMSOOJA BUENOS AIRES. Chapter 1 Kimsooja. The Encounter with the Other** The performative action is one of the dimensions that, in different ways, permeates the work of Kimsooja, the “needle woman”, as she calls herself, in a combination of her artistic practice and the device used for sewing. By questioning the tradition of painting from her earliest works, she observes and recovers the everyday actions of women in Korean society. She unfolds her work on the basis of these women, their objects, and customs. Kimsooja says, “I began to practice ‘sewing’ in the early 1980s. I did so neither as a female artist nor as a woman specifically interested in sewing. I discovered the experimental artistic value of women’s domestic work, especially in Korea, where women’s and men’s work were clearly segregated until the late 1990s. Bottari is the name of an object that is typical of the female world in Korea: it is a bundle made up of a colourful blanket that wraps a brief selection of objects that are meaningful to its owner. The bottari condenses the essentials for livelihood. Throughout her career, this object has remained a leitmotif, and at the same time it has been redefined in the encounter with different cultural horizons. Her performances and videos – another mode of bottari in the sense of immaterial “wrapping” – include a variety of fabrics, bottaris and various means of transportation. Her body/needle “sews” spaces and meanings, while she travels through territories with the serene parsimony of the observer in search of an encounter with the other, moving away from the Western performative tradition. She seeks to recover “the raw energy of everyday life” in order to “establish a totally different way of performance by inverting the notion of the artist as an actor”. Thus, to this artist “not doing and not making” reveal a critical point without heroism, violent actions or aggression. Diana B. Wechsler * KIMSOOJA BUENOS AIRES is presented at BIENALSUR 2021 with the support of Ministry of Culture, Sports & Tourism of Korea, Korea Arts Management Service, and the grant program Fund for Korean Art Abroad; the Korean Cultural Centre in Buenos Aires and MECENAZGO.


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posted 22. Sep 2022

Meehye Lee - I Do What You Do What They Do

16. Jul 202231. Oct 2022
Meehye Lee I Do What You Do What They Do 16. Juli 2022 bis 31. Oktober 2022 Der Einfluss Sozialer Medien auf das individuelle Leben und Verhalten ist heute enorm. Ununterbrochen vermitteln Posts und Feeds Neuigkeiten und reproduzieren dabei gleichförmige (Selbst)Darstellungen. Permanent wird um Aufmerksamkeit und Anerkennung gekämpft, und gleichzeitig wachsen der Druck, mit allen anderen Schritt zu halten, und die Angst, etwas zu verpassen. Die in Südkorea lebende Meehye Lee beschäftigt sich seit den 2010er-Jahren mit dem Einfluss Sozialer Medien auf die Kommunikations- und Konsumkultur. Sie sammelt und kategorisiert gepostete Bilder und visualisiert Verhaltensweisen, die den Social-Media-Trends folgen. Lees Arbeit führt uns vor Augen, dass bestimmte Orte vor allem deshalb beliebt sind, weil sie massenhaft auf Bildern in den einschlägigen Kanälen kursieren, und nicht so sehr wegen ihrer Einzigartigkeit oder Geschichte. Ein derart angesagter Selfie-Hintergrund wird schnell zur must-visit-site und das Selfie zum Beleg eines perfekten Lebens. Für ihre Neuproduktion National-d hat Lee in der GfZK einen in Südkorea aktuell beliebten Selfie-Hotspot nachgebaut. Sie lädt die Besucher:innen ein, in dieser künstlichen Umgebung ein Foto von sich zu machen, und gibt ihnen „10 nützliche Tipps für die coolsten Selfie-Einstellungen“. Lee thematisiert damit die Schwierigkeit, einer Gesellschaft oder Gruppe zugehören zu wollen und zugleich Individualität zu wahren. Ihr neues Werk wirft mehrere Fragen auf: Wie weit will ich gehen, um in den Social-Media-Bildern gut dazustehen? Was ist in den Inszenierungen in diesen Medien noch real? Und vor allem: Kann ich mich überhaupt von dem Wunsch befreien, das zu tun, was anscheinend alle anderen tun?


Meehye Lee 


Hyejin Park 
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posted 21. Sep 2022

Frank Ahlgrimm. NEXT STOP, happy end

16. Sep 202218. Nov 2022
16.09.2022 - 18.11.2022 **Frank Ahlgrimm. NEXT STOP, happy end** „Das ist also der Stand der Dinge: Wir leben in einer Epoche der Brüche und Diskrepanzen, einer Epoche, in der alles – oder fast alles – möglich ist, während man nichts – oder so gut wie nichts – in der Gewissheit, es zu durchschauen, selbstbewusst angehen kann; einem Zeitalter der Ursachen, die auf ihre Wirkungen folgen, und der Wirkungen, die mit minimalen und ständig schrumpfenden Erfolgsaussichten nach ihren Ursachen suchen; einem Zeitalter […], in dem scheinbar erprobte Mittel ihre Nützlichkeit in steigendem Tempo verlieren (oder erschöpfen), während man bei der Suche nach Ersatz für sie selten über das Entwurfsstadium hinausgelangt – und wenig mehr erreicht als bei der Suche nach den Überresten des Flugs 370 der Malaysia Airlines.“ Zygmunt Bauman beschreibt in seinem letzten Buch Retrotopia einen ungefähren Schwebezustand in dem sich die Welt zu befinden scheint. Wir suchen nach Halt, Perspektiven, Sicherheit und Antworten auf all die Fragen, die auf uns zu warten scheinen. Die Hilflosigkeit mündet in einer Sehnsucht nach politischen Modellen, die mehr Sicherheit und Wahrheiten anhand einfach verständlicher Methoden versprechen. Paradoxerweise ist die erfolgsversprechendste Maßnahme sie zu befriedigen, die Verbreitung von Lüge und Halbwahrheiten. FAKE. Auch Frank Ahlgrimm scheint uns in unsicheren Zeiten einfache Lösungen anzubieten. So verweist EXIT eventuell auf die Möglichkeit den Notausgang zu wählen. Oder verweist es vielmehr auf eine, wie auch immer geartete Katastrophe und darauf, dass es höchste Zeit für zielführende Maßnahmen ist? Sind wir dann SAFE? Umfassende Modelle zur Lösung der drängendsten globalen Probleme scheitern an regionalen Partikularinteressen oder werden durch die sich wandelnde geopolitische Lage durchkreuzt. Und so treiben wir vermeintlich unaufhaltsam, erfasst gleichsam von einem Strudel von unheilvollen Entwicklungen gemeinsam mit den zu bemitleidenden ferngesteuerten Kreaturen, wie die auf Frank Ahlgrimms großformatigen Komposition … in Richtung einer apokalyptischen Zukunft und warten vergeblich auf den NEXT STOP, happy end. Bei genauerer Betrachtung handelt es sich bei den entstellten Köpfen allerdings um Dummies, die bei der Ausbildung von Zahnmedizinern wertvolle Hilfe leisten sowie einen unterschwelligen Hinweis geben, wo das Happy End eventuell zu finden sein könnte (Text: Reinhard Hauff). Frank Ahlgrimm (*1965 in Rerik, Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland. Sein künstlerisches Werk ist in zahlreichen renommierten Sammlungen vertreten, wie der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, der Sammlung des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg, Deutschland, der Sammlung des Kulturamtes der Stadt Stuttgart, der Sammlung Peter W. und Alison Klein, Eberdingen/Nussdorf, Deutschland, sowie der Sammlung Fondazione Marino Golinelli, Bologna, Italien. Die Galerie Elisabeth & Reinhard Hauff zeigte sein Werk erstmalig 2005 in der Einzelausstellung hunting-ground und präsentiert nun 2022 seine sechste Einzelausstellung NEXT STOP, happy end. Zur Eröffnung laden wir Sie herzlich am Freitag, den 16. September 2022, von 18 bis 21 Uhr ein.
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posted 20. Sep 2022

Listening Forest. Rafael Lozano-Hemmer

31. Aug 202201. Jan 2023
AUG 31, 2022 - JAN 1, 2023 **Listening Forest. Rafael Lozano-Hemmer** Listening Forest, created by artist Rafael Lozano-Hemmer, uses light, sound, and projections to create an interactive walk through the woods. This site-specific exhibition brings together eight immersive installations, each one activated by you: your heart rate, your body, your voice, and your movements direct the forest’s response. This project brings together art and technology in a natural setting to create poetic, shared experiences and features a soundtrack composed by electronic musician Scanner (Robin Rimbaud). Add your heartbeat to an array of 3,000 lightbulbs each glimmering to the pulse of a different participant from the past. Control giant, 20-foot-tall stick figures made of light. Leave a voice recording that will join a chorus of echoes left by previous forest visitors, and much more. Scanner composed each of the exhibition’s tracks in direct collaboration with Rafael Lozano-Hemmer to create an experience that is atmospheric, dynamic, and expertly tailored to enhance the Listening Forest experience. Download the soundtrack. Rafael Lozano-Hemmer is an award-winning media artist originally from Mexico City. He creates platforms for public participation using technologies such as robotic lights, digital fountains, computer vision, artificial intelligence, and telematic networks. His work has been commissioned by events such as the Vancouver Olympics, collected by museums including MoMA, Hirshhorn, Tate, and SFMOMA, and exhibited in art biennials in Venice, Sydney, New Orleans, Shanghai, and Singapore, among others. Listening Forest will be the most significant display of his outdoor installations to date, providing a mid-career survey of his largest works.
Crystal Bridges, Bentonville

AR 72712 Bentonville

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posted 19. Sep 2022

SculptX 2022

01. Sep 202216. Oct 2022
1 September to 16 October 2022 at The Melrose Gallery, Melrose Arch, Johannesburg **SculptX 2022** fifth edition The fifth edition of SculptX will open this spring offering Joburgers the unique opportunity to view the largest and most diverse collection of sculptures. This annual sculpture fair, the largest of its kind in South Africa, will, this year, present over 200 works. The materials they are fashioned from vary from bronze to wood, glass, crystal, steel and bone to stone, resin, and other media. Similarly, the modes of expression encompassed in this vast number of sculptures vary widely from figurative works, depicting the human body, the natural world, or the built environment to abstract works, where form, texture and line entertain the eye. In this way SculptX reveals the breadths and depths that this traditional art medium can offer and the abundance of artistic talent in the country that has applied itself to this three-dimensional art form. In short, SculptX is a celebration of all manner of sculptural expression. It was established by The Melrose Gallery in 2017 in association with Melrose Arch and will be on view across multiple venues from September 1 until October 16. “We wanted to create a platform to promote sculpture and sculptors to those who live, work, and play in the precinct, as well as art collectors and enthusiasts in general,” says Craig Mark, director of The Melrose Gallery. This fair was also conceived in response to the increase in bronze-casting foundries in South Africa, which has led to a growth in the production and interest in sculpture. This has translated into the establishment of outdoor sculpture parks in the country by a number of art foundations and artists primarily working in this medium. Clearly, there is a need for more platforms for sculpture. SculptX provides a space for artists at different levels in their careers. Established artists – Willie Bester, Pitika Ntuli, Andre Stead and Strijdom van der Merwe amongst numerous others – will show alongside a younger set of artists pushing the boundaries of the medium such as Mandy Johnston, Simon Zitha, and Bridget Modema as well as other emerging and mid-career artists still exploring the possibilities of sculpture. Female artists are represented strongly in the fair with works by Wilma Cruise, Elizabeth Balcomb, Ela Cronje, Rirhandzu Makhubele, and Sarah Richards among many others, dispelling the myth that sculpture is primarily the preserve of male artists. “We have put much effort into sourcing female and young artists from previously disadvantaged communities to give them the benefit of this valuable platform as they are often overlooked and underrepresented in this genre,” adds Mark. A public call-out process was used to identify works for the fair and attracted proposals from many emerging artists. Curator, Ruzy Rusike, considered more than 300 submissions before settling on the 200 works by 80 artists. This approach ensures that SculptX remains an open platform that offers up many surprises in terms of its content.
The Melrose Gallery, Johannesburg

10 The High Street, Melrose Arch

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posted 18. Sep 2022

Martine Syms - She Mad Season One

02. Jul 202212. Feb 2023
Martine Syms She Mad Season One July 2, 2022–February 12, 2023 The Museum of Contemporary Art Chicago is thrilled to present Martine Syms: She Mad Season One, a solo exhibition by Los Angeles-based artist Martine Syms (b. 1988, Los Angeles, CA; lives in Los Angeles, CA). Syms is widely recognized for a multidisciplinary practice that reflects on contemporary visual culture with humor and biting social commentary. The exhibition features Syms’s five-part video series She Mad (2015–2021) and marks the US premiere of The Non-Hero, the most recent episode in the series. She Mad is a semi-autobiographical sitcom about a young Black woman trying to make it as an artist in Los Angeles. Drawing from early cinema, television shows, advertisements, and internet memes, Syms explores the ways Black experiences are constructed on television, in film, and online. The exhibition situates five video works, A Pilot for a Show About Nowhere (2015), Laughing Gas (2016), Intro to Threat Modeling (2017), Bitch Zone (2020), and The Non-Hero (2021), within an immersive sculptural installation featuring newly produced custom seating and exposed aluminum studs painted in the artist’s signature shade of purple—a reference to both the chroma key backdrops frequently used in the post-production of films and television shows and Alice Walker's 1982 novel The Color Purple. The Non-Hero (2021) takes the form of a series of brief clips modeled after rapper Lil Nas X’s popular “Life Story” videos on the social media platform TikTok. Mirroring its source material, Syms’s video blurs the lines between fact and fiction to examine the versions of ourselves we share on social media. Another highlight of the exhibition, the four-channel video Laughing Gas (2016), is based on a 1907 slapstick comedy of the same name, notable for featuring the Black silent-film actress Bertha Regustus in the lead role. In this modern restaging of the film, Syms stars as the main character who goes to the dentist, receives laughing gas, and then learns that her insurance company has denied coverage for the visit. Combining footage from security cameras, television clips, and animated GIFs, Syms puts her version of the character into dialogue with contemporary representations of Blackness in popular media. The exhibition is produced in collaboration with Bergen Kunsthall, in Bergen, Norway. The MCA’s presentation is curated by Jadine Collingwood, Assistant Curator, with Jack Schneider, Curatorial Assistant. The exhibition will be open to the public from July 2, 2022, through February 12, 2023, and is presented in the Bergman Family Gallery on the museum's second floor. Lead support is provided by the Harris Family Foundation in memory of Bette and Neison Harris, Zell Family Foundation, Cari and Michael Sacks, R.H. Defares, and Susie Karkomi and Marvin Leavitt. Major support is provided by Citi Private Bank, Anne Kaplan, Karyn and Bill Silverstein, and Charlotte Cramer Wagner and Herbert S. Wagner III of the Wagner Foundation. This exhibition is supported by the Women Artists Initiative, a philanthropic commitment to further equity across gender lines and promote the work and ideas of women artists.


Martine Syms 
MCA Museum of Contemporary Art, Chicago

220 East Chicago Avenue

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posted 17. Sep 2022

Dineo Seshee Bopape and Diana Policarpo - The Soul Expanding Ocean #3 and #4

09. Apr 202202. Oct 2022
Dineo Seshee Bopape and Diana Policarpo: The Soul Expanding Ocean #3 and #4 April 9–October 2, 2022 TBA21–Academy presents two new commissions by South African-born Dineo Seshee Bopape and Portuguese-born Diana Policarpo for the 2022 exhibition program in Venice. TBA21–Academy’s program at Ocean Space proposes a processual reading of nature’s structures and cycles in relation to art and culture to reclaim space for speculative thinking about our ecological future. In the second year of the exhibition cycle The Soul Expanding Ocean at Ocean Space, curated by Chus Martínez, Diana Policarpo and Dineo Seshee Bopape give presence to the Ocean and the stories it holds. The Soul Expanding Ocean #3: Dineo Seshee Bopape Ocean! What if no change is your desperate mission? “Sometimes, works have no tangible origin, and yet their substance emerges and becomes real long before they stand in front of you. Back then it was a magic afternoon, in the Solomon Islands, where a small group of friends was swimming, playing, filming on the shore. (...) Rain started to pour down. In an instant, the rain and the Ocean merged. With our heads underwater, we could see the drops sinking into the Ocean and the Ocean reaching out to the skies. The salty water body muffled the music evoked by the raindrops falling. We could barely keep our eyes open: drops, salt, tears, joy... This could have been a dream.” —Chus Martínez Dineo Seshee Bopape’s work begins with a journey to the Solomon Islands, and from there she moves on to plantations on the Mississippi, to Jamaica, and then back home to South Africa. Bopape’s approach merges magical inquiry, historical curiosity, traditional wisdom, a sense of/for illusions, imagination and hope in order to create an operation on the post-post-colonial agency in conversation with the Ocean (being). The imaginary hand that peacefully touched the Ocean in that moment may or may not belong to an existing body, or to the spirits that appear as abstract forms in your digital devices. This newly produced work proposes a tight embrace. True, we want to research, question, answer, solve, sustain the demands of the Ocean. But first, we might start by envisioning a life in which the Ocean is intrinsic. Dreams, songs, spirits, imaginaries are carried by water. The Soul Expanding Ocean #4: Diana Policarpo Ciguatera How do rocks know about history? How do species communicate about time? For her newly commissioned work at Ocean Space, Diana Policarpo is developing a multimedia installation, using film and audio to enhance a certain sense of presence while capturing her own research process. Taking her point of departure from a research trip to the Portuguese administered Ilhas Selvagens (Savage Islands) in the North Atlantic Ocean, Policarpo creates a case study of mapping colonial histories through tracking natural biodiversity. “Diana Policarpo engages in a very personal study of a Portuguese archipelago—the Ilhas Selvagens. Small as they are, these islands hold a symbolic and also an ecological importance. What might seem tiny and remote to humans is not so for algae, birds, fishes, and rocks that speak of the geological formation of a continent, and the currents that determine both the course of the seasons and the survival of many species. Diana Policarpo decided to bring the conversation with these islands to Ocean Space. As if to say: We may engage in a dialogue with all the territories that humans want to take from others—human and nonhuman. A conversation about the Western colonial ways of addressing genesis, the origin of beings, events, and things, as a way of gaining rights over them. The animated science of art is an arduous method that weaves together many different artistic languages, in order to erase the possibility of an ‘opposite.’ There are no opposites in nature, no opposite sex, no opposite of the real. To surpass this dualism we need new beliefs, new movements of thought capable of stopping further damage and wars to come. We are placing an intention here for you to understand and enjoy an immersion, one created to remedy the limitations of humans in retraining our habits—to combine the skills we have learned in unpredictable, fertile, positive ways.” —Chus Martínez

artists & participants

Dineo Seshee Bopape,  Diana Policarpo 


Chus Martinez 
Ocean Space, Venice

Ocean Space, TBA21–Academy, Chiesa di San Lorenzo, Castello 5069
30122 Venice

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posted 16. Sep 2022

Une seconde d’éternité

22. Jun 202202. Jan 2023
22.06.2022 - 02.01.2023 **Une seconde d’éternité** Une seconde d’éternité brings together some fifteen artists whose works are able to generate a space-time. They are displayed throughout the Bourse de Commerce spaces, composing a landscape that enters into dialogue with the architecture, from the darkness of the lower level to the light of the upper galleries. This exhibition is inspired by the oeuvre of Felix Gonzalez-Torres and his work’s openness to tangible emotions, through a certain aesthetics of disappearance, and to new forms of connection and aes-thetic experiences. With works from the collection: Larry Bell, Marcel Broodthaers, Miriam Cahn, Nina Canell, Liz Deschenes, Ryan Gander, Dominique Gonzalez-Foerster, Felix Gonzalez-Torres, Roni Horn, Pierre Huyghe, Gustave le Gray, Sherrie Levine, Philippe Parreno, Anri Sala, Tino Sehgal, Rudolf Stingel, Sturtevant, Wolfgang Tillmans, Carrie Mae Weems. Curator: Emma Lavigne, Chief Executive Officer of the Pinault Collection with Caroline Bourgeois, curator to the collection, and Matthieu Humery, photography curator to the collection.
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posted 15. Sep 2022

Hana Miletić: Pieces

08. Jul 202202. Oct 2022
08.07.2022 – 02.10.2022 **Hana Miletić: Pieces** The solo exhibition of Hana Miletić, one of the internationally most acclaimed young contemporary Croatian artists, is her first major solo institutional exhibition in Croatia. After notable international presentations at both large group and solo exhibitions, such as Kunsthalle Bergen (2021) and WIELS Bruxelles (2018), MMSU will for the first time in Croatia present her new textile artworks. The exhibition Pieces brings an overview of recent works by Hana Miletić, and will present completely new productions as well as several existing works. The exhibition is conceived with the idea to develop a dialogue with the exhibition space and the context surrounding it, taking into account its past and present, original purpose and subsequent conversions. Moreover, the exhibition space will house a site specific and context specific intervention of the artist. In her practice, Hana Miletić employs various textile techniques and materials, with a focus on hand-weaving. Miletić’ background in photography informs and supports her weaving work. Her artworks point to contexts inscribed in individual and social processes of transformation. Using the process of weaving and fabric as their central material, Miletić’ soft and light structures are places of recording and inscribing various states, relationships and perspectives, such as fragility, precariousness, relationships to time, transience, absence, the emotional sphere, tactility and materiality, as well as the labours of repairing, replacing, disappearing, and reassembling materials and stories. With textile artworks such as the large carpet RAD (2019), created in collaboration with the Regeneracija factory in Zabok, or the installation Materials-Knitwear Arena, Pula (2020), Hana Miletić continues her search for producers and places of production of almost completely ruined or extinct textile industries in Croatia. During her stay at the Kamov residency in Rijeka, Hana researched the past and present of the textile industry in Rijeka, and one of her new works – a spatial installation made of tailor’s waste – was created in collaboration with Rio Biz d.o.o. Curated by: Branka Benčić Associate curator: Kora Girin The exhibition is organized in collaboration with Kunsthalle Mainz, opening in October. Hana Miletić was born in Zagreb (1982), she lives and works in Brussels. Departing from a background in documentary photography, and inspired by the long tradition of handwork in her family, Hana Miletić has developed an artistic language based primarily on the creation of handwoven textile works. She uses the weaving process to reflect on the social and cultural realities in which she lives and works. In her weaving practice, Miletić reproduces public gestures of maintenance and repair, capturing infrastructures and objects in flux, or in various states of transition. Weaving, which requires practice, time, care and attention, allows her to formulate new relationships between work, thought and the emotional sphere, as well as to counteract certain economic and social conditions at work, such as acceleration, standardisation and transparency. Selection of upcoming and recent solo exhibitions: Kunsthalle Mainz (2022), MUDAM Luxemburg (2022), Bergen Kunsthall (2021), La Loge Brussels (2021), and WIELS Brussels (2018.). Selection of upcoming and recent group exhibitions: M HKA Antwerp (2022), Manifesta 14 Prishtina (2022), MAXXI L’Aquila (2022), Triangle Astérides Marseille (2022), Muzeum Sztuki Łódź (2021), Kunsthalle Wien (2020), Metro Pictures New York (2019), S.M.A.K. Ghent (2018-2019), and Sharjah Biennial 13 (2017). Selection of recent artist residencies and prizes: Jan van Eyck Academy Maastricht (2014-2015), Thread – Josef and Anni Albers Foundation, Sinthian (2019), and Baloise Art Prize (2021).


Hana Miletic 
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posted 14. Sep 2022

Keren Cytter. Bad Words

25. Jun 202225. Sep 2022
opening: 24. Jun 2022 07:00 pm
June 25–September 25, 2022 Opening: June 24, 7pm **Keren Cytter. Bad Words** The multidisciplinary works of New York-based artist Keren Cytter include films, soap operas, plays, sculptures, drawings, novels, zines, life coaching guides, and children’s books, as well as festivals. Including more than one hundred works produced between 2002 and 2022, the survey Bad Words at Ludwig Forum Aachen presents all of the artist’s versatile fields of interest combined for the first time. Their particular sequencing throughout the three exhibition floors at the Ludwig Forum follows Cytter’s ongoing interest in personal mythologies and the various stages of life, while highlighting text and language as crucial elements in her practice. The first room introduces a series of children’s books, sculptures, and animated films that describe childhood as a search for one’s own identity in proximity to and at a distance from family, friends, and strangers. This installation is followed by a series of drawings and two videos reflecting the ever-changing emotional world of young people: clichéd icons such as Che Guevara or personalities like underground filmmaker and pioneer of queer cinema Kenneth Anger illustrate possible bandwidths of youth culture and socialization. The title of the exhibition is borrowed from her film Bad Words or when you wake up and realize that you are late to your job interview with your best friend’s ex and you are not a lesbian, but the product of a patriarchal society that’s conditioned you to see women as sex objects (2021). Keren Cytter dramatizes today’s new normality dominated by social media and the Internet, characterized by a state of permanent networking, circulation and updated presence, resulting in the collapse of clear boundaries between private and public. Other stops in the exhibition include Keren Cytter’s multiple collaborations, most notably with New York-based artist John Roebas. Through their joint sculptural project Ego bodies, Cytter / Roebas playfully highlight that disturbances and fragmented bodies belong to growing up just as much as dealing with coming of age. Art Projects Era (A.P.E.), a non-profit organization and production platform, is another collaboration co-founded with curators Maaike Gouwenberg and Kathy Noble. Since its creation in 2010, A.P.E. has challenged the limitations of institutional structures through festivals with international performance artists, writers, dancers, and musicians in Amsterdam, Basel, Bologna, Bregenz, Düsseldorf, New York, Warsaw, and Zurich. In the last room, 825 Polaroid photos taken between the years 2012 and 2013 display family, friends, objects, film sets, landscapes, and manipulated portraits—a collection of images in which Cytter imitates different photographic genres and which she ironically, or affirmatively, calls MOP (Museum of Photography) (2013) to question the power of memory and the interpretive authority of institutions. Behind it, a series of blue drawings document apartments where the artist has recently spent her time (her home in Queens, and a house in Lausanne where she quarantined for ten days), still-lifes, and views from windows drawn with a ballpoint pen on small sheets of paper that she carried in an envelope and reassembled in the exhibition space. All works on view are connected by a new site-specific installation: a text that sprawls along the walls of the museum, guiding the visitor from one space to the next. Being at the same time its own long title, this text addresses the individual objects of the exhibition it accompanies, as it incorporates additional narratives. In other instances, it refers to its own physical presence as a plotted wall text, and to the presence of the visitors, who, while walking and reading the text, become in a way performers themselves. On the occasion of the exhibition, an artist book in the form of a novel will be published by Sternberg Press. Written by Mathilde Supe after she moved as a twenty-four-year-old student to New York City to be Cytter’s assistant in 2013, Keren Cytter Does Not Like to Share narrates her hardships and learning processes in this logbook of adventures (release date: September 2022.) Curated by Eva Birkenstock and Holger Otten. Festival: Cold Summer For the opening weekend, Keren Cytter has invited a number of artists, poets and musicians to participate in the festival Cold Summer, conceived as part of Cytter’s non-profit organization A.P.E. . The festival will feature readings, dance, and music performances by Dan Bodan, DECHA, Cosima Grand with Milena Keller, Adam Harrison, Karl Holmqvist, Marie-Caroline Hominal with Joseph Ravens, Ari Benjamin Meyers with Thomsen Merkel and Jan Terstegen, New Noveta x Vindicatrix, and Mathilde Supe. Keren Cytter studied visual arts at Avni Institute of Art and Design, Tel Aviv, and from 2002-2004 she was a resident artist at De Ateliers, Amsterdam. Her work was shown in solo exhibitions at internationally renowned institutions such as Winterthur Kunstmuseum (2020); Center for Contemporary Art, Tel Aviv (2019); Museion Bolzano (2019); Museum of Contemporary Art, Chicago (2015); Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen (2014); Tate Modern, London (2012) and Stedelijk Museum Amsterdam (2011), among others. She participated in numerous group exhibitions and biennials such as Museum Angewandte Kunst, Frankfurt (2017); KADIST, Paris (2017); SeMA Seoul Museum of Art (2017); Busan Biennial (2016); Museum Brandhorst, Munich (2015); Kunsthalle Wien (2015); Moscow Museum of Modern Art (2011); Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2011); Witte de With, Rotterdam (2010); Van Abbemuseum, Eindhoven (2010); 8th Gwangju Biennale (2010), Future Generation Art Prize - PinchukArtCentre Kiev (2010); Whitney Museum, New York (2009); 53rd International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, (2009); Yokohama Triennial (2008). Her films were screened in numerous film festivals, such as Bolzano Film Festival (2019); European Media Arts Festival, Osnabruck (2018); Bergamo Film Festival (2016); Berlin International Film Festival, Forum Expanded (2008). Cytter was awarded the Joseph Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021), Absolut Art Award, Stockholm (2009), Ars Viva Prize, Kulturkeis der Deutschen Wirschaft, Berlin (2008).


Keren Cytter 
Ludwig Forum, Aachen

Jülicher Straße 97-109
52070 Aachen

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posted 13. Sep 2022

The Other Kabul. Remains of the Garden

03. Sep 202204. Dec 2022
03. September – 04. Dezember 2022 Vernissage: 02. September 2022, 18.30 Uhr **The Other Kabul. Remains of the Garden** Afghanische und nicht-afghanische Künstler:innen präsentieren in The Other Kabul. Remains of the Gar- den Werke mit poetischer Kraft, die sich den westlichen Klischees zu Afghanistan entziehen. Vielmehr widmet sich die Ausstellung der Sinnlichkeit und Schönheit, die sich symbolisch im Mikrokosmos des Gartens spiegelt, und beharrt darauf, dass ein anderes Leben möglich sein kann, möglich sein wird. Viele der ausgestellten Werke wurden eigens für die Ausstellung in Thun geschaffen. Vier der beteiligten afghanischen Künstler:innen lebten bis August 2021 noch in Kabul. Ihre Werke sind je- doch nicht auf Armut, Krieg und Unterdrückung beschränkt. Stattdessen legen sie den Funken der Schön- heit in die Welt Kabuls. Selbst, wenn dieser - wie alles Schöne - flüchtig und zerbrechlich ist. Der Fragilität dieser Vorstellung schliessen sich weitere Künstler:innen an, die im Iran, in den Niederlanden, in der Schweiz oder in der Türkei leben und arbeiten. Auch ihre künstlerischen Arbeiten tragen dazu bei, der Schönheit Sorge zu tragen, ohne dabei die vielfältigen und ineinander verschränkten Krisen der Welt unter den Teppich zu kehren. The Other Kabul ist eine Gastausstellung des Vereins Treibsand, kuratiert von Susann Wintsch in Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum Thun. Positionen in der Übersicht. Die Künstlerin Arshi Irshad Ahmadzai (Neu-Delhi und Weimar) portraitiert mit Stoff und Papiermaché die berühmteste Gartenanlage Kabuls, Bagh-e Babur (2021/22). Sie lässt die Architektur mit dem Wasser ver- schmelzen und verschlüsselt sie dadurch. Darüber hinaus chiffriert sie die auf Leinwand notierten Texte, welche unter anderem den Wind und Gesprächsfetzen der Parkbesucher:innen wiedergeben. Latifa Zafar Attaii (Teheran) hat während eines Jahres eintausend Passfotos mit leuchtenden sowie mit dunklen Wollfäden bestickt. Diese sind so dünn, dass die Gesichter der Menschen durch sie hindurch schimmern. Auf diese Weise schafft die Künstlerin eine eindrucksvolle Erzählung über helle und dunkle Mo- mente im menschlichen Dasein. Auch die Künstlerin Jeanno Gaussi (Berlin) denkt über die Unterschiede zwischen Menschen nach. In ihrer Installation einer festlichen Tafel lässt sie deshalb auf Geschirr die Stimme eines afghanischen Tellerwä- schers erkennbar werden. In seiner Videoarbeit wird der Künstler Baqer Ahmadi (Zürich) mit Mehl berieselt und mit flüssigem Honig übergossen - eine ambivalente Situation, die endlos zwischen Verführung, Strafe und Selbstkontrolle kreist. Auch die Künstlerin Parastou Forouhar (Frankfurt) zeigt, wie das Schöne und das Grausame miteinander verflochten sind. In ihren digitalen Zeichnungen, die an persische Miniaturen erinnern, verknüpft sie deshalb mit dem Leben junger Frauen von heute. Der Künstler Pieter Paul Pothoven (Amsterdam) führt uns in eine zauberhafte blaue Steinhöhle, die mit dem Licht durch geschnittene Plättchen des kostbaren Lapis Lazuli-Steins projiziert. Die grösste Lapis Lazuli Mi- nen liegt in Afghanistan, und wird immer wieder von den Kriegstreibern besetzt. Ursula Palla (Zürich) zeigt in Bronze wiederum die zarte Pflanze eines Weideröschens, das auch Trümmer- blume genannt wird, welches sie deshalb mit eingeschmolzenen Waffen gegossen hat. Die Künstlerin Almagul Menlibayeva (Berlin) wiederum lässt die kasachische Steppe, die von der Sowjet- union als Experimentierfeld missbraucht wurde, von weiblichen Figuren zurückerobern. Necla Rüzgar (Ankara) löst in ihren Aquarellen und Skulpturen sowohl den körperlichen Unterschied wie auch die Gefühlswelt zwischen Tieren und Menschen vollends auf. Das Wandbild aus Pflanzen von Monica Ursina Jäger (Zürich) ist aus Chlorophyll gemalt, verblasst deswe- gen Tag für Tag und wird, wie ein Garten, während der Dauer der Ausstellung erneuert. Die aus armem, auf den Strassen Kabuls und Zürichs gefundenem Material gestalteten Figuren von Shahida Shaygan (Zürich) wurden auf ihrer Reise aus Kabul teilweise beschädigt und stehen nun den in der Schweiz vollendeten Objekten gegenüber. * Publikation zur Ausstellung The Other Kabul. Remains of the Garden. In der begleitenden Publikation wird der Garten als Resonanzraum, als Sehnsuchtsort und als Kraftraum durch literarische Texte begleitet. Der Schriftsteller Taqi Akhlaqi (Berlin} und die Künstlerin Haleh Anvari (Teheran) sind mit ihren Gärten sowohl historisch als auch biografisch verflochten und geben ihre Erinne- rungen wieder. Der Literaturwissenschaftler Robert Pogue Harrison (Stanford) hat uns das Originalmanu- skript eines Kapitels aus seinem Buch Gardens. Essay on the Human Condition gegeben und verbindet den Garten mit der Sorge um die Freundschaft, um Staaten und um Institutionen. Die französische Künstlerin Oriane Zerah fotografiert bis in die jüngste Zeit die Beziehung von Männern und Rosen in Afghanistan, während die Künstlerin Latifa Zafar Attaii Landschaftsfotografien aus Afghanistan zum Katalog beiträgt.


Susann Wintsch 
Kunstmuseum Thun

Thunerhof, Hofstettenstr. 14
3600 Thun

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posted 12. Sep 2022

Mark Tobey – Aus dem graphischen Werk und Sumi-Tuschen

16. Aug 202230. Sep 2022
16.08.2022 – 30.09.2022 **Mark Tobey – Aus dem graphischen Werk und Sumi-Tuschen**


Mark Tobey 
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posted 11. Sep 2022

Maarten Vanden Eynde - Exhumer le futur

10. Jun 202230. Oct 2022
Maarten Vanden Eynde Exhumer le futur June 10–October 30, 2022 La Kunsthalle Mulhouse welcomes Exhumer le futur, an exhibition of the artist Maarten Vanden Eynde. Seated on the fractured earth, Maarten Vanden Eynde uses plaster to fill in the cracks in the surface of a dried-up lakebed. Restauration du lac de Montbel (Restoring Lake Montbel) serves as a perfect prologue to this exhibition. Immersed in his image, the artist makes a simple and ludicrous gesture against a climate-related phenomenon, an act on the human scale, ambitious but deliberately in vain. He does not so much restore the lake as shed light on a natural catastrophe that both surrounds and overwhelms him. With this work, the artist lays out a framework with which to question, sometimes speculatively, the role and the consequences of human actions within the Earth’s ecosystems. Previously exhibited at the Mu.Zee in Ostende in 2021 before arriving at the Kunsthalle in Mulhouse, Exhumer le futur (Digging up the future) is Maarten Vanden Eynde’s second retrospective exhibition, based on an eponymous book contextualizing his work and covering 20 years of persevering and still ongoing research. For the Mulhouse exhibition, a selection of catalogued works is organized around the issue of industrialization, production processes and the transformation of raw materials and products. Maarten Vanden Eynde has also created a new piece for the exhibition, Fat Man 3D, a literal reference to the code name of the atomic bomb dropped on Nagasaki, Japan in 1945. The work links together three countries in the artist’s personal history: the Congo, which supplies raw materials such as cotton and uranium; France, in particular the Mulhouse industries which manufacture thread from cotton fiber; and Belgium, which transforms cotton thread into exceptional lacework. All of these come together in the form of an explosive installation suspended in the art center’s entry hall. A proposal by Katerina Gregos and Sandrine Wymann. Maarten Vanden Eynde is a visual artist based in Brussels, Belgium and Saint-Mihiel, France.
Kunsthalle Mulhouse

La Fonderie | 16, rue de la Fonderie
F 68093 Mulhouse

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posted 10. Sep 2022


09. Sep 202208. Oct 2022
09.09.2022 - 08.10.2022 **ENDRE TÓT. SEMMI SEM SEMMI ** curated by Róna Kopeczky SEMMI SEM SEMMI | curated by Róna Kopeczky präsentiert Werke von Endre Tót, geb.1939, einem der bedeutendsten Künstler der ungarischen Neo-Avantgarde, der internationalen Konzeptkunst und Mail Art. Ab 1970 hatte sich Tót von der abstrakt-expressionistischen und informellen Malerei abgewendet und in den folgenden fünf Jahrzehnten eine Reihe von (neuen) Medien wie Künstlerbuch, Telegramm, Postkarte, Schreibmaschine, Post- und Gummistempel, Video, Plakate, Graffiti, Transparente und Performances entwickelt. Die Ausstellung zeigt Arbeiten aus den konzeptuellen Serien Zer0, Joy und Rain - mit Humor und Spott spielend, damals eine sublim-raffinierte Reaktion auf den realsozialistischen Alltag. Vor dem Hintergrund der heutigen traumatischen Ereignisse und des Krieges in der Ukraine, der noch immer währenden Ost-West-Dichotomie, ist das Leben und das künstlerische Schaffen Endre Tóts weiterhin von großer Aktualität. Zer0 - eine der Mail Art-Aktivitäten des Künstlers und ab 1971 die einzige Möglichkeit, mit den führenden Protagonisten der internationalen Avantgarde zu korrespondieren. Zer0, die mathematische Vorstellung des Nichts, symbolisierte für Tót die Absurdität der Kommunikation, die Vorstellung von Abwesenheit vs. Präsenz. Die philosophischen und politischen Aspekte des Zeichens "0" zeugten auch vom ontologischen Verständnis der damaligen realsozialistischen Lebensbedingungen. Angesichts der Einschränkung der Redefreiheit unter dem sozialistischen Regime war der Text als Kommunikationsform immer auch mit Gefahr verbunden. Tóts Arbeiten kommunizierten durch Nicht-Kommunikation, durch Nichts-Sagen und durch das Abbilden der Abwesenheit: Nothing, Absent Painting, Blackout Painting... Die zweite, bei uns gezeigte frühe Werkgruppe ist aus seiner Rain Serie. Das Regenmuster, entstanden durch wiederholtes Drücken auf die "/"-Taste seiner Schreibmaschine, ist von einem Text begleitet, intellektuell verspielt, oft von banaler Tautologie, um sich dann wieder (selbst-) ironisch zu geben oder mit humorvollen, politischen Bezügen. Postkarten, Reproduktionen bekannter Gemälde oder beliebige Abbildungen aus Zeitschriften waren Ausgangsmaterial für diese Rain Arbeiten, in welche der Künstler Texte einfügte und so visuelle Poesie mit dem Bild oder der Form des Regens entstehen ließ. Die erste Joy Arbeit (ein postkartengroßer Karton) von Endre Tót aus dem Jahr 1971 bestand aus einem einzigen englischen und ungarischen Satz: "I am glad that I could have this sentence printed." Tót selbst schrieb folgendes dazu: "Meine 'Joys' widerspiegelten den totalitären Staat der Siebziger Jahre. Ich antwortete mit der absurden Euphorie der Freude auf Zensur, Isolation, Unterdrückung, die alle Lebensbereiche durchzogen, auch wenn diese Unterdrückung ganz subtil wirkte." Das Wissen, dass staatliche Autoritäten ihn für die Joys nicht belangen konnten, ließ weitere Arbeiten entstehen und bildete so den Auftakt zur Entwicklung seines Aktionismus, insbesondere die Gladness Demonstrations und die als Very Special Gladnesses bekannte Serie. (zit. Róna Kopeczky, Budapest, 2022) Die Ausstellung findet im Rahmen des Galerienfestivals curated by_vienna: KELET statt.


Endre Tot 


Rona Kopeczky 
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