daily recommended exhibitions

posted 03. Oct 2022

Bruno Serralongue, Pour la vie

03. Sep 202208. Oct 2022
September 3 – October 8, 2022 Opening Friday, September 2, 5–8 pm **Bruno Serralongue, Pour la vie** Galerie Francesca Pia is pleased to announce Pour la vie, Bruno Serralongue’s third solo exhibition at the gallery. Oriented on his extensive retrospective, which opened earlier this year at FRAC Île-de-France in Paris, the current show includes works spanning nearly 25 years of his artistic career, with an emphasis on diverse forms of portraiture. Since the early 1990s, Bruno Serralongue has accompanied both individual actors and politically engaged groups gathered together for specific events or linked by an ongoing political struggle. Often created over several years, Serralongue’s photographic series are characterized by the documentary style of journalistic photography coupled by the rejection of the media logic of conventional photojournalism. As a result, his photographs do not present a singular, seemingly decisive moment, but radically unspectacular tableaus of everyday life. The images forego dramatic staging and conventional compositional aesthetics and show the typically small-scale and lengthy work of political resistance. The exhibition at Francesca Pia begins with one of the artist’s less familiar photo series, Sunday Afternoon, which was shot in 1999 in a park in Rio de Janeiro. For it, Serralongue stepped into the shoes of local Sunday photographers, who took commemorative photographs of families, friends, and young couples for a small fee. For his photographic service, Serralongue’s only payment was the negative of the photograph, while the portrayed received the positive. The resulting images reference photography’s persistent function as a medium of personal memories, while simultaneously investigating the interplay between photographers and those they portray, as well as the performative setting of the medium and the ensuing mutual dependencies. The images thus represent the violent aspects of the photographic image genesis, the shooting and capturing of images, highlighted by the schematic juxtaposition of the sitter and the camera. Serralongue, however, defuses this relationship through a mutual agreement – in this case manifested by a symbolic exchange contract. The artist’s conceptual interest and sensitivity to the problematics of the photographic setting, which will remain of great importance for all subsequent series, become apparent here. Whether it is the indigenous Zapatistas from Chiappas at the Intergalactical Meeting against Neoliberalism and for Humanity whom Serralongue photographed in his series Encuentro (1996), the refugees in Calais (2006–2020), the inhabitants of a settlement fighting against the destruction of their housing as documented in the series La vie ici (2020/21), or the ecological activists in the series Notre-Dame-des-Landes (2014–2018) and Water Protectors (since 2016, ongoing): Serralongue enters into a unique relationship with all the actors in his photographs. In every picture, the artist negotiates how close he needs to be to create a sense of solidarity, or how much distance constitutes a respectful gaze. For Serralongue, these questions always have an ethical and medial foundation. The complex production process of his large format photographs hamper the swift and immediate access to the depicted scenes. Likewise, the unique framing of the images and their distribution in the context of exhibition formats and art books underscores that the transfer of Serralongue’s content from the field of media to that of fine art is an essential part of his conceptual claim. In a context of critical reflection, the medial abstraction of depicted events becomes more evident, opening up the narrative, personal, and existential content of the images, beyond the daily consumption of images. Thus, Serralongue’s photographs are not simply views into our present; in their belief in the possibilities of creating a different world through political work and their willingness to enter into a political struggle to this end, the individuals and groups depicted in the images will always embody a future that points far beyond the moment captured in the photograph. A comprehensive publication on Serralongue’s work in Calais has just been released: Calais. Testimonies from the 'Jungle' with texts by Jacques Rancière and Florian Ebner. In addition, his series Water Protectors is currently on view in the context of the photography festival Les rencontres d'Arles. In 2022 Bruno Serralongue had an extensive solo exhibition at Frac Ile-de-France, Le Plateau, Paris; previous institutional solo exhibitions include the Centre Georges Pompidou, Paris; the MAMCO, Geneva; Jeu de Paume, Paris; and Wiels, Brussels.
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posted 02. Oct 2022

Soun-Gui Kim: Lazy Clouds

10. Sep 202205. Feb 2023
opening: 09. Sep 2022
10.09.2022 – 05.02.2023 Ausstellungseröffnung Fr, 09.09.2022 **Soun-Gui Kim: Lazy Clouds** Mit »Soun-Gui Kim: Lazy Clouds« eröffnet das ZKM | Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe am 09. September 2022 die erste umfassende Einzelausstellung der koreanisch-französischen Künstlerin Soun-Gui Kim in Europa. Die Ausstellung gibt einen Überblick ihres Werkes von den 1970er-Jahren bis in die Gegenwart. Schon früh interessiert Soun-Gui Kim sich für die Dekonstruktion der Malerei, für großangelegte Performances, Fotografie, Videoarbeiten im öffentlichen Raum und multimediale Kunst. Ihre Arbeiten zeichnen sich durch einen hohen partizipativen Charakter aus und sind von vergleichenden Studien der östlichen und westlichen Kultur und Philosophie sowie der Auseinandersetzung mit Sprache beeinflusst. In den 1980er-Jahren reist die Künstlerin in verschiedenste Länder der Welt und setzt sich intensiv mit der Kultur und der Kunst des Ostens und Westens auseinander. In New York ist sie mit renommierten Videokünstlern wie Nam June Paik, Ko Nakajima, Ira Schneider und Frank Gillette im Austausch. In dieser Zeit gewinnen für sie vor allem Fragen, die mit der Ausbreitung des globalen Kapitalismus und den strukturellen Veränderungen der Gesellschaft durch das Internet zusammenhängen, an Wichtigkeit. Der Titel der Ausstellung »Lazy Clouds« referiert auf ein Gedicht sowie einen in Frankreich veröffentlichten Gedichtband der Künstlerin. Gleichzeitig steht er allerdings auch exemplarisch für ihren persönlichen Lebensentwurf. Völlig konträr zum kapitalistisch orientierten Produktivitäts- und Leistungsregime basiert dieser auf dem Konzept der Muße als künstlerisches, kreatives und philosophisches Prinzip. Wie die Wolken, die am Himmel vollkommen frei stets neue Formen finden, widmet sich Soun-Gui Kim ihrer Kunst fernab von vorgegebenen Mustern und Konventionen. Soun-Gui Kims Werkschau ist der Auftakt zu vier Einzelausstellungen, die das ZKM | Karlsruhe in den kommenden Monaten als »Female Perspectives« weiblichen Positionen in der Medienkunst widmet. Die Künstlerinnen sind Soun-Gui Kim, Marijke van Warmerdam, Analívia Cordeiro und Ulrike Rosenbach. Peter Weibel, künstlerisch-wissenschaftlicher Leiter des ZKM, sagt: „In der kommenden Ausstellungsepoche 2022–2023 präsentiert das ZKM das mediale Werk von vier außergewöhnlichen Künstlerinnen, die einen spezifischen aufklärerischen Beitrag zu unseren traditionellen Weltbildern erschaffen haben, indem sie die Welt der Bilder neu artikulieren. Die Differenz zwischen Realität und Repräsentation, zwischen Wirklichkeit und Darstellung ist im Zeitalter der Medien, das Niklas Luhmann 1996 so definiert hat: ‚Was wir über unsere Gesellschaft, ja über die Welt, in der wir leben, wissen, wissen wir durch die Massenmedien‘, die zentrale Crux. Diese vier Künstlerinnen beschäftigen sich daher nicht nur mit der ontologischen Differenz von Sein und Seiendem, mit der semiotischen Differenz zwischen Sein und Zeichen oder der Geschlechterdifferenz. Mit einer außergewöhnlich minutiösen Arbeit wird der Prozess der Bildwerdung zu einer Poesie der Freiheit entfaltet. Soun-Gui Kim vereinigt in ihren Arbeiten auf vollkommene Weise dieses Panorama der Differenzen, erhöht durch die kulturellen Unterschiede von Ost und West, die sie allerdings in einer kosmischen wie kosmopolitischen Sicht auflöst.“ Die Ausstellung im ZKM | Karlsruhe wird in Zusammenarbeit mit dem National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA), wo die Retrospektive im Jahr 2019 zu sehen war, und der Arario Gallery, beide in Seoul, Südkorea, realisiert. »Soun-Gui Kim: Lazy Clouds« wurde kuratiert von Clara Runge, Soojung Yi und Philipp Ziegler.

artist

Soun-Gui Kim 
ZKM | Karlsruhe

Lorenzstraße 19
76135 Karlsruhe

Germanyshow map
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posted 01. Oct 2022

Women Make Film – Perspektiven von 13 Regisseurinnen

09. Sep 202218. Dec 2022
9. September bis 18. Dezember 2022 **Women Make Film – Perspektiven von 13 Regisseurinnen** Frauen machen Filme. Eigentlich selbstverständlich – aber auch wieder nicht. Zwar stehen Frauen seit Beginn der Filmgeschichte hinter der Kamera. Dass Frauen in der 125-jährigen Geschichte des Films der Zugang zum Filmemachen aber erschwert oder verunmöglicht wurde, dass sie nicht die gleichen Chancen wie Männer hatten, ihre trotz aller Widerstände entstandenen Filme nur selten in den Kanon aufgenommen wurden, dass sie übersehen, marginalisiert, vergessen und ihre Nachlässe vernachlässigt wurden, sie oft aus der Filmgeschichte herausgeschrieben wurden, das steht außer Frage. In einer sich über vier Monate erstreckenden Reihe wollen wir einige Regisseurinnen aus verschiedensten Ländern und Epochen präsentieren, deren Filme zu wenig wahrgenommen wurden und werden und ihnen Sichtbarkeit verschaffen. Eine wenig bekannte Tatsache der Filmgeschichte ist, dass in den ersten zwei Jahrzehnten des Kinos mehr Frauen in der Filmbranche tätig waren als in jeder anderen Epoche seither. Die neue und noch nicht anerkannte Kunst- und Ausdrucksform bot Männern wie Frauen eine Chance, zu experimentieren und auszuprobieren. Als sich das Kino als ernstzunehmende Karrieremöglichkeit und Wirtschaftszweig etabliert hatte, wurden Frauen vor allem aus dem Regieberuf, aber auch als Drehbuchautorinnen und Produzentinnen zurückgedrängt. Ihr ursprünglicher Beitrag zur Filmgeschichte wurde ignoriert und schließlich vergessen. Die wenigen Regisseurinnen, die sich gerade in der Blütezeit der Studiosysteme behaupten konnten, bestätigten als absolute Ausnahmeerscheinungen die Regel. Filmemachen wurde zunehmend zu einer Sache von Männern. Das änderte sich nur langsam. Umso notwendiger ist eine ständig erfolgende Neubewertung und -schreibung der Filmgeschichte. Ideengeberin für die Filmreihe ist die 14-stündige Kompilation WOMEN MAKE FILM (GB 2018) des Filmkritikers und Regisseurs Mark Cousins. Sie besteht aus Filmausschnitten mehrerer hundert Filme von insgesamt 183 Regisseurinnen, „eine Betrachtung von verschiedenen Aspekten des Filmemachens, bei der alle Lehrenden Frauen sind“. 13 dieser Filmemacherinnen wurden für die Reihe im Arsenal ausgewählt. Von allen sollen einige Filme gezeigt werden, die von Einführungen, Texten und Diskussionen kontextualisiert werden. Das daraus entstandene Wissen wird auf unserer Homepage dauerhaft zur Verfügung stehen und einen ersten Zugang ermöglichen. * Programm im Oktober So 2.10., Einführung: Monika Talarcyzk & Di 25.10., 20h OSTATNI ETAP Die letzte Etappe Wanda Jakubowska Polen 1947 OmE 104‘ DIE LETZTE ETAPPE erzählt vom Schicksal einer Gruppe von weiblichen Gefangenen, die sich dem Widerstand im Lager anschließt. Als die Hauptfigur Marta nach einem missglückten Fluchtversuch vor den Augen ihrer Mithäftlinge gehenkt werden soll, schneidet sie sich die Pulsadern auf, während im Himmel schon die alliierten Flugzeuge kreisen. „Nie wieder Auschwitz“ sind ihre letzten Worte. Das Drehbuch des Films schrieb Jakubowska zusammen mit der deutschen Kommunistin Gerda Schneider, die ebenfalls in Auschwitz inhaftiert war. Zusammen kehrten sie 1947 an den Ort des Verbrechens zurück und filmten inmitten der übriggebliebenen Baracken, Arbeitslager und Fabriken und unter Mitwirkung vieler weiblicher Überlebender. „Dem Wunsch, den Film zu drehen, verdanke ich wahrscheinlich, dass ich überhaupt noch lebe. Er behütete mich davor, Auschwitz nur subjektiv zu erleben, und erlaubte mir später, alles, was mich damals umgab, als eine besondere Art von Dokumentation zu behandeln. Ich sammelte das Material, indem ich mit Frauen von verschiedenen Lagerkommandos sprach. Ich war verpflichtet, die Realität so exakt wie möglich darzustellen, obwohl ich von Anfang an wusste, dass sich die Wahrheit über Auschwitz gar nicht verfilmen lässt.“ (Wanda Jakubowska) Zu seiner Zeit wurde der Film weltweit mit viel Interesse aufgenommen. Später geriet er in Vergessenheit und wurde erst ab den 90er Jahren wieder öfter aufgeführt. 2019 wurde er digital restauriert. Mo 3.10., 20h SPOTKANIA W MROKU Begegnung im Zwielicht Wanda Jakubowska Polen 1960 OmU 102‘ Die gefeierte polnische Pianistin Magdalena ist in Westdeutschland auf Konzerttour, die für sie zu einer Reise in die Vergangenheit wird. Als 18-Jährige wurde sie nach Deutschland in ein Zwangslager verschleppt und verliebte sich dort in Steinlieb, den jungen Besitzer einer Schuhfabrik. Ihn sucht sie nun wieder auf, ebenso wie den Antifaschisten Wenk, der ihr damals half und sich nun gegen die Aufrüstung der Bundesrepublik engagiert. Als sie realisiert, dass Steinlieb sich an der Diffamierung und Verfolgung Wenks beteiligt, ist sie zutiefst enttäuscht – von ihm persönlich wie über die politische Entwicklung der Bundesrepublik. Do 6.10., 20h KONIEC NASZEGO ŚWIATA The End of Our World Wanda Jakubowska Polen/DDR 1964 OmU 138‘ Basierend auf dem gleichnamigen, autobiografischen Roman von Tadeusz Hołuj, kehrt Jakubowska nach DIE LETZE ETAPPE ein zweites Mal filmisch nach Auschwitz zurück. Der Überlebende Henryk nimmt zwei amerikanische Touristen mit dem Auto nach Auschwitz mit. Sie wollen sich das dortige Museum anschauen. Henryk zeigt ihnen zunächst widerstrebend den Ort, wobei eigene Erinnerungen hochkommen. Er wurde inhaftiert, weil er in Warschau einer Frau zu Hilfe gekommen war, die von einem deutschen Polizisten misshandelt wurde. In Auschwitz wird er zum „Muselmann“, der schon dem Tod geweiht ist. Mit Unterstützung einiger Mitgefangener kann er überleben und schließt sich dem Widerstand an. Während die junge Amerikanerin sich als Tochter von Juden erweist, die im Holocaust ermordet wurden, ist ihr Begleiter erschreckend oberflächlich und steht für die Ignoranz einer neuen Zeit. So 9.10., 20h ZAPROSZENIE Die Einladung Wanda Jakubowska Polen 1985 OmU 92‘ Auch in ihrem vorletzten Film kontrastiert Jakubowska die Gegenwart mit der Erinnerung an den Krieg. Die Hauptfigur Anna ist Überlebende eines Konzentrationslagers und angesehene Kinderärztin. Ihr früherer Verlobter Piotr – ihre geplante Heirat wurde durch den Krieg verhindert und später vermählte sich Anna mit einem anderen Mann in der Annahme, Piotr sei gestorben –, der mittlerweile als Wissenschaftler in den USA lebt, kommt zu Besuch nach Polen. Anna besucht mit ihm die Orte, die sie nicht vergessen kann: Auschwitz, Sachsenhausen, Ravensbrück. Annas von den Erfahrungen des Krieges geformten Überzeugungen und Werte heben sich stark ab von denen ihrer Tochter Natalia, die dem Materialismus anhängt und Piotrs Einladung in die USA gerne annimmt. Sa 8.10. & 29.10., 19.30h NE BOLIT GOLOWA U DJADLA Der Specht zerbricht sich nicht den Kopf Dinara Asanova UdSSR 1975 OmU 77‘ Asanovas Debütfilm schildert einen Sommer im Leben des 14-jährigen musikbegeisterten Sewa. Seine Leidenschaft ist das Schlagzeugspielen, was seine Umgebung immer wieder zu verhindern versucht: Mal wird sein Schlagzeug von seinem älteren Bruder, der ein berühmter Basketballspieler ist, aus dem Fenster geworfen, mal zieht er den Unmut der Nachbarn, des Vaters oder der Großmutter auf sich. Alles an Sewa ist Überschwang: der unbedingte Drang, Musik zu machen ebenso wie seine frisch aufgekommene Liebe zur gleichaltrigen Ira, der er sich unbeholfen annähert und die er zu beeindrucken versucht, indem er im Treppenhaus einen Kopfstand macht. Asanovas Kunst besteht darin, mittels einer ganz und gar alltäglichen Geschichte mit großer Sensibilität die Unbekümmertheit und Verletzlichkeit der Jugend darzustellen. Sa 8.10. & 29.10., 21h PATSANY Halbwüchsige/Kids Dinara Asanova UdSSR 1983 OmU 95‘ In der ersten Szene werden Jugendliche nach ihren Träumen und ihren Vorstellungen von Gut und Böse gefragt. Das setzt den Tonfall für den Film um einen jungen, idealistischen Erzieher, der ein Sommercamp für straffällig gewordene Jugendliche leitet, und sich durch ein aufrichtiges Interesse an seinen Protagonist*innen auszeichnet. Asanova lebte einen Sommer mit den Laiendarsteller*innen zusammen, um eine vertrauensvolle Atmosphäre herzustellen, in der die Jugendlichen sich selbst darstellen können. Sa 15.10. & Mi 26.10., 21h EL CAMINO The Path Ana Mariscal Spanien 1963 OmE 91‘ Ein Porträt des ländlichen Spaniens und des jungen Daniel, der die letzten Tage der Kindheit und Unschuld erlebt, bevor er auf Wunsch des Vaters die weiterführende Schule in der Stadt besuchen soll. Seine Zeit verbringt Daniel mit seinen beiden besten Freunden, mit Streichen, dem Beobachten der Erwachsenenwelt, den ersten zarten und noch ganz scheuen Gefühlen für ein Mädchen. Der alles dominierende Katholizismus mit seinen rigiden Moralvorstellungen lässt indes vor allem den Frauen wenig Gestaltungsräume außerhalb von Klatsch und Häme. EL CAMINO war Ana Mariscals persönlichster Film, in dem sie voller Zärtlichkeit auf die Menschen blickt, die einschränkenden sozialen Strukturen und die Heuchelei der Kirche aber mit klarem Blick seziert. Von der Kritik wurde der Film ignoriert, seine Premiere hatte er in dem Dorf, in dem er gefilmt wurde. Heute gilt er als eines der vergessenen Meisterwerke des spanischen Kinos seiner Zeit, wurde 2021 digital restauriert und wieder aufgeführt. Mo 17.10., 20h, Einführung: Petra Palmer SEGUNDO LÓPEZ, AVENTURERO URBANO Segundo López, Urban Adventurer Ana Mariscal Spanien 1953 OmE 80‘ Nachdem er seine Mutter verloren und durch den Verkauf ihres kleinen Geschäfts ein wenig Geld erworben hat, zieht Segundo López aus einer alkoholseligen Laune heraus von seinem Dorf nach Madrid, um dort sein Glück zu versuchen. In einer Kneipe trifft er auf den jugendlichen Herumtreiber Chirri. Zusammen suchen sie Unterschlupf in einem Madrid, in dem die Spuren des Krieges noch sichtbar sind und in dem vielerorts Elend herrscht. Der Neorealismus von SEGUNDO LÓPEZ brachte einen neuen Stil in das spanische Kino. Gedreht mit Laiendarsteller*innen, erzählt er mit schelmenhaften Charakteren und komödiantischen Untertönen von einem Madrid der Armen und Benachteiligten. Die spanische Zensurbehörde bedachte den Film mit der schlechtesten Klassifizierung, womit die Kinoauswertung praktisch verunmöglicht wurde. Ana Mariscal organisierte auf eigene Faust Vorführungen und tourte durch die Städte und Dörfer Spaniens, um den Film persönlich zu präsentieren. So 23.10., 19h WOMEN MAKE FILM. A NEW ROAD MOVIE THROUGH CINEMA. TEIL 2 Mark Cousins GB 2018 OmU 178’ In Teil 2 zeigt Mark Cousins, wie Figuren im Film auf Reisen gehen, wie Ökonomie in der filmischen Bildsprache funktioniert; er beschäftigt sich mit der Beziehung zwischen Erwachsenen und Kindern, behandelt den Schnitt und die subjektive Kameraeinstellung und endet beim Surrealismus und den Träumen. * Zu den Regisseurinnen: Wanda Jakubowska: Mit dem Namen der polnischen Regisseurin Wanda Jakubowska (1907–1998) ist vor allem ein Film verbunden: OSTATNI ETAP (Die letzte Etappe) war 1947 der erste Spielfilm überhaupt, der den Holocaust darzustellen versuchte, und basierte auf Jakubowskas eigenen Erfahrungen als Inhaftierte in Auschwitz-Birkenau und Ravensbrück. Weit weniger bekannt ist sie für ihr gesamtes filmisches Schaffen, das eine Spanne von 50 Jahren und an die 20 Filme umfasst. Ihre Bedeutung für den polnischen Film ist unumstritten: 1930 war sie Gründungsmitglied der Avantgarde-Filmgruppe START, die experimentelle Kurz- und Dokumentarfilme produzierte. Ihr erster Spielfilm entstand 1939, konnte durch den Kriegsbeginn aber nie aufgeführt werden und gilt als verschollen. Nach dem Krieg konnte Jakubowska in der Filmbranche schnell wieder Fuß fassen, von 1949 bis 1974 lehrte sie außerdem an der Filmhochschule von Łódź. Die Auseinandersetzung mit dem Nationalsozialismus und ihre Erfahrungen im Krieg, in dem sie im Widerstand war, prägten ihre politische Haltung; die Erinnerung daran durchzog ihr filmisches Werk. Dem Stil des sozialen Realismus blieb sie bis zu ihrem letzten Film 1988 treu. Zeitlebens setzte sie sich für die Belange der Kommunistischen Partei Polens ein. Das machte sie zu einer umstrittenen Figur in der polnischen Kulturszene und mag ein Grund dafür sein, dass ihre Filme mit Ausnahme von DIE LETZTE ETAPPE so unbekannt geblieben sind. Neben den vier Filmen zwischen 1947 und 1985, die sich direkt mit Konzentrations- und Arbeitslagern und der Erinnerung daran auseinandersetzen, drehte sie unter anderem auch zwei Kinderfilme und mit Soldier of Victory einen monumentalen Film über einen sozialistischen Musterhelden Dinara Asanova: Die gebürtige Kirgisin Dinara Asanova (1942–1985) studierte nach verschiedenen Tätigkeiten im Kirgisfilmstudio an der Moskauer Filmhochschule WGIK Regie und war ab 1974 in den Lenfilmstudios in Leningrad tätig. In ihren neun Spielfilmen, die sie bis zu ihrem frühen Tod mit nur 42 Jahren drehte, stehen meist junge Menschen im Zentrum. Es sind persönliche Porträts, oft verbunden mit einer scharfen Kritik an den sozialen Problemen in der Sowjetunion. Musik – Rock und Jazz – spielt eine wichtige Rolle in ihren Filmen; sie ist Ausdrucksmöglichkeit ihrer Protagonist*innen und zeugt von Asanovas Interesse am kulturellen Underground. Musik gibt auch den Rhythmus ihrer Filme vor, die sich frei und neugierig dem Seelenleben von Jugendlichen nähern, sich Abschweifungen und Improvisation erlauben und vorrangig an Stimmung und Atmosphäre interessiert sind. Gerne arbeitete sie mit Laiendarsteller*innen, nutzte deren Spontanität und Direktheit für ihre oft dokumentarisch anmutenden Filme. Obwohl ihre Filme in der UdSSR von Kritik und Publikum anerkannt wurden, bewegte sie sich eher an der Peripherie der Filmszene – aufgrund ihrer zentralasiatischen Herkunft, ihres Eigensinns, dem Fokus auf marginalisierte Menschen. Im Westen blieb sie weitgehend unbekannt. Ana Mariscal: Die Spanierin Ana Mariscal (1921–1995) ist bis heute vor allem als Schauspielerin bekannt. Durch ihren Bruder, den Schauspieler und Regisseur Luis Arroyo, kam sie sehr jung zum Film und war ab den 40er Jahren ein gefeierter Star. Um selbst Filme inszenieren zu können, gründete sie mit ihrem späteren Mann, dem Kameramann Valentín Javier, die Produktionsfirma Bosco Films und nahm zahlreiche Bereiche des Filmemachens selbst in die Hand. Parallel zu ihren eigenen Filmen war sie immer auch als Schauspielerin für Film und Theater beschäftigt und außerdem als Drehbuchautorin und Schriftstellerin tätig. Von 1953 bis 1968 drehte sie zehn lange Filme, die aber insgesamt wenig beachtet und geringgeschätzt wurden. Ihre Filme finanzierte sie selbst und mit Hilfe ihres privaten Umfeldes. Das Programm Women Make Film wird bis zum 18. Dezember mit folgenden Regisseurinnen fortgesetzt: Gilda de Abreu, Astrid Henning-Jensen, Marva Nabili, Sumitra Peries, Maria Plyta, Olga Preobrazhenskaya, Yuliya Solntseva und Vera Stroyeva. Tang Shu Shuen Die 1941 geborene Tang Shu Shuen (auch als Cecile Tang bekannt) war eine der ersten Regisseurinnen Hongkongs und nimmt in der dortigen Filmlandschaft eine singuläre Stellung ein. Nach dem Filmstudium in Kalifornien drehte sie zwischen 1970 und 1979 vier Filme, von denen besonders die ersten zwei einen großen Einfluss auf die sich damals neu formierende Filmkultur Hongkongs hatten. In die sich in einer Krise befindenden Filmszene brachte sie neue Impulse, wobei sie ihren ersten, in Hongkong und Taiwan gedrehten Film unabhängig produzierte und in den USA fertigstellte. Mit dem Debütfilm THE ARCH (1970) war sie eine Vorläuferin der Neuen Welle des Hongkong-Kinos und brachte als eine der ersten sozial engagierte und realistisch inszenierte Themen auf die Leinwand. China Behind (1974), von dem momentan leider keine Kopie zur Verfügung steht, erzählt in quasi-dokumentarischem Stil von einer Gruppe von Student*innen, die vor befürchteten Repressalien der chinesischen Kulturrevolution die Flucht nach Hongkong planen. Von der Zensur Hongkongs wurde der Film verboten und konnte erst in den 80er Jahren aufgeführt werden. Ihre vier Filme, die alle in einer eigenen, innovativen Filmsprache gehalten sind, wurden zwar von der Kritik gelobt, erzielten aber keinen kommerziellen Erfolg. Nach der Komödie The Hong Kong Tycoon (1979) gab sie das Filmemachen ganz auf und zog in die USA, wo sie bis heute lebt. Binka Zhelyazkova Binka Zhelyazkova (1923–2011) war die erste Spielfilmregisseurin Bulgariens. Mit den sieben Spiel- und zwei Dokumentarfilmen, die sie zwischen 1957 und 1988 drehte, war sie wiederholt Zensur und Verboten ausgesetzt und musste sich Freiräume für ihr filmisches Werk stets neu erarbeiten. Als kühne Filmemacherin, die ihre humanistischen Werte kompromisslos verteidigte, schuf sie so poetische wie metaphorische Bilder. Nach dem Krieg, in dem sie als Jugendliche Mitglied einer Partisanengruppe war, studierte sie am Theaterinstitut in Sofia und ergriff die Chance, sich in der neu entstehenden bulgarischen Filmindustrie einen Namen zu machen. Mit ihrem Mann Hristo Ganev, der in Moskau studiert hatte und als Drehbuchautor und Regisseur arbeitete, verband sie eine enge Zusammenarbeit. Erst vor Kurzem wude Binka Zhelyazkovas Werk erschlossen: Das Thessaloniki International Film Festival widmete ihr 2021 eine komplette Retrospektive, sodass ihre Filme nun digitalisiert vorliegen. Ein erstes Interesse an ihr wurde zudem durch den 2006 entstandenen Porträtfilm BINKA – TO TELL A STORY ABOUT SILENCE (Elka Nikolova) geweckt, den wir im September auf arsenal 3 zeigen. Text: Annette Lingg
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posted 30. Sep 2022

Charlemagne Palestine "Cccccharrrleeewwwworllddddd aaaaa gggessaammmtttkkkuunsttwerkkk ??????????"

02. Jul 202213. Nov 2022
opening: 01. Jul 2022 06:00 pm
02.07.2022 – 13.11.2022 Vernissage: 01.07.2022, 18:00–21:00 **Charlemagne Palestine "Cccccharrrleeewwwworllddddd aaaaa gggessaammmtttkkkuunsttwerkkk ??????????" ** Das FRAC Alsace lädt Charlemagne Palestine, Persönlichkeit der New Yorker Avantgarde der 1970er Jahre, der sich eher als Maximalist denn als Minimalist bezeichnet, ein, den gesamten 500m2 großen Ausstellungsraum in Sélestat zu bespielen. Charleworld ein Gesamtkunstwerk? Als exzentrischer Sammler und experimenteller Musiker ist Charlemagne Palestine vor allem ein leidenschaftlicher Improvisator, der seine Ausstellungen nach dem ihm gegebenen physischen und akustischen Raum gestaltet. Der Künstler hat „carte blanche“ und wird die Räumlichkeiten nach Lust und Laune in Besitz nehmen. Er wird den Raum des FRAC mit seinen zahlreichen künstlerischen und musikalischen Kreationen sowie seiner immensen Plüschtiersammlung füllen, die er seit über 30 Jahren hegt und pflegt. Als selbsternannter Gesamtkünstler, lädt Charlemagne Palestine uns ein, in seine Welt, die „Charleworld“, einzutauchen, ein Gesamtkunstwerk, das visuelle und akustische Kreationen in einem Raum vereint und Kunstwerke aus der Akkumulation von Alltagsgegenständen und –materialien erstehen lässt. Der Künstler schafft ein Raumerlebnis, in welchem Texturen, Farben und Klänge die Sinne wecken. Einer gigantischen Wunderhöhle gleichend, errichten die Plüschtiere eine farbenfrohe Welt und erobern die Ausstellung in Form von Bergen, Bildern, riesigen Mo biles und überquellenden Koffern. Ein Erlebnis, das kleinen Besuchern den Kopf verdreht und die großen in Nostalgie schwelgen lässt. Charlemagne Palestine lässt uns durch eine gewisse Ritualität und Spiritualität, die durch den Zauber der Nostalgie in die Kindheit führt, auf die Entdeckung des Selbst gehen.
Frac Alsace

1 route de Marckolsheim
F-67601 Sélestat

Franceshow map
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posted 29. Sep 2022

MARINA ABRAMOVIĆ. Gates and Portals

24. Sep 202205. Mar 2023
Modern Art Oxford OXFORD, UK September 24, 2022 - March 5, 2023 Pitt Rivers Museum OXFORD UK September 24, 2022 - April 2, 2023 **MARINA ABRAMOVIĆ. Gates and Portals** “This is an attempt to do something different, because in a normal exhibition you’re just a silent witness. At Modern Art Oxford, rather than just viewing artworks in front of you, you will be partaking in an experience that will be happening to you.” – Marina Abramović Pioneering performance artist Marina Abramović (b. 1946, Belgrade, lives and works in New York) presents a new site-specific performance-based exhibition at Modern Art Oxford. Gates and Portals explores transitional states of being, with each visitor participating as a performer with a small group of others. During the exhibition visitors will encounter gates and portals that prompt contemplation of bodily awareness and elevated consciousness. The exhibition was developed following a research residency at the Pitt Rivers Museum, Oxford in summer 2021. To complement Gates and Portals, a case installation of a film and new drawings made by the artist during her residency will be on display at the Pitt Rivers Museum.
Modern Art Oxford °

30 Pembroke Street
GB-0X1 1BP Oxford

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
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posted 28. Sep 2022

Álvaro Hoppe Guiñez. Plebiscito en Chile, 1988

04. Aug 202201. Oct 2022
opening: 03. Aug 2022 06:30 pm
04.08.2022 - 01.10.2022 03.08.2022 18:30 **Álvaro Hoppe Guiñez. Plebiscito en Chile, 1988** After the successful launch of his book, presented virtually at the MAC during 2020 and on the eve of the 50th anniversary of the coup d'état, Chilean photographer Álvaro Hoppe Guiñez exhibits an important part of his work in Plebiscito en Chile, 1988. The photographs show the Chilean political, historical and social process that culminated in the plebiscite of 5 October 1988, which decided whether or not Augusto Pinochet would remain at the head of the country. The first demonstrations for democracy, the YES and NO campaigns, the events of the day of the vote and the first night-time celebrations in the city are relived.
MAC Santiago de Chile

Parque Forestal, s/n frente a calle Mosqueto
Santiago de Chile

Chileshow map
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posted 27. Sep 2022

Ultra Unreal - New myths for new worlds 

22. Jul 202202. Oct 2022
Ultra Unreal: New myths for new worlds  July 22–October 2, 2022 Ultra Unreal at the Museum of Contemporary Art Australia (MCA) features the works of six artists and collectives. Club Ate (Sydney), Korakrit Arunanondchai and Alex Gvojic (Bangkok & New York), Lawrence Lek (London), Lu Yang (Shanghai), and Saeborg (Tokyo) create worlds that blend myth and reality, simulating more-than-human futures, evolving belief systems and fluid frameworks of being. The fantastical worlds created by these artists are grounded in personal experience and politics. Populated by hybrid creatures and genderfluid beings, their worlds are spread across physical and virtual spaces at the MCA. Ultra Unreal reflects on the relevance of mythmaking and its role in navigating complex realities of the present. Drawing inspiration from Ning Ken’s theory of the ultra-unreal, it examines how mythologies can be used to reveal hidden histories and reorientate visions of the future. Works by Club Ate and Saeborg have emerged from the politics of the dancefloor, embodying the vitalities of underground and LGBTQIA+ nightclub communities. Works by Arunanondchai and Gvojic, Lek, and Lu, similarly pulse with late-night energy and investigate ideas that include Sinofuturism, reincarnation, empathy and nonhuman consciousness. Curator Anna Davis says, “The artists and collectives in Ultra Unreal ask questions about belief and technology, empathy and consciousness. In our complex present, thinking critically about the worlds we want to create and inhabit is more important than ever before.” Exhibition highlights include:
Club Ate’s new video, sound and textile installation Ang Idol Ko / You are My Idol(2022) draws on Filipinx mythologies and club cultures to evoke queer, trans and animist idols for today. The installation combines ancestral figures from the Buwaya (crocodile) and Kinnari (bird) mythologies, and draws on historical accounts of the Babaylan; queer and trans shamans in the Philippines who act as intermediaries between visible and invisible worlds. The brightly coloured rural world in Saeborg’s installation Slaughterhouse (2021–22) masks a darker commentary on gender roles and stereotypes in Japan. Using the role of livestock as an analogy for society’s treatment and expectations of women, Saeborg aims to highlight issues of gender-based power and control in human and nonhuman lives. Slaughterhouse began as a series of costumes and performances for the Tokyo nightclub Department H. Lu Yang creates virtual environments to contemplate the nature of consciousness, suffering, death, and rebirth. “I imagine my worlds to be open-ended, non-binary and multi-dimensional” says Lu, whose digital worlds are populated with genderless avatars. Lu has been working on his latest avatar DOKU for several years. In this new series of works, DOKU appears in six different environments, each representing one of the six realms of rebirth and existence in Buddhist cosmology. Exhibited for the first time in Australia, No history in a room filled with people with funny names 5 (2018) is from a series of works Korakrit Arunanondchai has been developing for the past decade. This fifth episode examines unseen forces shaping our reality, and relationships between humans and more-than-human beings in the context of contemporary Thai mythology. Made in collaboration with Alex Gvojic, the immersive installation features Tosh Basco as the Naga, a recurring character inspired by a mythical serpent and anarchic spirit that can take human form. Named after a fictional drug for forgetting sorrow in ancient Greek mythology, Lawrence Lek’s series Nepenthe explores connections between memory, virtual worlds, and environments geared towards healing. Nepenthe AR is a new augmented reality (AR) project commissioned by the MCA Australia that invites visitors to discover a series of restorative worlds on each level of the Museum. Nepenthe AR (2022) was inspired by the phenomenon known as the “doorway effect”; when people forget why they have walked into a room as they enter it. The exhibition includes daily screenings of Lu Yang’s Delusional Mandala (2015) and DOKU—Documentary (2020); Lawrence Lek’s, Sinofuturism (1839–2046 AD)(2016), and Saeborg’s Pigpen Movie (2016).

curator

Anna Davis 
MCA Sydney

MCA NORTH, The Rocks, 140 George Street
Sydney

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posted 26. Sep 2022

Peppi Bottrop. Dream on

03. Sep 202215. Oct 2022
opening: 02. Sep 2022 01:00 pm
Sep 3rd — Oct 15th, 2022 Opening Friday, Sep 2nd, 2022, 1—9 pm **Peppi Bottrop. Dream on** Sies + Höke is delighted to present Peppi Bottrop's newest paintings. Dream on will be his second solo exhibition with the gallery and is part of DC Open, the joint season openings of galleries in Düsseldorf and Cologne. A new catalogue will be published on its occasion. Peppi Bottrop (*1986) formulates a distinctive visual language that shifts between constructivism and deconstructivism, between figuration and abstraction.

artist

Peppi Bottrop 
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

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posted 25. Sep 2022

Systems of Belief

25. Sep 202208. Jan 2023
opening: 24. Sep 2022 06:00 pm
25.09.2022 – 08.01.2023 Eröffnung: 24.09.2022 18:00 – 21:00 Uhr **Systems of Belief** Jordan Belson, Harm van den Dorpel, Storm de Hirsch, Antonia De La Luz Kašik, Richard Kriesche, Paul Laffoley, Irina Lotarevich, Lee Scratch Perry, Marta Riniker-Radich Die großangelegte Gruppenausstellung Systems of Belief vereint künstlerische Positionen, die sich mit alternativen Glaubenssystemen auseinandersetzen. In einer Welt, in der politische wie ökologische Ausnahmezustände den Alltag bestimmen, werden Konstanten des gesellschaftlichen Lebens wie Wissenschaft, Wirtschaft und Politik innerhalb von öffentlichen Debatten vermehrt auf den Prüfstand gestellt. Als Individuen, als Gesellschaft und als gesamtes Ökosystem stehen wir derzeit vor großen Herausforderungen. Herausfordernd, ja sogar überwältigend ist oftmals auch die subjektive Verarbeitung des komplexen Weltgeschehens, die durch unterschiedliche Informationsströme auf uns wirkt und unsere Sicht der Gegenwart prägt. Technologie wird in unserem Alltag im Allgemeinen und ebenso im Kontext der Ausstellung immer mehr zu einem Mittler zwischen einer faktischen Außenwelt und ihrer Wahrnehmung und Verarbeitung. Sie beeinflusst nicht nur wie und was wir auf unseren Computer- und Handydisplays sehen, sondern auch unser Wesen und unserer Verfasstheit. Mit fast grenzenloser Kraft scheinen oftmals anonymisierte und algorithmisierte Kommunikationsquellen auf unsere Wahrnehmung einzuwirken. Ihre technologischen und digitalen Strukturen und Systeme sind Ausdrucksformen technokratischer Mechanismen, die unsere Öffentlichkeit prägen: Evidenzbasierte Informations- und Analysetechniken, akkurate Organisationspläne und reibungslose Prozesse treiben unsere politischen und gesellschaftlichen Apparate an, die kaum greifbar, aber allgegenwärtig sind. In dieser entpersonalisierten und geradezu metaphysischen Sphäre technologischer Vorgänge erscheint jede Form des irrationalen Handelns innerhalb jener Apparate zunehmend unmöglich. Die Ausstellung Systems of Belief nimmt diesen vermeintlichen Raum des Unmöglichen zum Ausgang und versucht durch die Perspektiven unterschiedlicher Künstler*innengenerationen in Welten vorzudringen, in denen Technologie nicht zum Zwecke konformistischer Regularien verwendet, sondern zur Erzeugung von Unordnung Ausdruck unorthodoxer Dogmen und spiritueller Selbsterkenntnis bzw. Selbstverwirklichung wird. Künstler*innen wie Paul Laffoley, Marta Riniker-Radich und Irina Lotarevich beschäftigen sich mit der Logik oder „Architektur“ von Orten und Mechanismen, die fast einer göttlichen Macht ähnlich auf all unserer Lebensbereiche wie Ökonomie, Lebensraum und Kommunikation Einfluss nehmen. Die akribisch gefertigten Werke Laffoely‘s, die sich auf wissenschaftliche und esoterische Erkenntnisse berufen um Erklärungsmodelle für unsere Existenz und Dasein zu finden, stellen hier ein gutes Beispiel dar. Durch die Perspektive dieser unterschiedlichen künstlerischen Positionen ermöglicht Systems of Belief ein Nachdenken über weltanschauliche oder spirituelle Selbstverwirklichung durch Verwendung und Subversion technologischer Mittel. Kuratiert von Cathrin Mayer Im Parallelprogramm des steirischen herbst 2022

curator

Cathrin Mayer 
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posted 24. Sep 2022

Kerstin Brätsch. Die Sein: Para Psychics

24. Sep 202205. Feb 2023
opening: 23. Sep 2022 07:00 pm
24.09.2022 – 05.02.2023 Eröffnung: Fr 23.09.2022, 19 Uhr **Kerstin Brätsch Die Sein: Para Psychics** Während des ersten Corona-Lockdowns in New York überführte Kerstin Brätsch ihre raumgreifende und kollaborative Arbeitsweise in einen nach innen gerichteten Prozess des täglichen Zeichnens. Im Zeitraum von Januar 2020 bis März 2022 entstanden durch die intensive Auseinandersetzung mit Mystik, Tarot, Pflanzenmedizin und Gottheiten die rund einhundert Mandala-ähnliche Zeichnungen ihrer jüngsten Serie Para Psychics. Die Ausstellung Die Sein: Para Psychics im Ludwig Forum Aachen präsentiert erstmals alle hundert Zeichnungen dieser Serie zusammen in einer ortsspezifischen Installation aus eingefärbten, den Lichteinfall manipulierenden Fensterscheiben und transparenten Raumstrukturen. Verteilt über die Museumswände und Metallstrukturen erinnern die Zeichnungen an ausgelegte Weissagungen, die die Besucher*innen deuten und durchwandern können. PSYCHICS UND PARA PSYCHICS Der Titel der Serie geht zurück auf ältere Arbeiten von Brätsch, die sogenannten Psychics (2005–2008), für die sie zahllose Wahrsager*innen in New York aufsuchte. Die Ergebnisse der Sitzungen bildeten schließlich den Ausgangspunkt für zahlreiche Ölmalereien – gemalte, provisorische Wahrheiten, die sich als Kippfigur zwischen Ironie und Authentizität bewegen. In Serien wie den Psychics, den darauffolgenden Unstable Talismanic Renderings (seit 2014), den Blocked Radiants (2011) oder den Fossil Psychics (Stucco Marmo) (seit 2017) war es jedoch die Materialität der Arbeiten selbst oder die mit ihr verbundenen Herstellungsverfahren, die Bezüge zu Fragen des Animismus in der Malerei eröffneten: Durch den Aufbau von Bildern aus Tropfen (Marmorierungen), durch wie Fossilien wirkende ‚versteinerte‘ Pinselstriche (Stuccos) oder durch die ständige Vervielfältigung der eigenen künstlerischen Identität unter Einbeziehung alter Handwerke und ihrer Meister*innen (oder im Fall der Psychics durch das Malen abstrakter Porträts nach tatsächlichen Sitzungen mit Hellseher*innen). Nach vielen Jahren der Zusammenarbeit mit Künstler*innen und Handwerker*innen kehrt Brätsch mit den Para Psychics diesen kollaborativen Impuls jedoch um. Die Mittel zur Erkundung von alternativen Sphären, Zeitlich- und Persönlichkeiten generiert sie nicht durch das Einbeziehen anderer oder die Aneignung jahrhundertealter Verfahren, sondern (ausgelöst durch die eigene Lockdown-bedingte Isolierung) durch / para die Vielfältigkeit ihrer selbst. Die Zeichnungen, gefertigt aus einfachsten, unmittelbar zugänglichen Materialien wie Buntstiften und Papier, stellen somit persönliche Verdichtungen des unfreiwilligen Innehaltens während der Pandemie dar. In ihrer formalen Bezugnahme auf weissagende Kartenlegungen öffnen sie jedoch auch einen ständigen Übergangsprozess des Wahrnehmens und Da-Seins. ÜBER DIE KÜNSTLERIN Im Verlauf der letzten zwanzig Jahre hat die in Berlin und New York lebende Malerin Kerstin Brätsch eine unverwechselbare Arbeitsweise entwickelt, mit der sie das Medium Malerei über den Einbezug von Performances, künstlerischen Aktionen und Installationen stetig erweitert und immer wieder aufs Neue befragt und interpretiert. Neben der regelmäßigen Zusammenarbeit mit anderen Künstler*innen wie Adele Röder (DAS INSTITUT), Debo Eilers (KAYA) oder Ei & Tomoo Arakawa (UNITED BROTHERS) greift sie zusätzlich auch auf traditionelle, zum Teil in Vergessenheit geratene kunsthandwerkliche Verfahren zurück, um die metaphysischen und animistischen Qualitäten von Malerei auf humorvolle Weise freizulegen. Kuratiert von Eva Birkenstock Kerstin Brätsch Die Sein: Para Psychics 24. September 2022 – 5. Februar 2023 Dienstag – Sonntag, 10 – 17 Uhr, Donnerstag, 10 – 20 Uhr Ludwig Forum Aachen Jülicher Straße 97–109 52070 Aachen

curator

Eva Birkenstock 
Ludwig Forum, Aachen

Jülicher Straße 97-109
52070 Aachen

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posted 23. Sep 2022

Kimsooja. The Encounter with the Other

10. Sep 202123. Dec 2022
10.09.2021 - 23.12.2022 **KIMSOOJA BUENOS AIRES. Chapter 1 Kimsooja. The Encounter with the Other** The performative action is one of the dimensions that, in different ways, permeates the work of Kimsooja, the “needle woman”, as she calls herself, in a combination of her artistic practice and the device used for sewing. By questioning the tradition of painting from her earliest works, she observes and recovers the everyday actions of women in Korean society. She unfolds her work on the basis of these women, their objects, and customs. Kimsooja says, “I began to practice ‘sewing’ in the early 1980s. I did so neither as a female artist nor as a woman specifically interested in sewing. I discovered the experimental artistic value of women’s domestic work, especially in Korea, where women’s and men’s work were clearly segregated until the late 1990s. Bottari is the name of an object that is typical of the female world in Korea: it is a bundle made up of a colourful blanket that wraps a brief selection of objects that are meaningful to its owner. The bottari condenses the essentials for livelihood. Throughout her career, this object has remained a leitmotif, and at the same time it has been redefined in the encounter with different cultural horizons. Her performances and videos – another mode of bottari in the sense of immaterial “wrapping” – include a variety of fabrics, bottaris and various means of transportation. Her body/needle “sews” spaces and meanings, while she travels through territories with the serene parsimony of the observer in search of an encounter with the other, moving away from the Western performative tradition. She seeks to recover “the raw energy of everyday life” in order to “establish a totally different way of performance by inverting the notion of the artist as an actor”. Thus, to this artist “not doing and not making” reveal a critical point without heroism, violent actions or aggression. Diana B. Wechsler * KIMSOOJA BUENOS AIRES is presented at BIENALSUR 2021 with the support of Ministry of Culture, Sports & Tourism of Korea, Korea Arts Management Service, and the grant program Fund for Korean Art Abroad; the Korean Cultural Centre in Buenos Aires and MECENAZGO.

artist

Kimsooja 
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posted 22. Sep 2022

Meehye Lee - I Do What You Do What They Do

16. Jul 202231. Oct 2022
Meehye Lee I Do What You Do What They Do 16. Juli 2022 bis 31. Oktober 2022 Der Einfluss Sozialer Medien auf das individuelle Leben und Verhalten ist heute enorm. Ununterbrochen vermitteln Posts und Feeds Neuigkeiten und reproduzieren dabei gleichförmige (Selbst)Darstellungen. Permanent wird um Aufmerksamkeit und Anerkennung gekämpft, und gleichzeitig wachsen der Druck, mit allen anderen Schritt zu halten, und die Angst, etwas zu verpassen. Die in Südkorea lebende Meehye Lee beschäftigt sich seit den 2010er-Jahren mit dem Einfluss Sozialer Medien auf die Kommunikations- und Konsumkultur. Sie sammelt und kategorisiert gepostete Bilder und visualisiert Verhaltensweisen, die den Social-Media-Trends folgen. Lees Arbeit führt uns vor Augen, dass bestimmte Orte vor allem deshalb beliebt sind, weil sie massenhaft auf Bildern in den einschlägigen Kanälen kursieren, und nicht so sehr wegen ihrer Einzigartigkeit oder Geschichte. Ein derart angesagter Selfie-Hintergrund wird schnell zur must-visit-site und das Selfie zum Beleg eines perfekten Lebens. Für ihre Neuproduktion National-d hat Lee in der GfZK einen in Südkorea aktuell beliebten Selfie-Hotspot nachgebaut. Sie lädt die Besucher:innen ein, in dieser künstlichen Umgebung ein Foto von sich zu machen, und gibt ihnen „10 nützliche Tipps für die coolsten Selfie-Einstellungen“. Lee thematisiert damit die Schwierigkeit, einer Gesellschaft oder Gruppe zugehören zu wollen und zugleich Individualität zu wahren. Ihr neues Werk wirft mehrere Fragen auf: Wie weit will ich gehen, um in den Social-Media-Bildern gut dazustehen? Was ist in den Inszenierungen in diesen Medien noch real? Und vor allem: Kann ich mich überhaupt von dem Wunsch befreien, das zu tun, was anscheinend alle anderen tun?

artist

Meehye Lee 

curator

Hyejin Park 
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posted 21. Sep 2022

Frank Ahlgrimm. NEXT STOP, happy end

16. Sep 202218. Nov 2022
16.09.2022 - 18.11.2022 **Frank Ahlgrimm. NEXT STOP, happy end** „Das ist also der Stand der Dinge: Wir leben in einer Epoche der Brüche und Diskrepanzen, einer Epoche, in der alles – oder fast alles – möglich ist, während man nichts – oder so gut wie nichts – in der Gewissheit, es zu durchschauen, selbstbewusst angehen kann; einem Zeitalter der Ursachen, die auf ihre Wirkungen folgen, und der Wirkungen, die mit minimalen und ständig schrumpfenden Erfolgsaussichten nach ihren Ursachen suchen; einem Zeitalter […], in dem scheinbar erprobte Mittel ihre Nützlichkeit in steigendem Tempo verlieren (oder erschöpfen), während man bei der Suche nach Ersatz für sie selten über das Entwurfsstadium hinausgelangt – und wenig mehr erreicht als bei der Suche nach den Überresten des Flugs 370 der Malaysia Airlines.“ Zygmunt Bauman beschreibt in seinem letzten Buch Retrotopia einen ungefähren Schwebezustand in dem sich die Welt zu befinden scheint. Wir suchen nach Halt, Perspektiven, Sicherheit und Antworten auf all die Fragen, die auf uns zu warten scheinen. Die Hilflosigkeit mündet in einer Sehnsucht nach politischen Modellen, die mehr Sicherheit und Wahrheiten anhand einfach verständlicher Methoden versprechen. Paradoxerweise ist die erfolgsversprechendste Maßnahme sie zu befriedigen, die Verbreitung von Lüge und Halbwahrheiten. FAKE. Auch Frank Ahlgrimm scheint uns in unsicheren Zeiten einfache Lösungen anzubieten. So verweist EXIT eventuell auf die Möglichkeit den Notausgang zu wählen. Oder verweist es vielmehr auf eine, wie auch immer geartete Katastrophe und darauf, dass es höchste Zeit für zielführende Maßnahmen ist? Sind wir dann SAFE? Umfassende Modelle zur Lösung der drängendsten globalen Probleme scheitern an regionalen Partikularinteressen oder werden durch die sich wandelnde geopolitische Lage durchkreuzt. Und so treiben wir vermeintlich unaufhaltsam, erfasst gleichsam von einem Strudel von unheilvollen Entwicklungen gemeinsam mit den zu bemitleidenden ferngesteuerten Kreaturen, wie die auf Frank Ahlgrimms großformatigen Komposition … in Richtung einer apokalyptischen Zukunft und warten vergeblich auf den NEXT STOP, happy end. Bei genauerer Betrachtung handelt es sich bei den entstellten Köpfen allerdings um Dummies, die bei der Ausbildung von Zahnmedizinern wertvolle Hilfe leisten sowie einen unterschwelligen Hinweis geben, wo das Happy End eventuell zu finden sein könnte (Text: Reinhard Hauff). Frank Ahlgrimm (*1965 in Rerik, Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland. Sein künstlerisches Werk ist in zahlreichen renommierten Sammlungen vertreten, wie der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland, der Sammlung des Ministeriums für Wissenschaft, Forschung und Kunst des Landes Baden-Württemberg, Deutschland, der Sammlung des Kulturamtes der Stadt Stuttgart, der Sammlung Peter W. und Alison Klein, Eberdingen/Nussdorf, Deutschland, sowie der Sammlung Fondazione Marino Golinelli, Bologna, Italien. Die Galerie Elisabeth & Reinhard Hauff zeigte sein Werk erstmalig 2005 in der Einzelausstellung hunting-ground und präsentiert nun 2022 seine sechste Einzelausstellung NEXT STOP, happy end. Zur Eröffnung laden wir Sie herzlich am Freitag, den 16. September 2022, von 18 bis 21 Uhr ein.
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posted 20. Sep 2022

Listening Forest. Rafael Lozano-Hemmer

31. Aug 202201. Jan 2023
AUG 31, 2022 - JAN 1, 2023 **Listening Forest. Rafael Lozano-Hemmer** Listening Forest, created by artist Rafael Lozano-Hemmer, uses light, sound, and projections to create an interactive walk through the woods. This site-specific exhibition brings together eight immersive installations, each one activated by you: your heart rate, your body, your voice, and your movements direct the forest’s response. This project brings together art and technology in a natural setting to create poetic, shared experiences and features a soundtrack composed by electronic musician Scanner (Robin Rimbaud). Add your heartbeat to an array of 3,000 lightbulbs each glimmering to the pulse of a different participant from the past. Control giant, 20-foot-tall stick figures made of light. Leave a voice recording that will join a chorus of echoes left by previous forest visitors, and much more. Scanner composed each of the exhibition’s tracks in direct collaboration with Rafael Lozano-Hemmer to create an experience that is atmospheric, dynamic, and expertly tailored to enhance the Listening Forest experience. Download the soundtrack. Rafael Lozano-Hemmer is an award-winning media artist originally from Mexico City. He creates platforms for public participation using technologies such as robotic lights, digital fountains, computer vision, artificial intelligence, and telematic networks. His work has been commissioned by events such as the Vancouver Olympics, collected by museums including MoMA, Hirshhorn, Tate, and SFMOMA, and exhibited in art biennials in Venice, Sydney, New Orleans, Shanghai, and Singapore, among others. Listening Forest will be the most significant display of his outdoor installations to date, providing a mid-career survey of his largest works.
Crystal Bridges, Bentonville

CRYSTAL BRIDGES MUSEUM OF AMERICAN ART | 600 Museum Way
AR 72712 Bentonville

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posted 19. Sep 2022

SculptX 2022

01. Sep 202216. Oct 2022
1 September to 16 October 2022 at The Melrose Gallery, Melrose Arch, Johannesburg **SculptX 2022** fifth edition The fifth edition of SculptX will open this spring offering Joburgers the unique opportunity to view the largest and most diverse collection of sculptures. This annual sculpture fair, the largest of its kind in South Africa, will, this year, present over 200 works. The materials they are fashioned from vary from bronze to wood, glass, crystal, steel and bone to stone, resin, and other media. Similarly, the modes of expression encompassed in this vast number of sculptures vary widely from figurative works, depicting the human body, the natural world, or the built environment to abstract works, where form, texture and line entertain the eye. In this way SculptX reveals the breadths and depths that this traditional art medium can offer and the abundance of artistic talent in the country that has applied itself to this three-dimensional art form. In short, SculptX is a celebration of all manner of sculptural expression. It was established by The Melrose Gallery in 2017 in association with Melrose Arch and will be on view across multiple venues from September 1 until October 16. “We wanted to create a platform to promote sculpture and sculptors to those who live, work, and play in the precinct, as well as art collectors and enthusiasts in general,” says Craig Mark, director of The Melrose Gallery. This fair was also conceived in response to the increase in bronze-casting foundries in South Africa, which has led to a growth in the production and interest in sculpture. This has translated into the establishment of outdoor sculpture parks in the country by a number of art foundations and artists primarily working in this medium. Clearly, there is a need for more platforms for sculpture. SculptX provides a space for artists at different levels in their careers. Established artists – Willie Bester, Pitika Ntuli, Andre Stead and Strijdom van der Merwe amongst numerous others – will show alongside a younger set of artists pushing the boundaries of the medium such as Mandy Johnston, Simon Zitha, and Bridget Modema as well as other emerging and mid-career artists still exploring the possibilities of sculpture. Female artists are represented strongly in the fair with works by Wilma Cruise, Elizabeth Balcomb, Ela Cronje, Rirhandzu Makhubele, and Sarah Richards among many others, dispelling the myth that sculpture is primarily the preserve of male artists. “We have put much effort into sourcing female and young artists from previously disadvantaged communities to give them the benefit of this valuable platform as they are often overlooked and underrepresented in this genre,” adds Mark. A public call-out process was used to identify works for the fair and attracted proposals from many emerging artists. Curator, Ruzy Rusike, considered more than 300 submissions before settling on the 200 works by 80 artists. This approach ensures that SculptX remains an open platform that offers up many surprises in terms of its content.
The Melrose Gallery, Johannesburg

10 The High Street, Melrose Arch
Johannesburg

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posted 18. Sep 2022

Martine Syms - She Mad Season One

02. Jul 202212. Feb 2023
Martine Syms She Mad Season One July 2, 2022–February 12, 2023 The Museum of Contemporary Art Chicago is thrilled to present Martine Syms: She Mad Season One, a solo exhibition by Los Angeles-based artist Martine Syms (b. 1988, Los Angeles, CA; lives in Los Angeles, CA). Syms is widely recognized for a multidisciplinary practice that reflects on contemporary visual culture with humor and biting social commentary. The exhibition features Syms’s five-part video series She Mad (2015–2021) and marks the US premiere of The Non-Hero, the most recent episode in the series. She Mad is a semi-autobiographical sitcom about a young Black woman trying to make it as an artist in Los Angeles. Drawing from early cinema, television shows, advertisements, and internet memes, Syms explores the ways Black experiences are constructed on television, in film, and online. The exhibition situates five video works, A Pilot for a Show About Nowhere (2015), Laughing Gas (2016), Intro to Threat Modeling (2017), Bitch Zone (2020), and The Non-Hero (2021), within an immersive sculptural installation featuring newly produced custom seating and exposed aluminum studs painted in the artist’s signature shade of purple—a reference to both the chroma key backdrops frequently used in the post-production of films and television shows and Alice Walker's 1982 novel The Color Purple. The Non-Hero (2021) takes the form of a series of brief clips modeled after rapper Lil Nas X’s popular “Life Story” videos on the social media platform TikTok. Mirroring its source material, Syms’s video blurs the lines between fact and fiction to examine the versions of ourselves we share on social media. Another highlight of the exhibition, the four-channel video Laughing Gas (2016), is based on a 1907 slapstick comedy of the same name, notable for featuring the Black silent-film actress Bertha Regustus in the lead role. In this modern restaging of the film, Syms stars as the main character who goes to the dentist, receives laughing gas, and then learns that her insurance company has denied coverage for the visit. Combining footage from security cameras, television clips, and animated GIFs, Syms puts her version of the character into dialogue with contemporary representations of Blackness in popular media. The exhibition is produced in collaboration with Bergen Kunsthall, in Bergen, Norway. The MCA’s presentation is curated by Jadine Collingwood, Assistant Curator, with Jack Schneider, Curatorial Assistant. The exhibition will be open to the public from July 2, 2022, through February 12, 2023, and is presented in the Bergman Family Gallery on the museum's second floor. Lead support is provided by the Harris Family Foundation in memory of Bette and Neison Harris, Zell Family Foundation, Cari and Michael Sacks, R.H. Defares, and Susie Karkomi and Marvin Leavitt. Major support is provided by Citi Private Bank, Anne Kaplan, Karyn and Bill Silverstein, and Charlotte Cramer Wagner and Herbert S. Wagner III of the Wagner Foundation. This exhibition is supported by the Women Artists Initiative, a philanthropic commitment to further equity across gender lines and promote the work and ideas of women artists.

artist

Martine Syms 
MCA Museum of Contemporary Art, Chicago

220 East Chicago Avenue
Chicago

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posted 17. Sep 2022

Dineo Seshee Bopape and Diana Policarpo - The Soul Expanding Ocean #3 and #4

09. Apr 202202. Oct 2022
Dineo Seshee Bopape and Diana Policarpo: The Soul Expanding Ocean #3 and #4 April 9–October 2, 2022 TBA21–Academy presents two new commissions by South African-born Dineo Seshee Bopape and Portuguese-born Diana Policarpo for the 2022 exhibition program in Venice. TBA21–Academy’s program at Ocean Space proposes a processual reading of nature’s structures and cycles in relation to art and culture to reclaim space for speculative thinking about our ecological future. In the second year of the exhibition cycle The Soul Expanding Ocean at Ocean Space, curated by Chus Martínez, Diana Policarpo and Dineo Seshee Bopape give presence to the Ocean and the stories it holds. The Soul Expanding Ocean #3: Dineo Seshee Bopape Ocean! What if no change is your desperate mission? “Sometimes, works have no tangible origin, and yet their substance emerges and becomes real long before they stand in front of you. Back then it was a magic afternoon, in the Solomon Islands, where a small group of friends was swimming, playing, filming on the shore. (...) Rain started to pour down. In an instant, the rain and the Ocean merged. With our heads underwater, we could see the drops sinking into the Ocean and the Ocean reaching out to the skies. The salty water body muffled the music evoked by the raindrops falling. We could barely keep our eyes open: drops, salt, tears, joy... This could have been a dream.” —Chus Martínez Dineo Seshee Bopape’s work begins with a journey to the Solomon Islands, and from there she moves on to plantations on the Mississippi, to Jamaica, and then back home to South Africa. Bopape’s approach merges magical inquiry, historical curiosity, traditional wisdom, a sense of/for illusions, imagination and hope in order to create an operation on the post-post-colonial agency in conversation with the Ocean (being). The imaginary hand that peacefully touched the Ocean in that moment may or may not belong to an existing body, or to the spirits that appear as abstract forms in your digital devices. This newly produced work proposes a tight embrace. True, we want to research, question, answer, solve, sustain the demands of the Ocean. But first, we might start by envisioning a life in which the Ocean is intrinsic. Dreams, songs, spirits, imaginaries are carried by water. The Soul Expanding Ocean #4: Diana Policarpo Ciguatera How do rocks know about history? How do species communicate about time? For her newly commissioned work at Ocean Space, Diana Policarpo is developing a multimedia installation, using film and audio to enhance a certain sense of presence while capturing her own research process. Taking her point of departure from a research trip to the Portuguese administered Ilhas Selvagens (Savage Islands) in the North Atlantic Ocean, Policarpo creates a case study of mapping colonial histories through tracking natural biodiversity. “Diana Policarpo engages in a very personal study of a Portuguese archipelago—the Ilhas Selvagens. Small as they are, these islands hold a symbolic and also an ecological importance. What might seem tiny and remote to humans is not so for algae, birds, fishes, and rocks that speak of the geological formation of a continent, and the currents that determine both the course of the seasons and the survival of many species. Diana Policarpo decided to bring the conversation with these islands to Ocean Space. As if to say: We may engage in a dialogue with all the territories that humans want to take from others—human and nonhuman. A conversation about the Western colonial ways of addressing genesis, the origin of beings, events, and things, as a way of gaining rights over them. The animated science of art is an arduous method that weaves together many different artistic languages, in order to erase the possibility of an ‘opposite.’ There are no opposites in nature, no opposite sex, no opposite of the real. To surpass this dualism we need new beliefs, new movements of thought capable of stopping further damage and wars to come. We are placing an intention here for you to understand and enjoy an immersion, one created to remedy the limitations of humans in retraining our habits—to combine the skills we have learned in unpredictable, fertile, positive ways.” —Chus Martínez

artists & participants

Dineo Seshee Bopape,  Diana Policarpo 

curator

Chus Martinez 
Ocean Space, Venice

Ocean Space, TBA21–Academy, Chiesa di San Lorenzo, Castello 5069
30122 Venice

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posted 16. Sep 2022

Une seconde d’éternité

22. Jun 202202. Jan 2023
22.06.2022 - 02.01.2023 **Une seconde d’éternité** Une seconde d’éternité brings together some fifteen artists whose works are able to generate a space-time. They are displayed throughout the Bourse de Commerce spaces, composing a landscape that enters into dialogue with the architecture, from the darkness of the lower level to the light of the upper galleries. This exhibition is inspired by the oeuvre of Felix Gonzalez-Torres and his work’s openness to tangible emotions, through a certain aesthetics of disappearance, and to new forms of connection and aes-thetic experiences. With works from the collection: Larry Bell, Marcel Broodthaers, Miriam Cahn, Nina Canell, Liz Deschenes, Ryan Gander, Dominique Gonzalez-Foerster, Felix Gonzalez-Torres, Roni Horn, Pierre Huyghe, Gustave le Gray, Sherrie Levine, Philippe Parreno, Anri Sala, Tino Sehgal, Rudolf Stingel, Sturtevant, Wolfgang Tillmans, Carrie Mae Weems. Curator: Emma Lavigne, Chief Executive Officer of the Pinault Collection with Caroline Bourgeois, curator to the collection, and Matthieu Humery, photography curator to the collection.
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posted 15. Sep 2022

Hana Miletić: Pieces

08. Jul 202202. Oct 2022
08.07.2022 – 02.10.2022 **Hana Miletić: Pieces** The solo exhibition of Hana Miletić, one of the internationally most acclaimed young contemporary Croatian artists, is her first major solo institutional exhibition in Croatia. After notable international presentations at both large group and solo exhibitions, such as Kunsthalle Bergen (2021) and WIELS Bruxelles (2018), MMSU will for the first time in Croatia present her new textile artworks. The exhibition Pieces brings an overview of recent works by Hana Miletić, and will present completely new productions as well as several existing works. The exhibition is conceived with the idea to develop a dialogue with the exhibition space and the context surrounding it, taking into account its past and present, original purpose and subsequent conversions. Moreover, the exhibition space will house a site specific and context specific intervention of the artist. In her practice, Hana Miletić employs various textile techniques and materials, with a focus on hand-weaving. Miletić’ background in photography informs and supports her weaving work. Her artworks point to contexts inscribed in individual and social processes of transformation. Using the process of weaving and fabric as their central material, Miletić’ soft and light structures are places of recording and inscribing various states, relationships and perspectives, such as fragility, precariousness, relationships to time, transience, absence, the emotional sphere, tactility and materiality, as well as the labours of repairing, replacing, disappearing, and reassembling materials and stories. With textile artworks such as the large carpet RAD (2019), created in collaboration with the Regeneracija factory in Zabok, or the installation Materials-Knitwear Arena, Pula (2020), Hana Miletić continues her search for producers and places of production of almost completely ruined or extinct textile industries in Croatia. During her stay at the Kamov residency in Rijeka, Hana researched the past and present of the textile industry in Rijeka, and one of her new works – a spatial installation made of tailor’s waste – was created in collaboration with Rio Biz d.o.o. Curated by: Branka Benčić Associate curator: Kora Girin The exhibition is organized in collaboration with Kunsthalle Mainz, opening in October. Hana Miletić was born in Zagreb (1982), she lives and works in Brussels. Departing from a background in documentary photography, and inspired by the long tradition of handwork in her family, Hana Miletić has developed an artistic language based primarily on the creation of handwoven textile works. She uses the weaving process to reflect on the social and cultural realities in which she lives and works. In her weaving practice, Miletić reproduces public gestures of maintenance and repair, capturing infrastructures and objects in flux, or in various states of transition. Weaving, which requires practice, time, care and attention, allows her to formulate new relationships between work, thought and the emotional sphere, as well as to counteract certain economic and social conditions at work, such as acceleration, standardisation and transparency. Selection of upcoming and recent solo exhibitions: Kunsthalle Mainz (2022), MUDAM Luxemburg (2022), Bergen Kunsthall (2021), La Loge Brussels (2021), and WIELS Brussels (2018.). Selection of upcoming and recent group exhibitions: M HKA Antwerp (2022), Manifesta 14 Prishtina (2022), MAXXI L’Aquila (2022), Triangle Astérides Marseille (2022), Muzeum Sztuki Łódź (2021), Kunsthalle Wien (2020), Metro Pictures New York (2019), S.M.A.K. Ghent (2018-2019), and Sharjah Biennial 13 (2017). Selection of recent artist residencies and prizes: Jan van Eyck Academy Maastricht (2014-2015), Thread – Josef and Anni Albers Foundation, Sinthian (2019), and Baloise Art Prize (2021).

artist

Hana Miletic 
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posted 14. Sep 2022

Keren Cytter. Bad Words

25. Jun 202225. Sep 2022
opening: 24. Jun 2022 07:00 pm
June 25–September 25, 2022 Opening: June 24, 7pm **Keren Cytter. Bad Words** The multidisciplinary works of New York-based artist Keren Cytter include films, soap operas, plays, sculptures, drawings, novels, zines, life coaching guides, and children’s books, as well as festivals. Including more than one hundred works produced between 2002 and 2022, the survey Bad Words at Ludwig Forum Aachen presents all of the artist’s versatile fields of interest combined for the first time. Their particular sequencing throughout the three exhibition floors at the Ludwig Forum follows Cytter’s ongoing interest in personal mythologies and the various stages of life, while highlighting text and language as crucial elements in her practice. The first room introduces a series of children’s books, sculptures, and animated films that describe childhood as a search for one’s own identity in proximity to and at a distance from family, friends, and strangers. This installation is followed by a series of drawings and two videos reflecting the ever-changing emotional world of young people: clichéd icons such as Che Guevara or personalities like underground filmmaker and pioneer of queer cinema Kenneth Anger illustrate possible bandwidths of youth culture and socialization. The title of the exhibition is borrowed from her film Bad Words or when you wake up and realize that you are late to your job interview with your best friend’s ex and you are not a lesbian, but the product of a patriarchal society that’s conditioned you to see women as sex objects (2021). Keren Cytter dramatizes today’s new normality dominated by social media and the Internet, characterized by a state of permanent networking, circulation and updated presence, resulting in the collapse of clear boundaries between private and public. Other stops in the exhibition include Keren Cytter’s multiple collaborations, most notably with New York-based artist John Roebas. Through their joint sculptural project Ego bodies, Cytter / Roebas playfully highlight that disturbances and fragmented bodies belong to growing up just as much as dealing with coming of age. Art Projects Era (A.P.E.), a non-profit organization and production platform, is another collaboration co-founded with curators Maaike Gouwenberg and Kathy Noble. Since its creation in 2010, A.P.E. has challenged the limitations of institutional structures through festivals with international performance artists, writers, dancers, and musicians in Amsterdam, Basel, Bologna, Bregenz, Düsseldorf, New York, Warsaw, and Zurich. In the last room, 825 Polaroid photos taken between the years 2012 and 2013 display family, friends, objects, film sets, landscapes, and manipulated portraits—a collection of images in which Cytter imitates different photographic genres and which she ironically, or affirmatively, calls MOP (Museum of Photography) (2013) to question the power of memory and the interpretive authority of institutions. Behind it, a series of blue drawings document apartments where the artist has recently spent her time (her home in Queens, and a house in Lausanne where she quarantined for ten days), still-lifes, and views from windows drawn with a ballpoint pen on small sheets of paper that she carried in an envelope and reassembled in the exhibition space. All works on view are connected by a new site-specific installation: a text that sprawls along the walls of the museum, guiding the visitor from one space to the next. Being at the same time its own long title, this text addresses the individual objects of the exhibition it accompanies, as it incorporates additional narratives. In other instances, it refers to its own physical presence as a plotted wall text, and to the presence of the visitors, who, while walking and reading the text, become in a way performers themselves. On the occasion of the exhibition, an artist book in the form of a novel will be published by Sternberg Press. Written by Mathilde Supe after she moved as a twenty-four-year-old student to New York City to be Cytter’s assistant in 2013, Keren Cytter Does Not Like to Share narrates her hardships and learning processes in this logbook of adventures (release date: September 2022.) Curated by Eva Birkenstock and Holger Otten. Festival: Cold Summer For the opening weekend, Keren Cytter has invited a number of artists, poets and musicians to participate in the festival Cold Summer, conceived as part of Cytter’s non-profit organization A.P.E. . The festival will feature readings, dance, and music performances by Dan Bodan, DECHA, Cosima Grand with Milena Keller, Adam Harrison, Karl Holmqvist, Marie-Caroline Hominal with Joseph Ravens, Ari Benjamin Meyers with Thomsen Merkel and Jan Terstegen, New Noveta x Vindicatrix, and Mathilde Supe. Keren Cytter studied visual arts at Avni Institute of Art and Design, Tel Aviv, and from 2002-2004 she was a resident artist at De Ateliers, Amsterdam. Her work was shown in solo exhibitions at internationally renowned institutions such as Winterthur Kunstmuseum (2020); Center for Contemporary Art, Tel Aviv (2019); Museion Bolzano (2019); Museum of Contemporary Art, Chicago (2015); Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen (2014); Tate Modern, London (2012) and Stedelijk Museum Amsterdam (2011), among others. She participated in numerous group exhibitions and biennials such as Museum Angewandte Kunst, Frankfurt (2017); KADIST, Paris (2017); SeMA Seoul Museum of Art (2017); Busan Biennial (2016); Museum Brandhorst, Munich (2015); Kunsthalle Wien (2015); Moscow Museum of Modern Art (2011); Solomon R. Guggenheim Museum, New York (2011); Witte de With, Rotterdam (2010); Van Abbemuseum, Eindhoven (2010); 8th Gwangju Biennale (2010), Future Generation Art Prize - PinchukArtCentre Kiev (2010); Whitney Museum, New York (2009); 53rd International Art Exhibition, La Biennale di Venezia, (2009); Yokohama Triennial (2008). Her films were screened in numerous film festivals, such as Bolzano Film Festival (2019); European Media Arts Festival, Osnabruck (2018); Bergamo Film Festival (2016); Berlin International Film Festival, Forum Expanded (2008). Cytter was awarded the Joseph Guggenheim Memorial Foundation Fellowship (2021), Absolut Art Award, Stockholm (2009), Ars Viva Prize, Kulturkeis der Deutschen Wirschaft, Berlin (2008).

artist

Keren Cytter 
Ludwig Forum, Aachen

Jülicher Straße 97-109
52070 Aachen

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