daily recommended exhibitions

posted 04. Oct 2023

Hélio Oiticica

23. Sep 202314. Jan 2024
23.09.2023 - 14.01.2024 **Hélio Oiticica** Hélio Oiticica (1937–1980) is widely regarded as one of Brazil’s leading artists of the twentieth century and a touchstone for much contemporary art made since the 1960s, primarily through his freewheeling, participatory works of art, performative environments, avant-garde films and abstract paintings. Increasingly throughout this career, Oiticica became a countercultural figure within various underground artistic circles, foregrounding bodily interaction with spatial and environmental concerns over pure aesthetics. This landmark exhibition across both of DLWP’s galleries will be the first presentation of Oiticica’s work in a UK public institution in over 15 years. In our current climate, we are faced with a series of impending crises: those of our bodies, our ecologies and the systems that govern them. Within this context, the relevance and radicality of Oiticica’s ideas could not be more evident. His visionary perspective opens new avenues for individuals to collectively reclaim subjectivity from its relentless exploitation through capitalism and consumerism. Drawing upon Oiticica’s notion of “crelazer” (creative leisure) as a guiding framework, as well as the ways in which queerness manifests through his expansive practice, this exhibition will explore the artist’s fusion of art and life through film, photography, sculpture, immersive environments, and archival material.

artist

Helio Oiticica 
De La Warr Pavilion, Bexhill on Sea

De La Warr Pavilion, Marina
TN40 1DP Bexhill on Sea

United Kingdom of Great Britain and Northern Ireland
https://www.dlwp.com+44 1424 229111
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posted 03. Oct 2023

Zoe Leonard - Al río / To the River

11. Aug 202305. Nov 2023
Zoe Leonard Al río / To the River August 11–November 5, 2023 Zoe Leonard’s Al río / To the River opens this weekend at the Museum of Contemporary Art Australia (MCA Australia), the first major exhibition of the internationally renowned artist’s work in the Southern Hemisphere. Over a period of five years, beginning in 2016, Zoe Leonard (b. 1961, Liberty, US) photographed along the 2,000 km stretch where the Rio Grande/Río Bravo is used to demarcate the international boundary between Mexico and the United States, following the river from the border cities of Ciudad Juárez, Mexico, and El Paso, Texas, to the Gulf of Mexico. Epic in scale, Al río / To the River results from close observation of both the natural and built environments shaped by and surrounding the river; from desert and mountains to cities, towns and small villages where daily life unfolds in tandem with agriculture, commerce, industry, policing, and surveillance. While the exhibition is anchored to the geographic, social, economic and political realities of this extended region of the Americas, Leonard’s visual meditation on the river resonates with the urgent subjects of borders and migration around the world. Al río / To the River engages with conversations happening in Australia and elsewhere about the impact of human industry and commerce on the natural world, climate change and colonialism on First Nations communities. The exhibition is curated by Suzanne Cotter, Director of the Museum of Contemporary Art Australia and MCA Australia Curator Megan Robson. Designer Marcos Corrales Lantero, a long-time collaborator of the artist, was commissioned to create the exhibition design. Al río / To the River draws our attention to the impossibility of binary thinking in a world defined by complexity and in need of empathy.

artist

Zoe Leonard 

curators

Suzanne Cotter,  Megan Robson 
Museum of Contemporary Art Australia Sydney

MCA NORTH, The Rocks, 140 George Street
Sydney

Australia
https://www.mca.com.au/
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posted 02. Oct 2023

GEORG HEROLD

01. Sep 202317. Nov 2023
GEORG HEROLD 1 Sep – 17 Nov 2023 OPENING: The exhibition is open from Friday, 1 September 2023, 6 pm Galerie Thomas Zander is pleased to present for the first time a solo exhibition of the influential contemporary German artist Georg Herold (b. 1947), comprising an overarching, multimedia show of works on both floors of the gallery. Featuring both historical works and works created especially for this exhibition, the presentation is conceived by Georg Herold himself as an expansive in situ presentation.  Over the past decades, Georg Herold has created a complex and multifaceted oeuvre that includes painting, sculpture, photographic works, installation, objects, as well as texts and video works. In doing so, the artist uses such unorthodox materials as roof battens, caviar grains, bricks, strings, buttons, nails, and other everyday objects. In an often ironically fractured manner, his works confront social, political, ideological, and even art-historical conventions and ways of thinking, yet resist being pinned down to a particular interpretation.  Historical works include Herold's signature caviar paintings, in which countless grains of caviar are spread across a large-scale canvas, each grain meticulously numbered. In addition to other photographic and spatial works, a larger-than-life figure cast in bronze by Herold especially for the exhibition will be presented in the gallery space and integrated into the overall concept of the exhibition by the artist. Extended opening hours for DC open weekend: Friday, Sep. 1, 6-9 pm Saturday, Sep. 2, 1-7 pm Sunday, Sep. 3, 1-5 pm

artist

Georg Herold 
Thomas Zander, Köln

Schönhauser Straße 8
50968 Cologne

Germany
http://www.galeriezander.com49.221.934.88.56
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posted 01. Oct 2023

Edvard Munch - Zauber des Nordens

15. Sep 202322. Jan 2024
Edvard Munch Zauber des Nordens 15.9.23 – 22.1.24 Edvard Munchs (1863–1944) radikale Modernität der Malerei forderte die Zeitgenoss\*innen heraus. Das gilt insbesondere für die Berliner Kunstszene um die Jahrhundertwende, auf die der norwegische Symbolist großen Einfluss nahm. Die Ausstellung „Zauber des Nordens“ ist eine Kooperation mit dem MUNCH in Oslo. Sie erzählt anhand von Malerei, Grafik und Fotografie die Geschichte von Edvard Munch und Berlin. Wie ein Fieber hatte die Begeisterung für alles Nordische die Reichshauptstadt erfasst. Selbst der konservative „Verein Berliner Künstler“ ließ sich mitreißen und lud 1892 den noch unbekannten, jungen Maler zu einer Einzelausstellung ein. Viele Mitglieder, aber auch das Publikum waren geschockt von den farbgewaltigen Bildern, die als roh und skizzenhaft empfunden wurden. Als Folge musste die Ausstellung kurz nach der Eröffnung schließen. Munchs Werke polarisierten. Zugleich genoss der Künstler das unerwartete öffentliche Aufsehen. Er zog umgehend an die Spree, wo er von 1892 bis 1908 immer wieder über längere Zeiträume lebte und arbeitete, bevor er sich ab 1909 fest in Norwegen niederließ. Die „Affäre Munch“, wie die Presse den Vorfall ironisierte, gilt als Beginn der Moderne in Berlin. Mit rund 60 Ausstellungen, darunter vielen Einzelpräsentationen, blieb Berlin für Munch von 1892 bis 1933 einer der wichtigsten Ausstellungsorte in Europa. Hier fand er Künstler\*innen, Galerist*innen, progressive Intellektuelle und Sammler*innen, die sein Werk förderten. Hier brachte er sich in enger Zusammenarbeit mit führenden Berliner Druckereien druckgrafische Techniken bei. Hier präsentierte er seine Gemälde erstmals als zusammenhängende Bildserie. Diese für sein Werk zentrale Idee entwickelte er 1902 in einer Ausstellung der Berliner Secession zum sogenannten Lebensfries weiter. Bis zu seinem Tod sollte ihn dieses Projekt beschäftigen. In Berlin bedeutete die Begegnung mit Munchs Werken nicht nur eine Initialzündung für die Moderne. Auch die bis dahin gängige Vorstellung vom „Zauber des Nordens“ (Stefan Zweig) erfuhr einen Wandel. Statt mit romantischen oder naturalistischen Fjordlandschaften verband man damit nun Munchs psychisch verdichtete Bildwelten. Unter der nationalsozialistischen Diktatur ab 1933 wurde der Maler zunächst von der Kulturpolitik ideologisch als „großer nordischer Künstler“ vereinnahmt, aber auch schon früh als Beispiel für „Entartung“ verfemt. Die Ausstellung umfasst rund 80 Werke von Edvard Munch, ergänzt durch Werke anderer Künstler\*innen, die Ende des 19. Jahrhunderts in Berlin die Vorstellung vom Norden sowie die moderne Kunstszene an der Spree geprägt haben, darunter Walter Leistikow oder Akseli Gallen-Kallela.

artist

Edvard Munch 
Berlinische Galerie, Berlin

BERLINISCHE GALERIE | Alte Jakobstraße 124-128
10969 Berlin

Germany
http://www.berlinischegalerie.de
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posted 30. Sep 2023

Göteborg International Biennial for Contemporary Art 2023

16. Sep 202319. Nov 2023
September 16–November 19, 2023 **Göteborg International Biennial for Contemporary Art 2023** The opening program includes performances by Adam Christensen, Joana da Conceição, Niko Hallikainen, Agnė Jokšė, Ania Nowak and Dragana Bar by Kem. Artists: Sophia Al-Maria, Adam Christensen, Joana da Conceição, Niko Hallikainen, Rodrigo Hernández, Maria Jerez, Agnė Jokšė, Kem, Tarik Kiswanson, Yarema Malaschuk & Roman Khimei, Esse McChesney, Sandra Mujinga, Rasmus Myrup, Ania Nowak, Outi Pieski, Luiz Roque, Prem Sahib, P. Staff, Iris Touliatou, Ana Vaz, Osías Yanov, Yong Xiang Li, and others. Venues: Gothenburg City Library, Göteborgs Konsthall, Hammarkullen Konsthall, Röda Sten Konsthall * Göteborg International Biennial for Contemporary Art (GIBCA) is delighted to announce the appointment of João Laia as curator of the 12th edition of the project, taking place at art centers and collaborative venues throughout the city of Gothenburg, from September 16–November 19, 2023. Throughout its editions between 2015 and 2021, the Gothenburg-based biennial invited curatorial proposals engaging with the potential of art to contribute to historical narration, to reflect on the formalization of European values and the stories of nation-states and has highlighted artistic responses to different present crises. The coming edition of the project will celebrate plural narratives for the now and tomorrow, and we look forward to collaborating with João Laia to bring his curatorial research closer to Gothenburg and its coordinates. (Ioana Leca, Artistic Director GIBCA) Regarding his appointment and the curatorial proposal for GIBCA 2023, Laia writes: “I am thrilled to curate the 12th edition of the Gothenburg Biennial. It is an honour to contribute to the biennial's narrative which has recently highlighted silenced transnational perspectives, addressed monolithic conceptions of society and analysed the current echoes of Gothenburg’s participation in the global circuit of slaved trading. As part of the Biennial’s team, I look forward to presenting an event which examines the now, aiming at queering hegemonic understandings of the social and disseminating alternative narratives to celebrate our collective ability to imagine and rehearse worlds to come.” Without an Other the category of possibility disappears; the world collapses, reduced to the pure surface of the immediate. (Eduardo Viveiros de Castro, The Relative Native: Essays on Indigenous Conceptual Worlds, 2015). An initial curatorial outline of the project will be publicly presented in Gothenburg on November 2, 2022. João Laia is the Chief Curator for exhibitions at Kiasma – Museum of Contemporary Art, Helsinki. He has a background in social sciences, film theory and contemporary art. Past projects were developed in collaboration with Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin; Galeria Municipal do Porto; La Casa Encendida, Madrid; MAAT – Museum for Art, Architecture and Technology, Lisbon; Moscow Young Art Biennial, MMOMA; Whitechapel Gallery, London; Videobrasil / SESC Pompeia, São Paulo. He edited Living Encounters (Kiasma/Mousse, 2022) and A Multiple Community (SESC, 2018) and has been published in magazines such as Art Monthly, Flash Art, frieze, Mousse, Spike and Terremoto. Together with Valentinas Klimašauskas, Laia curated the 14th Baltic Triennial (2021) titled The Endless Frontier at the CAC – Contemporary Art Centre, Vilnius. About GIBCA Organizer: Röda Sten Konsthall Director: Mia Christersdotter Norman Artistic Director: Ioana Leca Curator GIBCA 2023: João Laia The Göteborg International Biennial for Contemporary Art (GIBCA) was founded in 2001. As a platform for the presentation of international contemporary art, the biennial aims to be an important junction between local, national, and international discourse. It seeks to engage in a series of explorations that deal with the complexity of our contemporary world and to present a diversity of artistic positions. With context specificity at the core of the project, each biennial consists of several exhibitions and programme hosted by established art institutions in Gothenburg, by independent initiatives and the physical and digital public realm. Curators of previous editions (2021–2001): Lisa Rosendahl; Nav Haq; Elvira Dyangani Ose; Katerina Gregos, Claire Tancons, Joanna Warsza and Ragnar Kjartansson in collaboration with Andjeas Ejiksson; Sarat Maharaj with co-curators Gertrud Sandqvist, Dorothee Albrecht, and Stina Edblom; Celia Prado and Johan Pousette; Edi Muka and Joa Ljungberg; Sara Arrhenius; Carl Michael von Hausswolff; Ewa Brodin, Britt Ignell, and Lasse Lindqvist. Main project funders: City of Gothenburg, Region of West Sweden, The Swedish Arts Council

artists & participants

Sophia Al-Maria,  Adam Christensen,  Adam Christensen,  Joana da Conceicao,  Niko Hallikainen,  Rodrigo Hernandez,  Maria Jerez,  Agne Jokse,  Kem ,  Roman Khimei 

curator

Joao Laia 
Göteborg International Biennial for Contemporary Art (GIBCA)

Röda Sten Konsthall | Röda sten 1
SE-414 51 Göteborg

Sweden
https://www.gibca.se/en/+ 46 31-61 29 80
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posted 29. Sep 2023

Coco Fusco. Tomorrow, I Will Become an Island

14. Sep 202307. Jan 2024
14. September 23 – 7. Januar 24 Coco Fusco Tomorrow, I Will Become an Island Tomorrow, I Will Become an Island ist die erste große Retrospektive der kubanisch-amerikanischen Künstlerin Coco Fusco (* 1960, USA). Seit mehr als drei Jahrzehnten beteiligt sie sich als maßgebliche Stimme an den Diskursen über die Darstellung von race, Feminismus, postkoloniale Theorie und Institutionskritik. Die Ausstellung zeichnet den tiefgreifenden Einfluss nach, den Fuscos Werk auf die zeitgenössischen Kunstdiskurse in den Amerikas und Europa hat. Dazu zeigt sie eine umfassende Auswahl von Videos, Fotografien, Texten, Installationen und Live-Performances der Künstlerin aus den 1990er-Jahren bis heute. In ihrer multidisziplinären künstlerischen Arbeit untersucht Fusco, wie interkulturelle Dynamiken die Konstruktion des Selbst und Vorstellungen von kultureller otherness beeinflussen. In ihren Arbeiten greift sie sowohl multikulturelle und postkoloniale Diskurse als auch feministische und psychoanalytische Theorien auf. Aus ihrer Untersuchung interkultureller Dynamiken sind künstlerische Projekte über ethnografische Ausstellungen, Tierpsychologie, Sextourismus in der Karibik, Arbeitsbedingungen in Freihandelszonen, unterdrückte koloniale Dokumente über Indigene Kämpfe und militärische Verhörmethoden im Krieg gegen den Terror entstanden. In ihren neueren Arbeiten beschäftigt sie sich mit der Beziehung zwischen Poesie und revolutionärer Politik in Kuba. Die Struktur der Ausstellung orientiert sich in etwa an diesen verschiedenen miteinander verbundenen Themen. Insofern zeigt Tomorrow, I Will Become an Island die Bandbreite von Fuscos künstlerischer Arbeit, die angesichts der derzeit nicht nur in Deutschland geführten politischen und kulturellen Debatten von großer Bedeutung ist. Parallel zur Ausstellung widmen sich die KW mit einem vielfältigen Begleitprogramm Fuscos komplexer und multidisziplinärer Tätigkeit als Autorin, Aktivistin und Performerin. Neben einer Reihe von Gesprächen, die teilweise gemeinsam mit dem ICI Berlin organisiert werden, findet Anfang Dezember 2023 in Zusammenarbeit mit den Sophiensælen eine Aufführung von Fuscos neuer multimedialer Performance Antigone Is Not Available Right Now statt, die im Auftrag der KW entstanden ist. Zeitgleich zu der Ausstellung in den KW erscheint im Verlag Thames & Hudson eine umfangreiche, gleichnamige Monografie zu Fuscos Werk mit Beiträgen von Julia Bryan-Wilson, Anna Gritz, Jill Lane, Antonio José Ponte und der Künstlerin selbst. Co-Kurator*innen: Anna Gritz, Léon Kruijswijk Assistenzkuratorin: Linda Franken

artist

Coco Fusco 

curators

Linda Franken,  Anna Gritz,  Leon Kruijswijk 
KW Institute for Contemporary Art, Berlin

Auguststraße 69
10117 Berlin

Germany
http://www.kw-berlin.de/0049 (0)30.24 34 59-0
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posted 28. Sep 2023

Sarah Lucas. Happy Gas

28. Sep 202314. Jan 2024
Sarah Lucas. Happy Gas 28 September 2023 – 14 January 2024 A British artist's brash and tender exploration of what makes us human Sarah Lucas is internationally celebrated for her bold and provocative use of materials and imagery. Using ordinary objects in unexpected ways, she has consistently challenged our understanding of sex, class and gender over the last four decades. This exhibition presents her practice in all its diversity across sculpture, installation and photography, narrated in her voice, and looking well beyond the 1990s Young British Art world. Breaking boundaries with humour and daring, Lucas shows us the whole spectrum of what it means to be human.

artist

Sarah Lucas 
Tate Britain, London

TATE BRITAIN | Millbank
SW1P 4RG London

United Kingdom of Great Britain and Northern Ireland
http://www.tate.org.uk/
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posted 27. Sep 2023

LOIS WEINBERGER: „Relatives“

22. Sep 202326. Nov 2023
22.09.2023 - 26.11.2023 LOIS WEINBERGER: „Relatives“ Lois Weinberger (* 1947 in Stams, Tirol, † 2020 Wien) gilt als Vordenker und Pionier einer künstlerischen Praxis und Ökologie, die Pflanzen und lebendige Prozesse beinhaltet und sichtbar macht. Das Kunsthaus Dresden eröffnet gemeinsam mit Franziska Weinberger am 21. September 2023 mit der Ausstellung „Relatives“ die erste Retrospektive nach seinem Tod zum Werk des österreichischen Künstlers in Deutschland. Wildpflanzen, die ein stillgelegtes Bahngleis besiedeln, aufgebrochener Asphalt mitten im Stadtraum und Werke, die aus gefundenem, oftmals vergänglichem Material und seltsam archaisch anmutenden Gegenständen bestehen: Lois Weinberger ist Wegbereiter und Pionier einer zeitgenössischen Kunst, die unser Verhältnis zur Natur einer kritischen Befragung unterzieht: Was ist ein Garten? Wie erkennen wir uns selbst in den natürlichen Kreisläufen des Wachsens und Vergehens wieder? Die Ausstellung „Relatives“ ist dem Werk des österreichischen Künstlers Lois Weinberger gewidmet, dessen künstlerisches Schaffen und Verständnis von Natur und Umwelt die zeitgenössische Kunst nachhaltig beeinflusst hat und mit Blick auf Klima- und Umweltfragen unserer Zeit kaum aktueller sein könnte. „Relatives“ greift Weinbergers tiefes Verständnis von Verwandtschaft innerhalb ökologischer Systeme auf: In seinen künstlerischen Werken werden menschgemachte Kategorien wie etwa „Unkraut“, „Ungeziefer“, „Abfall“ und „Zerfall“ in Frage gestellt und aufgelöst, zugunsten einer umfassenden Sicht auf mikrobiologische Prozesse und Überlebensstrategien des Nomadischen im Pflanzenreich. Zwischen ‚ironischem Schamanismus‘ und einer poetischen Ästhetik der Strenge verhandeln seine Werke und Projekte im öffentlichen Raum die Grenzen von Natur und Kultur neu und machen unsere Überlegenheit über die Umwelt als Illusion erfahrbar. Ausgehend von einem Archiv, das der Künstler gemeinsam mit seiner Partnerin Franziska Weinberger angelegt hat, und das in Dresden erstmals in Gänze gezeigt wird, gewährt die Ausstellung „Relatives“ wesentliche Einblicke in das künstlerische Werk von Lois Weinberger. In Zusammenarbeit mit Franziska Weinberger kuratiert von Christiane Mennicke-Schwarz, Kunsthaus Dresden, und Vincent Schier. * Lois Weinberger (* 1947 in Stams, Tirol, † 2020 Wien) gilt als Vordenker und Pionier einer künstlerischen Praxis und Ökologie, die Pflanzen und lebendige Prozesse beinhaltet und sichtbar macht. Seine Werke wurden im Österreichischen Pavillon zur Venedig Biennale 2009 sowie mehrfach auf der documenta in Kassel und in internationalen Ausstellungen weltweit ausgestellt und sind in zahlreichen Museumssammlungen vertreten. Mit seiner Partnerin, der Kunsthistorikerin Franziska Weinberger, mit der ihn eine intensive künstlerische Zusammenarbeit verband, lebte er bis zum April 2020 in Wien und in Gars am Kamp (AU).

artist

Lois Weinberger 
Kunsthaus Dresden

Rähnitzgasse 8
01097 Dresden

Germany
http://www.kunst-haus-dresden.de+49-(0)351-804 14 56
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posted 26. Sep 2023

steirischerherbst’23: Humans and Demons Adrienn Hód / HODWORKS Voice of Power (2023)

21. Sep 202315. Oct 2023
21.09.2023 - 15.10.2023 **steirischerherbst’23** **Humans and Demons Adrienn Hód / HODWORKS Voice of Power (2023)** Performance Foto: Dániel Dömölky In ihrem neuen Stück für den steirischen herbst erkundet die Choreografin Adrienn Hód, wie die heutzutage wieder erstarkten Regeln, Moralvorstellungen und sozialen Normen unsere körperliche Realität beeinflussen. Der experimentelle Kirchensänger Zoltán Mizsei verkörpert eine Stimme der Macht, die über eine Gruppe von Performer:innen herrscht. In einer choreografischen Sprache voller schwarzem Humor spiegelt Hód kompromisslos eine Gesellschaft wider, die sich durch ihren unabwendbaren Gehorsam gegenüber Autoritätsfiguren zunehmend von sich selbst entfremdet. Adrienn Hód (1975, Debrecen, Ungarn) ist eine Choreografin, die auf zeitgenössischen Tanz und experimentelle Bewegung spezialisiert ist. Sie widmet sich der Suche nach neuen Tanzformen und stellt spielerisch und oft provokant den sich bewegenden menschlichen Körper – von Tabus und Vorurteilen befreit – in den Mittelpunkt. Hód und ihre Kompanie HODWORKS sind regelmäßig auf internationalen Festivals wie Aerowaves, Dublin, Biennale Teatro, Venedig, Internationale Tanzmesse, Düsseldorf, Tanzkongress, Berlin, und Tanzplattform Deutschland zu Gast. Sie lebt in Wien und Budapest.

artist

Adrienn Hod 
steirischer herbst '

Kontakt: Sackstraße 17
A-8010 Graz

Austria
http://www.steirischerherbst.at+43 316 823 007
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posted 25. Sep 2023

Sue Williams

01. Sep 202328. Oct 2023
Galerie Eva Presenhuber, Waldmannstrasse, Zurich September 1 – October 28, 2023 Opening: Friday 1 September 2023 Sue Williams Sue Williams was born 1954 in Chicago Heights, IL, US, and lives in Brooklyn, New York, US. Her work is represented in major museums and private collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York, NY; Whitney Museum of American Art, New York, NY; Hirschhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., US; Sammlung Goetz, Munich, DE. Major Museum group shows include Momentum, Voorlinden Museum and Gardens, Wassenaar, NL (2020); MANIFESTA 12, Palermo, IT (2018); Animal Farm, The Brant Foundation Art Study Center, Greenwich, CT (2017); Don’t Look Back: The 1990s at MOCA, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, (2016); Painting 2.0, Museum Brandhorst, Munich, DE (2015-16); America is Hard to See, Whitney Museum of American Art, New York, NY (2015); Take it or leave it, Hammer Museum, Los Angeles (2014); Figuring Color, The Institute of Contemporary Art, Boston, MA (2012); and Keeping it Real, Whitechapel Gallery, London, UK (2010).

artist

Sue Williams 
Eva Presenhuber, Zürich

Zahnradstrasse 21
CH 8005 Zurich

Switzerland
https://www.presenhuber.com/+41 (0) 43 444 70 50
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posted 24. Sep 2023

LAWRENCE WEINER: UNDER THE SUN

31. Aug 202328. Jan 2024
31.08.2023 - 28.01.2024 LAWRENCE WEINER: UNDER THE SUN Organized by Amorepacific Museum of Art (APMA) The Amorepacific Museum of Art presents LAWRENCE WEINER: UNDER THE SUN, a solo museum survey of the remarkable American artist Lawrence Weiner. Weiner was born in New York City in 1942, where he lived and worked throughout his life until his passing in 2021. He is considered a founding figure of the Conceptual art movement, which emerged in the 1960s amid the postwar art movements in Europe and the United States. Weiner considered his work sculpture with variable dimensions. He tacitly outlined the material potentialities of language—his primary material—describing his work as, ‘language + the materials referred to’. The breadth of his artistic practice is evidenced by his numerous artist’s books, edition works, music, films and videos. This exhibition is both Weiner’s inaugural solo presentation in South Korea as well as the artist’s first comprehensive show within an institutional context since his death. The exhibition introduces a wide array of Weiner’s works. Besides installations on the walls and floors of the museum, it includes editions, drawings, posters, cartoons and videos that collectively illustrate his extensive artistic practice. The language of Lawrence Weiner is not confined to any specific context nor to a prescribed meaning or presentation. It remains open to personal and collective interpretations that operate within and sensitively respond to the specificities of the culture in which his works are located at any given time. Under the themes of “Subject-Object’, ‘Process’ and ‘Simultaneous Realities’, this exhibition attempts to create a space for new visual dialogues that transcend historical time and cultural space by bringing together Weiner’s art with select pieces from our Korean art collection. Weiner’s language functions both as the point of entry and departure to engage with these works. Befittingly with this context, 7 works have been translated into Korean and have been collectively installed with their English original language. Amorepacific Museum of Art sincerely hopes that his words, when presented in this context, provide an occasion where our attitudes towards history, culture and the world can be challenged and expanded.

artist

Lawrence Weiner 
Amore Pacific Museum of Art, Seoul

100 Hangang-daero, Yongsan-gu, Amorepacific Corporation headquarters building
04386 Seoul

Korea (Republic of)
https://apma.amorepacific.com/index.do+82 2 6040 2345
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posted 23. Sep 2023

Katja Davar. Bobbin Tales From Landscape Blues

09. Sep 202328. Oct 2023
09.09.2023 - 28.10.2023 Ausstellungseröffnung 08/09/2023, 17-21 Uhr Katja Davar Bobbin Tales From Landscape Blues Alte Muster lassen sich nur schwer durchbrechen, heißt es. Doch was passiert, wenn Brüche gar nicht das Ziel sind, sondern eine Hinterfragung dessen, woraus Muster gemacht sind, wozu sie gut sind und das Studium ihrer Beschaffenheit als Schritt in die Zukunft? In Bobbin Tales From Landscape Blues, der ersten Einzelausstellung von Katja Davar bei Bernhard Knaus Fine Art, zeigt die Künstlerin neue großformatige Zeichnungen und Wandgemälde. Katja Davar schafft im Spiel mit immersiven Räumen Welten, die gesellschaftliche Prozesse, naturwissenschaftliche Erkenntnisse und kunsthistorische Referenzen miteinander vereinen. Die Arbeiten der britisch-deutschen Künstlerin wirken wie eine gespiegelte Form unserer Realität, sie greifen Bekanntes auf und lösen sich wiederum in unerwarteten Momenten davon. Die Referenzpunkte dieser Ausstellung lassen sich vorrangig im 16. und im 17. Jahrhundert finden. Katja Davar beschäftigt sich in ihren neuesten zeichnerischen Arbeiten mit der Formensprache sowie mit den Farben der flämischen Landschafts-malerei während dieser Zeit. Eine weitere Verbindung zur Renaissance bilden die Wände der Ausstellungsräume durchziehende Grafitmuster in Anknüpfung an eines der ältesten europäischen Spitzenmusterbücher, Le Pompe, das erstmals 1559 in Venedig erschien. Katja Davar (*1968 in London) widmet sich in Videos, Zeichnungen und Animationen dem Verhältnis zwischen Menschen, Natur und neuen Technologien. Ihre facettenreiche Motivik handelt von utopischen wie dystopischen Aspekten antiker und moderner Lebenswelten. Katja Davars Arbeiten waren seit ihrem Studium in London, Düsseldorf und Köln in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen und sind Teil internationaler Kunstsammlungen, unter anderen der Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland und der Sammlung der Europäischen Zentralbank in Frankfurt am Main. Die Künstlerin lehrt seit 2012 als Professorin für Experimentelle Zeichnung an der Hochschule Mainz.

artist

Katja Davar 
BERNHARD KNAUS FINE ART Frankfurt

Niddastrasse 84
60329 Frankfurt

Germany
https://www.bernhardknaus.com/+49 (0)69 244 507 68
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posted 22. Sep 2023

Tuấn Andrew Nguyễn. The Boat People

02. Sep 202329. Oct 2023
September 2 – October 29, 2023 Opening: September 2, 11am–3pm Pulvertum, Oldenburg, Schloßwall Tuấn Andrew Nguyễn The Boat People The Edith-Russ-Haus is pleased to present the video installation titled The Boat People by Tuấn Andrew Nguyễn in the Pulverturm (Powder Tower), which belongs to the former castle wall of Oldenburg and is the only remaining building of the fortifications of the city. Its history goes back to 1529, when Count Anton I (1505–1573) renewed the city’s military facilities. Since 1996, the Pulverturm has been used for cultural purposes during the summer months. Set in an unspecified future at the precarious edge of humanity’s possible extinction, The Boat People follows a group of children led by a strong-willed and resourceful little girl, who travel the seas and collect the stories of a world they never knew through objects that survived through time. Calling themselves The Boat People, the group finds objects amongst the ruins of human civilization, spread through the seas. They replicate objects that resonate with them in wood as a way to try and piece together a history they are trying to understand. They then burn the carvings for reasons that have long been forgotten. The Boat People arrive in a place formerly known as Bataan and come into contact with the rich layers of intermingled histories and eras embedded in the coast. They encounter objects from a refugee crisis, a world war, and some of the earliest migrations in human history. The little girl encounters a mysterious statue head buried in the sand. They engage in a dialogue that not only explores concepts of a future and a past world through an existential lens, but also gives us a look into the reasons behind this group’s mysterious ritual of burning their beautifully hand-carved replicas. The Boat People was produced in collaboration with Bellas Artes Projects in Bataan, Philippines. The production team was composed of cinematographer Andrew Yuyi Truong, research assistant Jane Pujols, 1st Camera Assistant Rhon Bacal, and the Bellas Artes Team. Nguyễn cast five children from the local fishing village in Bagac, Bataan as the main characters of the film. Making their film debut are Gryshyll Reyes Ilarina as Riana, Michael Mendoza Soronio, John Carlos Cruz Moris, Jescee Dheivid Taba Recinte, and Benedict Recinte Revelo. The film was shot in the different areas of Las Casas Filipinas de Acuzar, Mt. Samat, the Nuclear Powerplant Village, and the Phillippine Refugee Processing Center. Tuấn Andrew Nguyễn’s practice explores the power of memory and its potential to act as a form of political resistance. His practice is fuelled by research and a commitment to communities that have faced traumas caused by colonialism, war, and displacement. Through his continuous attempts to engage with vanishing or vanquished historical memory, Nguyễn investigates the erasures that the colonial project has brought to bear on certain parts of the world. Through collaborative endeavors with various communities throughout the world, Nguyễn sets out to cultivate and empower these strategies enacted and embodied by his collaborators. Through this collaborative practice, he explores memory as a form of resistance and empowerment, emphasizing the power of storytelling as a means for healing, empathy and solidarity. Nguyễn, based primarily in Saigon, works between various mediums but devotes much of his attention towards producing moving-image works and sculpture. Nguyễn’s intrigued with the relationship between narrative and objects leads him to make projects that combine moving image and sculpture - oftentimes many of his films begin with an object, such as destroyed memorials built by former refugees, or the skeletal remains of the last rhino in Vietnam for instance, and its story. Approaching memory as a phenomenon that is intangible and abstract, Nguyễn often thinks beyond the restrictions of time (past, present, future) which also gives way to thinking about supernaturalisms (ghosts, specters, hauntings) as political tools.

artist

Tuan Andrew Nguyen 
Edith-Ruß-Haus für Medienkunst, Oldenburg

Katharinenstraße 23
26121 Oldenburg

Germany
http://www.edith-russ-haus.de(0441) 235-32 08
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posted 21. Sep 2023

THIERRY DE CORDIER II ​Passe-montagne

08. Sep 202314. Oct 2023
​8 September — 14 October 2023 THIERRY DE CORDIER II ​Passe-montagne Xavier Hufkens is honoured to present a new exhibition of works by Thierry De Cordier spanning the period from 1983 to today — none of which have previously been exhibited. The exhibition, nonetheless, is not intended to be a retrospective. De Cordier might best be described as a non-academic thinker who makes things. His oeuvre includes, but is not limited to, photographs, drawings, placards, paintings, sculptures, assemblages and bricolage. These ‘objects’ and ‘non-objects’, as he calls them, can be viewed as representations of his thinking. They visualize his ideas and, as such, are illustrative of them. Simply put, his oeuvre is a philosophy expressed in images. De Cordier’s worldview leans heavily towards Albert Camus’ concept of Absurdism, which describes the futility of searching for significance in an incomprehensible universe, devoid of either God or meaning. In other words, people merely exist. Or, as De Cordier says: ‘Inutile, l’homme est là à être là inutilement...’ [Useless, man is there just being there uselessly...]. Thierry De Cordier (b. 1954, Ronse, Belgium) currently lives and works in Ostend, Belgium. A large room dedicated to his work was included in the exhibition The Encyclopaedic Palace at the Venice Biennale (2013). Solo exhibitions include Iconotextures at Royal Museums of Fine Arts of Belgium, Brussels (2016); Landschappen at BOZAR, Brussels (2012); and Drawings at the Centre Pompidou, Paris (2004-2005). He represented Belgium at the Venice Biennale in 1997.

artist

Thierry de Cordier 
Xavier Hufkens, Brussels

Rue Saint-Georges 6
1050 Brussels

Belgium
https://www.xavierhufkens.com/+32 (0)2 639 67 30
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posted 20. Sep 2023

Melike Kara. Emine's Garden

08. Jul 202324. Sep 2023
Melike Kara. Emine's Garden July 8 – September 24, 2023 Melike Kara (*1985, lives and works in Cologne) develops her painterly work alongside the writing of poetry and the production of sculptures, videos and other media. The experimental use of surfaces is a characteristic of her paintings, which are treated with thick oil pastels, for example, or the use of foreign materials such as textiles. In her first institutional solo exhibition in Switzerland, Kara continues her exploration of Kurdish traditions and questions of historicisation, tradition and community. She will realise site-specific works in a large-scale installation that will transform the spaces of the Kunst Halle Sankt Gallen into her own visual archive. Distinctive for the painting of Melike Kara is the experimental approach to surfaces, which are treated, for example, with thick oil pastels or the use of foreign materials such as textiles. The work of the artist draws from the writing of poems as well as sculptures, videos and other media, always in search of a multilayeredness on a formal as well as conceptual level. In «Emine’s Garden» – a reference to her grandmothers garden– Kara continues her exploration of Kurdish traditions and questions of historicization and community. Here, photographic images, canvases, and ornamental plaster reliefs are combined to create an expansive installation that transforms the rooms of the Kunst Halle into a proliferating visual archive. Melike Kara, Emine's Garden, 2023, Kunst Halle Sankt Gallen, St. Gallen, installation view Kara's work has been exhibited internationally including the Kunst Halle Sankt Gallen; the Kunsthalle Zürich; the Kunstverein Düsseldorf; the Museum De Fundatie, Zwolle; the Philara Foundation, Düsseldorf; the Frac des pays de la Loire, Nantes; the Mead Gallery | Warwick Arts Centre, Coventry; the Neue Galerie Gladbeck; the Ludwig Forum Aachen; the Kölnischer Kunstverein; the Wiels Contemporary Art Centre, Brussels; the Kunstverein Göttingen; the Witte de With Center for Contemporary Art, Rotterdam; the Yuz Museum, Shanghai and the Dortmunder Kunstverein in Dortmund. She participated in the 58th Carnegie International in Pittsburgh, curated by Sohrab Mohebbi.

artist

Melike Kara 
Kunst Halle Sankt Gallen

Davidstrasse 40
CH-9000 St. Gallen

Switzerland
http://www.k9000.ch+41 071 222 10 14
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posted 19. Sep 2023

Hier und Jetzt II - Wien Skulptur 2023

06. Jun 202330. Oct 2023
Rennweg 110-116, Halle 2 06 Juni – 30 Oktober 2023 **Hier und Jetzt II** Wien Skulptur 2023 Kuratiert von Herwig Kempinger, Kasia Matt-Uszynska Die Ausstellung “Hier und Jetzt II“ bietet als Fortsetzung des Projektes „Hier und Jetzt I“ eine Plattform für die in Wien lebenden Künstlerinnen und Künstler, die im Bereich Skulptur und Objektkunst arbeiten. Sie gibt einen Einblick in die Qualität und Vielfalt der Wiener Bildhauerszene der letzten Jahre und thematisiert mit den unterschiedlichen in ihr vertretenen künstlerischen Haltungen die Vielfalt dieses Mediums. Dabei vereint die Ausstellung „Hier und Jetzt“ unterschiedliche Künstlergenerationen und Skulpturenkonzepte. „Hier Und Jetzt II“ wurde gemeinsam mit den Künstlerinnen und Künstler für die Räume des ehemaligen Autohauses St. Marx konzipiert, was den Arbeiten durch die neue Kontextualisierung auch neue Perspektiven und Lesarten gibt. Die Künstlerinnen und Künstler greifen auf verschiedenste Materialien von Stahl über Wachs, Stoff, Pappmaschee, Holz, bis LED-Screens zurück und loten das Potential von Skulptur immer wieder neu aus. Die Vielfalt der Arbeiten reicht von abstrakten metallenen Konstruktionen über filigrane Raumkonstruktionen, figurativen Skulpturen bis hin zu im Raum schwebenden Objekten. Das Interesse der Künstlerinnen und Künstler gilt der Auseinandersetzung mit Raum, Dimension, Form und Material, dem Phänomen Skulptur ebenso wie Genderfragen, gesellschaftlich - politischen Debatten und individuellen Phänomenen von Gedächtnis und Erinnerung. Dabei belegen die Arbeiten der teilnehmenden KünstlerInnen nicht nur die Spannbreite, dessen, was Skulptur heute ist und sein kann, sie laden auch zu einer Debatte über die Theorie und Praxis der zeitgenössischen Skulptur. Künsterinnen und Künstler: Thomas Baumann , Manfred Erjautz , Judith Fegerl , Andreas Fogarasi , Christoph und Markus Getzner , Sophie Hirsch , Jakob Lena Knebl , Christian Kosmas Mayer , Hans Kupelwieser , Anita Leisz , Kris Lemsalu , Irina Lotarevich , Claudia Märzendorfer , Liesl Raff , Werner Reiterer , Sofie Thorsen , Philipp Timischl , Camila Sposati , Esther Stocker , Erwin Wurm , Heimo Zobernig , Can Yasargil, Marcus Geiger

artists & participants

Thomas Baumann,  Manfred Erjautz,  Judith Fegerl,  Andreas Fogarasi,  Marcus Geiger,  Markus Getzner,  Christoph Getzner,  Sophie Hirsch,  Jakob Lena Knebl,  Hans Kupelwieser 

curators

Herwig Kempinger,  Kasia Matt-Uszynska 
Neuer Kunstverein Wien

Herrengasse 6–8
1010 Vienna

Austria
http://www.neuer-kunstverein-wien.at/
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posted 17. Sep 2023

How Many Worlds Are We?

20. Jul 202329. Oct 2023
July 20–October 29, 2023 How Many Worlds Are We? Artists: Ayrson Heráclito (Brazil), Jonathas de Andrade (Brazil), Pratchaya Phinthong (Thailand), Soe Yu Nwe (Myanmar), Tawatchai Puntusawasdi (Thailand), Torlarp Larpjaroensook (Thailand), Vasco Araújo (Portugal), Vuth Lyno (Cambodia), Wantanee Siripattananuntakul (Thailand), Yonamine (Angola) Curator: Alexandre Melo How Many Worlds Are We? explores the notion of East and West in traditional and contemporary cultural practices between Amazonas and Southeast Asia. The transformation of the dynamics of cultural relations between regions, made distant in the past due to geography, is revealed today as an important factor in the decisive mutations in the social landscape of the world we live in. This exhibition shows an array of parallels to be drawn between cultural experiences in an attempt to understand the presence of “nature” and the “spirit” of the “forest”. According to curator Alexander Melo’s research and reflections made during the past few years in the West, namely in Latin America (mainly in Brazil and in the states of Amazonas and Bahia), and in the East (mainly in Thailand and other Southeast Asian countries), this exhibition arose with the aim of gathering a diverse group of contemporary artists active in these regions. Besides a decentering of geo-cultural perspectives, we search for the possibility of a confrontation between different ways of relating to notions like nature, spirituality or humanity. The approach is not anthropological or ecological, in a strict sense, but still takes “nature” and “spirit”—namely in relation to the “forest” and the entities that inhabit it, in Brazil or in Thailand—as main topics or references to help the audience understand the knowledge, motivations and expectations expressed in the work of the selected artists, namely, in the way in which they articulate an eventual affiliation to a specific cultural tradition with potential insertion in the global dynamics of popular mass culture. The sculptures, installations, photography, and film in this exhibition investigate how we can re-imagine our relations with nature and the realm of the spiritual within a kind of poetic intelligence as it manifests itself in the work of the artists we present. How many worlds are we? About curator: Alexandre Melo PhD and Master in Economics, Doctorate in Sociology and Professor of Sociology of Art and Culture (ISCTE-IUL), curator and art critic. Since the early 1980s, has written for publications such as Jornal de Letras (Lisbon), Expresso (Lisbon), El País (Madrid), Flash Art (Milan) or Parkett (Zurich). He is a regular contributor to Artforum (New York). He curated exhibitions in Portugal and abroad: 10 Contemporary, Serralves Museum, Porto; Eduardo Batarda, Gulbenkian Foundation, Lisbon: Venice Biennial—Julião Sarmento; São Paulo Biennial—Rui Chafes / Vera Mantero; Portugal Novo, Pinacoteca São Paulo, etc. Recent exhibitions: Liquid Skin - Apichatpong Weerasethakul / Joaquim Sapinho, MAAT, Lisbon; Roi Soleil—Albert Serra, Galeria Graça Brandão, Palácio Pombal, Lisbon; E pluribus unum—Douglas Gordon, Miroslaw Balka, Rui Chafes, Galeria Marília Razuk, São Paulo; 1000 Imagens—John Baldessari, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Renee Greene, Pratchaya Phintong, Rosângela Rennó, Wantanee Siripatananunthakul, etc, Galeria Cristina Guerra, Lisbon; Life, Still Life—Cristina Iglesias, Lia Chaia, Vasco Araujo, Galeria Presença, Porto. He was curator of the contemporary art collections “Ellipse Foundation” and “Banco Privado for Serralves”. He was Cultural Counsellor in the Portuguese Government (2005/2011).

artists & participants

Vasco Araujo,  Jonathas de Andrade,  Ayrson Heraclito,  Torlarp Larpjaroensook,  Vuth Lyno,  Pratchaya Phinthong,  Tawatchai Puntusawasdi,  Wantanee Siripattananuntakul,  Yonamine,  Soe Yu Nwe 

curator

Alexandre Melo 
The Jim Thompson Art Center, Bangkok °

No. 6 Soi Kasemsan 2, Rama 1 Road
10330 Bangkok

Thailand
https://www.jimthompsonartcenter.org/+66 2 001 5470
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posted 16. Sep 2023

Astrid Proll. Pictures on the Run

16. Sep 202314. Oct 2023
opening: 16. Sep 2023 04:00 pm
September 16 - October 14, 2023 **Astrid Proll. Pictures on the Run** EXILE is pleased to invite you to the opening of the solo exhibition Pictures on the Run at the gallery’s Erfurt location. The exhibition will present Astrid Proll’s widely-known photographs taken in November 1969 in Paris. Accompanied by a text from Alexandra Symons-Sutcliffe the genealogy of these iconic photographs is traced past their socio-political relevance into youth culture, vernacular snapshot photography and selfie culture. The exhibition in Erfurt will present a set of 13 photographs printed in 2008 for the exhibition MAN SON at Hamburger Kunsthalle together with various research material. The unique, one of a kind silver-gelatin vintage press prints from the archive of Der Stern Magazine will be on view at this year's Art Cologne, Sector Collaborations, together with works from the same period by artists Sine Hansen (1942 – 2009) and Jobst Meyer (1940-2017). Astrid Proll has previously screened her film Der Zug aus Leipzig, 1988 at EXILE Berlin in 2009. →Der Zug aus Leipzig, EXILE, 2009 →Man Son, Hamburger Kunsthalle, 2009 Exhibition opening: Saturday, September 16, 4-7pm Exhibition duration: September 16 - October 14, 2023 EXILE Erfurt opening hours: Sat, 11-3pm & by appointment To make an appointment outside of opening hours please email us: erfurt@exilegallery.org

artist

Astrid Proll 
EXILE Erfurt

Kartausengarten 6
99084 Erfurt

Germany
https://exilegallery.org/+4917622610600
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posted 15. Sep 2023

NONMEMORY

15. Sep 202314. Jan 2024
15.09.2023 - 14.01.2024 DOWNTOWN LOS ANGELES NONMEMORY Curated by Jay Ezra Nayssan, ‘Nonmemory’ brings together seminal works by Mike Kelley and a group of seven contemporary artists – Kelly Akashi, Meriem Bennani, Beatriz Cortez, Raúl de Nieves, Olivia Erlanger, Lauren Halsey, Max Hooper Schneider – whose works all play with the role of memory as it posits our perceptions of space and place. Through a variety of media and material, the artists in this exhibition use space as the repository for dreams, fantasies, traumas, and anxieties, while offering opportunities to re-imagine and recreate reality. The title of the exhibition ‘Non-memory,’ takes direct inspiration from Kelley’s use of the term, a way of treating, reordering, and representing the complex and unstable relationship between memory, space, and identity.

artists & participants

Kelly Akashi,  Meriem Bennani,  Beatriz Cortez,  Raul de Nieves,  Olivia Erlanger,  Lauren Halsey,  Max Hooper Schneider,  Mike Kelley 

curator

Ezra Nayssan 
HAUSER & WIRTH Los Angeles

901 East 3rd Street
CA 90013 Los Angeles

United States of America
https://www.hauserwirth.com
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posted 14. Sep 2023

SEE YOURSELF AS LOVERS SEE YOU - William N. Copley | Dorothy Iannone

13. Aug 202314. Jan 2024
13.08.2023–14.01.2024 Eröffnung: 13.08.2023, 14–18 Uhr SEE YOURSELF AS LOVERS SEE YOU William N. Copley | Dorothy Iannone Die Sammlung Philara freut sich, mit SEE YOURSELF AS LOVERS SEE YOU zwei international renommierte Positionen zu präsentieren: William N. Copley und Dorothy Iannone. Erstmals werden die Arbeiten des Künstlers und der Künstlerin, die 1993 unter dem Titel BERLINER AMERIKANER (gemeinsam mit dem Fluxus-Künstler Emmett Williams) im Haus am Lützowplatz, Berlin, ausstellten, in einer Gegenüberstellung gezeigt. Die Ausstellung nimmt Aspekte der Freiheit, Selbstbestimmung und der Ekstase körperlicher Liebe in den Blick. Dabei werden Querverbindungen sowie Unterschiede im Werk der beiden amerikanischen Künstler*innen thematisiert, deren Karrieren sich in Europa entfalteten und die ihre Werke mit einer bemerkenswerten Ausführlichkeit bis an ihr jeweiliges Lebensende umsetzten. Copley widmete sich seiner Malerei als mit der Kunstszene stark vernetzter Autodidakt ab 1951 in Paris. Iannone, die sich 1958 das Malen selbst beibrachte, besaß ebenfalls starke Verbindungen zu der Kunstszene. Sie lebte für etwa ein Jahrzehnt mit ihrem damaligen Partner Dieter Roth in Düsseldorf, Basel und Reykjavik. Dort verfasste sie u.a. das Buch Danger in Düsseldorf (or) I am not what I seem (1973). 1976 zog sie nach Berlin, ihre spätere Wahlheimat. In ihrer unbeschwerten Auseinandersetzung mit Geschlechter- und Rollenklischees, gesellschaft-lichen Normen und dem damit verbundenen Kampf gegen Zensur ebenso wie in der Würdigung des Alltäglichen und der Freiheit, die mit spielerischen Strategien einhergeht, führen Iannone und Copley aus, was bis dahin in der amerikanischen Kunst verdrängt worden war.[1] Zugleich werden in ihren Formulierungen wiederholender Bewegungen des Begehrens unterschiedliche Perspektiven deutlich, die in jeweils unverkennbarem Stil und visuellem Vokabular erscheinen. Im Werk beider Künstler*innen lassen sich Formulierungen von Freiheitlichkeit und der humorvolle Umgang mit Ikonografien, Symboliken, Narrativen und Text erkennen. Die Ausstellung wird mit Leihgaben u.a. der Ahlers Pro Arte Stiftung, Klaus Gerrit Friese, dem Kunstpalast Düsseldorf, Linn Lühn, Peres Projects, Barbara Wien und von regionalen Privatsammlungen unterstützt, die mitunter lange nicht ausgestellt waren. Ende des Jahres erscheint zudem ein Katalog zur Ausstellung im Verlag Kettler. ___ [1] Tal Sterngasts Beobachtung “Copley imposed his own desires on painting’s potential to exorcise a truth, introducing what had hitherto been repressed in American art: sex as a psychologically and socially liberating tool.” in seiner Frieze Review vom 4. März, 2020, lässt sich auf ihre eigene Weise auch auf Dorothy Iannones Werk übertragen.

artists & participants

William N. Copley,  Dorothy Iannone 
Sammlung Philara, Düsseldorf

PHILARA | Birkenstraße 47
40233 Dusseldorf

Germany
http://www.philara.de+49 (0) 163 3132344
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