daily recommended exhibitions

posted 12. May 2021

Julie Mehretu

25. Mar 202108. Aug 2021
Julie Mehretu Mar 25–Aug 8, 2021 Co-organized by the Los Angeles County Museum of Art and the Whitney Museum of American Art, Julie Mehretu is a midcareer survey that will unite more than seventy paintings and works on paper dating from 1996 to the present, reflecting the breadth of Mehretu’s multilayered practice. Born in Addis Ababa, Ethiopia, in 1970 and based in New York City, Mehretu has created new forms and found unexpected resonances by drawing on the histories of art and human civilization. Her play with scale and technique, as evident in intimate drawings, large canvases, and complex forms of printmaking, will be explored in depth. Filling the Whitney’s entire fifth floor gallery, the exhibition will take advantage of the expansive and open space to create dramatic vistas of Mehretu’s often panoramic paintings. The first-ever comprehensive survey of Mehretu’s career, Julie Mehretu is organized by Christine Y. Kim, curator of contemporary art at LACMA, with Rujeko Hockley, assistant curator at the Whitney. The installation at the Whitney is overseen by Hockley and on view from March 25 through August 8, 2021. “Few artistic encounters are more thrilling than standing close to one of Julie Mehretu’s monumental canvases, enveloped in its fullness, color, forms, and symbolic content. Mehretu’s conviction and mastery of composition and brushwork—along with the sheer energy and full-on commitment of her execution—endow her works with a life force, presence, and presentness,” said Adam D. Weinberg, Alice Pratt Brown Director of the Whitney. “The Whitney Museum is particularly pleased to co-organize this midcareer survey with LACMA, and we are thrilled to continue our longstanding and close relationship with the artist, who has been included in numerous group exhibitions at the Whitney, beginning with the 2004 Biennial.” Scott Rothkopf, Senior Deputy Director and Nancy and Steve Crown Family Chief Curator, added: “Since 1948, when the Whitney presented its first retrospective of a living artist, Yasuo Kuniyoshi, we have maintained a strong commitment to providing substantial, in-depth views on the most groundbreaking artists of our time. I am thrilled that Mehretu's show joins a sequence of midcareer surveys in our new building, which has featured Laura Owens, Zoe Leonard, and Rachel Harrison. Taken together, these shows reveal a wide variety of mediums and artistic approaches, but they are united in their emphasis on innovation and their shared concern for giving voice and shape to contemporary experience." Mehretu’s paintings synthesize vast amounts of visual information and diverse cultural references, from Babylonian stelae to architectural drawings and from European history painting to the sites and symbols of African liberation movements. Spanning medium, scale, and subject, the exhibition centers her examinations of colonialism, capitalism, global uprising, and displacement through the artistic strategies of abstraction, landscape, and, most recently, figuration. Often drawing upon the twenty-first-century city for inspiration, Mehretu condenses seemingly infinite urban narratives, architectural views, and street plans into single unified compositions. While she employs representational elements through imagery or titling, her work remains steadfastly abstract. This approach, where abstraction and representation commingle within a single canvas or series, allows a simple hand-drawn mark to take on figurative or narrative qualities. “In their resistance to a single interpretation, Mehretu’s paintings encourage a nuanced reckoning with the true complexity of our politics, histories, and identities,” said Rujeko Hockley, assistant curator at the Whitney. “She often uses art as a means to frame social uprisings, including the Arab Spring, Black Lives Matter, and Occupy Wall Street, as well as specific events like the police killing of Michael Brown in Ferguson, Missouri; wildfires in California; and the burning of Rohingya villages in Myanmar. Without being overly literal, Mehretu’s work gives visual form to both the past and current moment. At its core, her art is invested in our lived experiences, examining how forces such as migration, capitalism, and climate change impact human populations—and possibilities. We look forward to bringing her brilliant explorations to Whitney audiences.” Along with a film on Mehretu by the artist Tacita Dean, the exhibition brings together nearly forty works on paper and thirty-five paintings dating from 1996 onward to reflect the breadth of Mehretu’s multilayered practice. The installation is loosely chronological, beginning with a gallery devoted to works from the mid-1990s, during which Mehretu developed her own idiosyncratic system of notation that includes “characters” such as dots, circles, crosses, arrows, barbells, and even organic forms like eyeballs, insects, wings, and beaks. She began to create drawings and paintings in which these characters gather to resemble migrating masses. In the gallery featuring her work from the early 2000s, Mehretu’s work embraces the monumental scale of history painting as she begins to work in painting cycles, creating loose, interrelated narratives across different bodies of work. The increasingly large and complex visual planes in her work of this period suggest a dense multicultural metropolis, “full of migrants in transit, people walking by, through, past, and with each other.” Between 2010 and 2016, Mehretu’s visual language began to shift as the artist moved away from the detailed architecture and spectacular colored lines she employed previously. Instead, the works created during this period offer an intimacy and immediacy, with soft distorted blurs and smudges accompanied by gestural, emphatic marks and sometimes even the artist’s own palm prints. The exhibition culminates with a gallery showcasing the artist’s most recent works that explore current events and the unfolding histories that have long informed her practice. The base layers of these works are created by digitally blurring, rotating, and cropping photographs—of police in riot gear after the killing of Michael Brown, for instance, or fires raging simultaneously in California and Myanmar—and then marking over them. Mehretu is inspired by a variety of sources, from cave incisions, cartography, and Chinese calligraphy to architectural renderings, graffiti, and news photography. Drawing on this vast archive, she reformulates notions of how realities of the past and present shape human consciousness. ABOUT JULIE MEHRETU Born in Addis Ababa, Ethiopia, in 1970, Julie Mehretu was raised in East Lansing, Michigan. Since 1999, she has lived and worked in New York, establishing herself as one of the most exciting artists working in the United States. She received a BA in art from Kalamazoo College, Michigan, studied at Université Cheikh Anta Diop, Dakar, Senegal, and received an MFA from the Rhode Island School of Design in 1997. Her select solo exhibitions include Julie Mehretu: A Universal History of Everything and Nothing, Serralves Museum of Contemporary Art, Porto, Portugal (2017); Julie Mehretu: Grey, Deutsche Guggenheim Museum, Berlin (2010); Julie Mehretu: City Sightings, The Detroit Institute of Arts, MI (2007); Currents 95: Julie Mehretu, St. Louis Art Museum, MO (2005); Julie Mehretu: Drawing into Painting, Walker Art Center, Minneapolis, MN (2004); and Julie Mehretu, Artpace Foundation for Contemporary Art, San Antonio, TX (2001). Her group exhibitions include Actions: ‘...the image of the world can be different,’ Kettle’s Yard, University of Cambridge, Cambridge, UK (2018); I am you, you are too, the Walker Art Center, MN (2017); An Incomplete History of Protest: Selections from the Whitney’s Collection, 1940–2017, Whitney Museum of American Art, NY (2017); The Serial Impulse at Gemini G.E.L., LACMA, Los Angeles, CA (2016); Variations: Conversations in and around Abstract Painting, LACMA (2014); The Forever Now: Contemporary Painting in an Atemporal World, Museum of Modern Art, NY (2014); Yes, No, Maybe, National Gallery of Art, Washington, D.C. (2013); The Bearden Project, The Studio Museum in Harlem, NY (2011); and Freestyle, The Studio Museum in Harlem, NY (2001). Additionally, Mehretu has participated in numerous recurring international exhibitions, including the Venice Biennale (2019), Sharjah Biennial (2015), Dak’Art (2014), Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias (2014), Documenta (2012), Prospect New Orleans (2008–09), Sydney Biennial (2006), Whitney Biennial (2004), São Paulo Biennial (2004), Carnegie International (2004–05), Busan Biennial (2002), and Istanbul Biennial (2003). She has received international recognition for her work, including the U.S. State Department’s National Medal of Arts (2015) and a MacArthur Fellowship “Genius Grant” (2005). CURATORIAL CREDIT Julie Mehretu is co-organized by the Whitney and the Los Angeles County Museum of Art. The exhibition is curated by Christine Y. Kim, curator of contemporary art at LACMA, with Rujeko Hockley, assistant curator at the Whitney. ABOUT THE CATALOGUE Designed to allow close viewing of Mehretu’s vast canvases, the exhibition catalogue features lush reproductions of her paintings in their entirety, as well as numerous full-page details. Long overdue, this 320-page, hardcover volume pays tribute to an artist whose work and process intermingle in a unique and important examination of painting, history, geopolitics, and displacement. Edited by Christine Y. Kim and Rujeko Hockley with contributions by Andrianna Campbell, Adrienne Edwards, Thelma Golden, Mathew Hale, Leslie Jones, Christine Y. Kim, Fred Moten, and Dagmawi Woubshet, Julie Mehretu includes 455 color illustrations and is published by the Whitney Museum of American Art and distributed by DelMonico Books and Prestel, Munich London New York.


Julie Mehretu 
Whitney Museum, New York

99 Gansevoort Street
NY 10014 New York

United States of Americashow map
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posted 11. May 2021

Boris Lurie. Das Haus von Anita

08. May 202101. Aug 2021
opening: 08. May 2021 05:00 pm
Boris Lurie. Das Haus von Anita 8. MAI BIS 1. AUGUST 2021 100 Kunstwerke zur deutschen Erstveröffentlichung Boris Luries Lebens- und Überlebenswerkes im Wallstein Verlag. Boris Lurie verlor in der Shoa bis auf den Vater seine ganze Familie und seine Jugendliebe. Auch nach der Befreiung und der Emigration in die USA blieb ein Teil von ihm weiterhin in den Lagern und Ghettos. In den folgenden Jahrzehnten arbeitete er unablässig an dem Roman Haus von Anita und schuf radikal-provokative Kunstwerke als Gegenbewegung zur gängigen Erinnerungspraxis an die Shoa und vorherrschende Kunstströmungen wie den Abstrakten Expressionismus und Pop Art. Die Boris Lurie Stiftung aus New York hat dem Zentrum für verfolgte Künste Kunstwerke aus seinem gesamten Schaffen als Leihgaben übergeben, vor allem frühe Werke, die unmittelbar nach der Befreiung entstanden. Boris Lurie wurde 1924 in Leningrad geboren. Die Familie floh 1925 vor antisemitischen Pogro‐ men nach Riga. Dort wuchs Boris Lurie auf. Nach dem Überfall auf die Sowjetunion durch die deutsche Wehrmacht lebte und litt Lurie vier lange Jahre mit seinem Vater zuerst in lettischen Arbeitslagern und später in deutschen Konzentrationslagern. Seine Großmutter, Mutter, Schwester und seine Jugendliebe wurden zwischen dem 30. November und 9. Dezember 1941 zusammen mit 27.500 anderen Jüdinnen und Juden im Kiefernwald von Rumbula bei Riga von Deutschen ermordet. Befreit wurden Lurie und sein Vater von amerikanischen Truppen in einem Lager bei Magdeburg. Lurie sprach Englisch und arbeitete für die US-Armee. 1946 wanderte er mit seinem Vater nach New York aus und wurde Künstler an der Lower East Side. Als eine Reaktion gegen den Abstrakten Expressionismus und die entstehende POP-Art, erfand er zusammen mit Freunden 1959 die NO!art-Bewegung. Im Anti-POP attackiert Lurie mit seiner provokanten Kunst die selbstgefällige Konsumgesell‐ schaft. Mitte der 1970er-Jahre hörte Lurie plötzlich auf, Bilder und Installationen zu machen und beginnt seinen Roman House of Anita dt. Haus von Anita, den er kurz vor seinem Tod 2008 in New York abschließen kann. Jetzt erscheint Haus von Anita im Wallstein Verlag auf deutsch und das Zentrum für verfolgte Künste zeigt hierzu über 100 Werke von Lurie. Boris Lurie verarbeitet im Buch, genau wie in seinen Bildern, die KZ-Erfahrungen und fragt mit schockierender Eindringlichkeit nach der Bedeutung der Kunst nach der Shoah. Der Ich-Erzähler Bobby lebt gemeinsam mit drei weiteren Sklaven im „Haus von Anita“ und wird von den Gebiete‐ rinnen zu sexuellen Fetischpraktiken gezwungen. Was oberflächlich wie ein pornographischer S/M-Roman wirkt, ist eine provokante Darstellung und psychologische Sezierung der Nazigräu‐ el. Eine Lektüre und Ausstellung, die schmerzt und eine außergewöhnliche, künstlerische Verarbeitung des Holocaust, von Terror und Gewalt darstellt. Unterstützt durch die Boris Lurie Art Foundation in New York hat das Zentrum für verfolgte Künste für eine Ausstellung Werke von Boris Lurie im Depot in den USA ausgesucht: frühe Zeichnungen, die War-Serie, oder die Fetisch-Bilder der Love-Serie, aber auch die schmerzhaften Porträts der Mutter, Schwester und Geliebten. Die Präsidentin der Stiftung, Gertrude Stein war Boris Luris Galeristin. Zur Ausstellung erscheint im Wallstein Verlag der Roman Haus von Anita. Aus dem Englischen übersetzt und mit einem Vorwort von Joachim Kalka 298 S., geb., Schutzumschlag, 12 x 20 cm ISBN 978-3-8353-3887-6 (2021)


Boris Lurie 
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posted 10. May 2021

Ugo Rondinone - a sky . a sea . distant mountains . horses . spring .

12. Apr 202114. May 2021
1 Davies Street W1 * Ugo Rondinone - a sky . a sea . distant mountains . horses . spring . 12 April - 14 May 2021 “The title of the exhibition a sky . a sea . distant mountains . horses . spring . reads simultaneously as a stage direction and a checklist of archetypes that take into account the watery, fluctuating state of life as it is lived, complete with the fullest range of emotions, desires and dreams. As in dreams, they are visible signs for something invisible. Taken together, they define the intersection of symbolism and spirituality.” – Ugo Rondinone, 2021 The spring exhibition at Sadie Coles HQ features new sculptures and paintings by Ugo Rondinone, in which the artist, continuously inspired by the natural world, animates profane subjects like horses, the sea, and the sky to become vessels of spiritual contemplation. Marking the end of lockdown, the exhibition – which spans both London galleries – articulates themes of time, nature, renewal and the psyche, both in its individual parts and as an eclectic whole. At Kingly Street, Rondinone presents fifteen new sculptures of horses cast from blue glass. Slightly smaller than life size, each sculpture is formed from two distinct shades of transparent blue – bisected horizontally to suggest a horizon line running through the silhouette of the animal. The contained form of the horse thereby becomes a vessel for a seascape or landscape, an ethereal frame as well as a corporeal representation. Rondinone reverses the traditional formula of a body in a landscape, transposing the ‘landscape’ into the confines of a body in order to imply a microcosmic world. By multiplying the concept across fifteen foal-sized sculptures, he also creates a larger – three-dimensional – landscape of repeating forms. Rondinone’s horse sculptures embody ideas of space, time and nature that have recurred throughout his work over three decades. Each object suggests a compound of the four elements – water, air, earth (connoted by the body of the horse), and fire, crystallised in the substance of the fired glass. The capsule-like, sealed form of the horse is countered by its intimation of boundless space. Each sculpture moreover projects itself outwards, beyond its glass confines, by casting blue light across the gallery. In this way, the sculptures are prisms that alter the space around them – creating a ‘lightscape’ of shifting blues. Within this environment, the viewer’s own physical presence – vertical, opaque and mobile by contrast with the phantasmal horses – is thrown into relief. The conjunction of sea and sky is the subject of a painting in the rear of the gallery, in which a rising or sinking sun (or moon) is depicted looming beyond a horizon line. The simple collocation of elements – conveyed through washes of watercolour on canvas – recalls the schematic designs of Rondinone’s various long-running series of paintings, whether his ‘Horizons’ comprised of tiered horizonal lines, or his ‘Suns’ of concentric circles. In a further echo of his earlier practice, the painting’s title is a compound word referencing the date of its completion. Timelessness is annexed with a precise date, and the painting is framed as a mental space to be entered into. At Davies Street, Rondinone is showing four multipart paintings that reinvent his long-running Mountain sculptures in two dimensions. Each painting collapses the formula of stacked, painted rocks into three shaped canvases – arranged vertically and painted in single brilliant hues. The paintings restage an ambiguity – between sculpted form and painterly surface – that was central to the Mountain sculptures. The contoured outline of each canvas (suggestive of a monolithic volume) is offset by the flatness of its pigmentation – oil paint has been applied rapidly, in broad strokes, to the gesso-rendered surface. In their hard, bright surfaces, Rondinone’s new Mountain paintings are the opposite of his new watercolours, in which the pigment sinks in multiple layers into the fabric support. Upstairs, a cycle of smaller watercolours repeat and multiply the form of a celestial body hovering over a tranquil sea – their varying colours evoking a panoply of sunrises and sunsets, or rising or plunging moons. Collectively, the paintings express a dualism of diurnal time (the twenty-four cycle) and cosmic time. They also perhaps suggest the capacity for these separate magnitudes to blur together, capturing the way in which – as Virginia Woolf observed – “An hour once it lodges in the queer element of the human spirit may be stretched to fifty or a hundred times its clock length; on the other hand, an hour may be accurately represented on the timepiece of the mind by one second.” Ugo Rondinone (b. 1964, Brunnen, Switzerland) lives and works in New York and studied at Hochschule für Angewandte Kunst, Vienna (1986-90). He has exhibited internationally with solo exhibitions including the rhone + the void, Kunsthalle Marcel Duchamp, Cully (2021); a wall. a door. a tree. a lightbulb. winter., SKMU Sørlandets Kunstmuseum, Kristiansand (2021); we are poems, Beaux-arts de Paris, Paris (2019); everyone gets lighter, Helsinki Festival and Kunsthalle Helsinki, Helsinki (2019); good evening beautiful blue, The Bass, Miami Beach (2017); your age and my age and the age of the rainbow, Garage Museum of Contemporary Art, Moscow (2017); Seven Magic Mountains, presented by Art Production Fund & the Nevada Museum of Art, Nevada (2016); Vocabulary of Solitude, Boijmans van Beuningen, Rotterdam (2016); thank you silence, M Museum, Leuven, Belgium (2013); we run through a desert on burning feet, all of us are glowing our faces look twisted, Art Institute of Chicago (2013); human nature, Public Art Fund, Rockefeller Plaza, New York (2013) and The Night of Lead (Die Nacht aus Blei), Aargauer Kunsthaus, Aarau, Switzerland (2010). Forthcoming solo shows include life time at Schirn Kunsthalle Frankfurt, in June 2021 and nude in the landscape at Belvedere 21, Vienna, in November.


Ugo Rondinone 
Sadie Coles HQ, London

1 Davies Street
W1K 3DB London

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posted 09. May 2021


08. May 202109. May 2021
opening: 08. May 2021 12:00 pm
"Hiermit möchten wir Sie herzlich zu einer Besichtigung der Installation von Nika Špan in das Parkhaus/ Malkastenpark einladen. Eine letzte Installation im PARKHAUS im Malkastenpark wird am kommenden Wochenende, also am Samstag, den 8. Mai und Sonntag, den 9. Mai 2021 jeweils von 12:00 Uhr – 18:00 Uhr einsehbar sein: Nika Špan "Eau de Parkhaus". Hatte Duchamp 1919 sein Readymade "Air Paris" geschaffen, so fragte mich Nika Špan vor 1 1/2 Jahren, ob sie für einige Wochen den Entfeuchter des Parkhauses nutzen kann. Den Entfeuchter hatte ich mir einmal angeschafft, um den Raum besonders für fragile Arbeiten trocken zu halten. Ich bejahte das natürlich und Nika schuf Ihre Arbeit "Eau de Parkhaus" als Hommage und Erinnerung an den Ausstellungsraum. Das gleichnamige Multiple ist zu erwerben für € 5.- pro Flasche bei der Künstlerin selbst: mail@nika-span.com. Dazu die Künstlerin selbst: EAU DE PARKHAUS Ein Projekt von Nika Špan im PARKHAUS im Malkastenpark EAU DE PARKHAUS ist die Luftfeuchtigkeit des PARKHAUSES in flüssigem Zustand. Sie ist in 336 Bierflaschen aufbewahrt. Das PARKHAUS im Malkastenpark ist einer der langlebigsten Ausstellungsräumen der Düsseldorfer Off-Szene. Es befindet sich im Park des Künstlervereins Malkasten - in den Nebengebäuden, die abgerissen und durch einen Neubau ersetzt werden. Die starke Präsenz der Natur hat diesen Raum von Anfang an geprägt. Das EAU DE PARKHAUS macht diese Koexistenz vom Malkastenpark und PARKHAUS sichtbar und greifbar: die Feuchtigkeit des Parks - die in diesem altem Bau mehrere Jahrzehnte unsichtbar aber, spürbar mitwirkte - wurde mit einem Raumentfeuchter aus der Luft des PARKHAUSES entzogen. Die so erzeugte Flüssigkeit - EAU DE PARKHAUS - wurde anschließend in grünen Bierflaschen (0,33 l) aufbewahrt. Die „Flakons“ sind nummeriert, signiert und mit dem Logo EAU DE PARKHAUS gestempelt. Das Logo ist spiegelverkehrt aufgetragen. Der Text wird erst bei Betrachtung durch das Glass und das Wasser lesbar. Gleichzeitig wird der Rahmen um den Text als Grundriss erkennbar. EAU DE PARKHAUS kostet 5 Euro und kann hier: mail@nika-span.com bestellt werden. Bitte geben Sie bei der Bestellung Ihren vollständigen Namen, die Zahl und (optional) die Nummer der ausgewählte Flasche ein. Sie können Ihr EAU DE PARKHAUS im PARKHAUS im Malkastenpark am 8. und 9. Mai 2021 abholen." Beste Grüße Karl Heinz Rummeny


Nika Span 
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posted 08. May 2021

Annette Kelm: Verbrannte Bücher

08. May 202131. Jul 2021
opening: 08. May 2021 11:00 am
08.05.2021 – 31.07.2021 **Annette Kelm: Verbrannte Bücher** 1933 verbrannten nationalsozialistische Studenten rund 30.000 Bücher auf dem ehemaligen Opernplatz mitten in Berlin: politische Literatur, wissenschaftliche Bücher, Romane und Gedichte, selbst Kinderbücher. Die Liste der Autorinnen und Autoren umfasst bekannte Namen, aber auch solche, die seitdem aus dem kulturellen Gedächtnis verschwunden sind. Annette Kelm setzt in ihrer Serie Verbrannte Bücher (2019–2021) eine Auswahl jener Bücher ins Bild, die ab 1933 als „undeutsch“ verfemt wurden. Kelms Fotografien folgen einer dezidiert sachlichen Ästhetik und zeigen ausgewählte Bücher – es handelt sich ausnahmslos um Erstausgaben – einzeln als flacher Gegenstand, frontal abgelichtet, vor neutralem Hintergrund. Im Stil klassischer Objektfotografie reproduziert, scheinen sie von Raum und Zeit befreit. Gerade das aktualisiert sie und überwindet die historische Distanz. Herausgelöst aus der Geschichte, treten die politische Bildsprache, die Ästhetik der Moderne, der sozialkritische Impetus prägnant hervor. Und letztlich ist es dieser präzise fotografische Blick auf das Buch und seine Gestaltung, der uns über die Möglichkeiten der Repräsentation von Geschichte und der Auseinandersetzung mit der NS-Zeit erneut nachdenken lässt. In der Galerie Meyer Kainer werden 70 Fotoarbeiten aus dieser Serie zu sehen sein. Zur Ausstellung erscheint ein ausführlicher Text von Vanessa Joan Müller. Geöffnet ab Sa 8. Mai, 11–18 Uhr


Annette Kelm 
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posted 07. May 2021

Prelude Nordost Südwest

10. Apr 202106. Jun 2021
Prelude Nordost Südwest KUNST AN DER AUSSENFASSADE DER ROBOTRON-KANTINE * 3. Etappe KUNST AN DER AUSSENFASSADE DER ROBOTRON-KANTINE **ab 06. Mai 2021: Henning Haupt** Ab Donnerstag, dem 06. Mai beginnt mit der 20-Meter-langen dreiteiligen Installation von Henning Haupt, einer dreidimensionalen Malerei von der Wiese bis über die Dachkante des Gebäudes, die dritte Etappe des Kunstprojektes Prélude Nordost Südwest an der Außenfassade der robotron-Kantine. Henning Haupt nutzt das Medium der Malerei, um Farbräume dreidimensional erlebbar zu machen. Die für die Fassade der robotronkantine entworfene Installation erstreckt sich in einer 20-Meter-langen mehrfach gefalteten Form bis zur Dachkante wie eine Malerei, die den Raum im besten Sinne für sich erobert. Der Künstler ist zugleich Architekt und lehrt in dieser Funktion Gestaltungslehre an TU Dresden. „Mich interessiert, wie Räume sich verändern. Meine Malerei zeichnet die Spuren von Bewegung im Atelier auf. Dieses dynamische Verständnis von Malerei an der robotronkantine mit dem Stadtraum in Beziehung setzen zu können, ist eine schöne, im Grunde ideale Situation,“ sagt der 1964 geborene, in Dresden lebende Künstler. Henning Haupt leitet die Professur für Gestaltungslehre am Institut für Gebäudelehre und Entwerfen der Fakultät Architektur an der TU Dresden. Er studierte Architektur in Darmstadt und Braunschweig sowie Malerei und Architektur an der Cranbrook Academy of Art, USA. Zu sehen sind bereits die Installationen: - Zweite Etappe seit 22. April: Ina Weise / NEE NEE NEE (Schriftzug Nee Nee Nee, ostmoderne Leuchtreklame-Buchstaben, installiert auf dem Dach) - Erste Etappe seit 08. April: André Tempel / Menu A, Menu B (Folienumspannung der Außenfassade) * **ab 22. April: Ina Weise** Ina Weise (*1985 in Dresden, lebt in Dresden) arbeitet mit ortsspezifischen Interventionen und Performances im Stadtraum. Sie studierte Design an der Hochschule für Angewandte Kunst in Schneeberg sowie “Kunst im öffentlichen Raum und neue künstlerische Strategien” an der Bauhaus-Universität Weimar. Die Künstlerin Ina Weise installiert auf dem Dach der robotron-Kantine Buchstaben des mehrere Meter langen Neon-Schriftzugs eines ehemaligen Dresdner DDR-Dienstleistungszentrums, die von Aktivisten des Netzwerks Ostmodern.org vor dem Abriss gerettet wurden. Ina Weise interessiert sich für unterschiedlichen Traditionen der Kommunikation im Stadtraum. „Die Nachhaltigkeit heutiger Architektur und Stadtentwicklung auch im Umgang mit der Nachkriegsmoderne ist für mich ein wichtiges Thema. Der öffentliche Raum ist ein wichtiger Ort für den Austausch über die Art und Weise, wie wir in Zukunft leben möchten“ sagt Ina Weise. Die Aussage der ersten Wortbildung „NEE NEE NEE“ lässt sich vielfältig deuten. Es kann sowohl ein Bezug zu aktuellen Herausforderungen der Stadtentwicklung hinein gelesen werden, als auch ein Bezug zur Alltagsprache, in der Ratlosigkeit und Sorge um gesellschaftliche Entwicklung der Zeit vielfach einen emotionalen Ausdruck findet. Als künstlerische Vorbilder interessierten die Künstlerin auch die avantgardistischen Performances der 1960er und 70er Jahre wie Bruce Naumann oder auch die Tonbandarbeit von Joseph Beuys aus dem Jahr 1969 mit dem Titel Ja Ja Ja ja Ja, Nee Nee Nee Nee Nee. Ina Weise plant ebenfalls Jugendliche auf der unmittelbar anliegenden Skaterbahn, mit der Frage anzusprechen, welches Wort sie auf dem Dach der Kantine stehen sehen möchten. Aus den vorhandenen Buchstaben können sie jeweils ihr eigenes Wort bilden, so dass die Installation durch ihre „Wortwahl“ verändert wird. Die Künstlerin war mit ihrer Buchstabenaktion bereits im Frühjahr 2018 vor der robotronkantine präsent, damals im Rahmen einer Pressekonferenz zur Zukunft des Gebäudes. In der Zwischenzeit wurden die Buchstaben in verschiedenen Ausstellungen bundesweit gezeigt. * **ab 8. April: André Tempel** André Tempel (*1970 in Schwedt, lebt in Dresden) ist neben seinem Schwerpunkt auf grafische Arbeiten unter anderem spezialisiert auf Raumkonzepte und Kunst am Bau. Er studierte an der Fachhochschule für angewandte Kunst Schneeberg und an der Hochschule für Bildende Künste Dresden. André Tempel beginnt als erster der vier für das Projekt eingeladenen Künstler:innen, in dem er die Stützen, die die seitliche Fassade und Terrasse säumen, mit farbigen Folienstreifen verbindet. Seine experimentelle künstlerischer Umgang mit dem Gebäude unter dem Titel MENU A, MENU B bezieht sich auf die Vergangenheit des Gebäudes als Kantine. Es entsteht dabei eine großdimensionierte temporäre, farbige Raumzeichnung. Die künstlerische Arbeit ist dabei gezielt nicht als eigenständiges Objekt für die Ewigkeit angelegt, sondern lässt sich vielmehr auf einen Prozess und damit zugleich auf eine pragmatische Symbiose mit der Architektur ein. „Die Kantine ist eigentlich ein eleganter wenn auch zur Zeit vernachlässigter Bau. Mich interessiert, wie Räume sich durch grafische Eingriffe und Farbe verändern lassen. Wie kann ich durch Kunst nicht nur Neues schaffen, sondern auch Vorhandenes interpretieren?“ * **Prelude Nordost Südwest** KUNST AN DER AUSSENFASSADE DER ROBOTRON-KANTINE 10. April bis 06. Juni 2021 André Tempel, Ina Weise, Henning Haupt und Stephanie Lüning bespielen vom 10. April bis zum 6. Juni im Rhmen des Projektes Prelude Nordost Südwest temporär die Außenfassade der robotronkantine. Jeweils im Abstand von zwei Wochen kommt eine weitere künstlerische Arbeit dazu. Zum Ende des Projektes im Mai werden für zwei Wochen alle Installationen auf einmal zu sehen sein. INTERVENTIONEN ab 8. April: André Tempel ab 22. April: Ina Weise ab 6. Mai: Henning Haupt PERFORMANCE 13. Mai (Himmelfahrt), 15 Uhr: Stephanie Lüning Im Anschluss an die Performance von Stephanie Lüning lädt das Netzwerk Ostmodern um 17 Uhr zur Architekturführung ROBOTRONWALK rund um die robotronkantine ein. Die experimentell angelegten, künstlerischen Interventionen an der Fassade des seit mehreren Jahren leerstehenden Gebäudes setzen dem fortschreitenden Vandalismus vor Ort buchstäblich Kunst entgegen. In Zeiten der Pandemie und des Stillstands für die Kultur bilden sie das Vorspiel zu einer internationalen Ausstellung, die 2022 ein gemeinsam gesponnenes Netz von Orten und Menschen im Stadtraum verbinden soll. Prelude Nordost Südwest bildet das Vorspiel zu der internationalen Ausstellung in Dresden, die 2022 ein gemeinsam gesponnenes Netz von Orten und Menschen im Stadtraum verbinden soll. Das ab 2021 geplante Projekt bringt Kunst temporär auch an neue Orte im Stadtraum und ermöglicht es die Stadt neu zu entdecken. Der Auftakt des Projektes beginnt in diesem Frühling mit künstlerischen Interventionen an der ehemaligen robotronkantine. In Zeiten der Pandemie steht der Verweis auf die Himmelsrichtungen für den Wunsch, die gemeinsamen kulturellen Beziehungen zu anderen Menschen, Landschaften und auch dem architektonischen Erbe weiterhin zu erhalten und zu pflegen. Die robotronkantine wurde zwischen 1969 und 1972 von den Architekten Herbert Zimmer, Peter Schramm und Siegfried Thiel als eleganter Pavillonbau entworfen. Die unweit des Dresdner Hygienemuseums im Herzen der Stadt gelegene ehemalige Betriebsgaststätte bildete das Zentrum des weitläufigen Areals des ehemaligen VEB Robotron, einst das Herz der Dresdner Informationstechnologie. Nach verschiedenen Nachnutzungen, die das Ensemble nach 1989 erfahren hat, ist nun mittlerweile der größte Teil der Entwicklung eines neuen Stadtteils gewichen: Unmittelbar am Großen Garten entstehen die Quartiere am Blüherpark. Die Partnerinstitutionen des Kunstprojektes Prelude Nordost Südwest sind: HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste, Kunstfonds / Staatliche Kunstsammlungen Dresden, Netzwerk Ostmodern, Konglomerat e. V., Ostrale e. V., Galerie Ursula Walter Prelude Nordost Südwest wird gefördert durch die Homann-Stiftung. Mit Dank an GATEWAY Real Estate, Hamburg/Berlin. Still Crazy - 30 Jahre Kunsthaus Dresden In diesem Jahr 2021 feiert das Kunsthaus m it langfristigen Projekten im Garten, temporären Interventionen im Stadtraum und ausgewählten Ausstellungen sein 30-jähriges Bestehen.
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posted 06. May 2021

Julius von Bismarck. Neustadt

18. Apr 202131. Oct 2021
Emscherkunstweg, Duisburg Julius von Bismarck. Neustadt Apr 18th – Oct 31st, 2021 Julius von Bismarck has created in collaboration with Marta Dyachenko a miniature city at the Old Emscher in Duisburg. »Neustadt« consists of model house sculptures that once shaped the Ruhr area, but have been demolished since the 2000s. On a scale of 1:25, Marta Dyachenko and Julius von Bismarck have brought former apartment buildings, schools, fun pools, churches, bunkers and other buildings back to life as sculptural models made of concrete and steel. A fictitious city structure made of demolished buildings is thus created in model format at the Duisburg-Nord Landscape Park. "In 'Neustadt', society and architectural history are not revealed through new creations, but through the decision of which architecutre was removed. The whole complex becomes a negative of contemporary building politics - a city as an antiversion that is nevertheless permanently installed in reality through the materials used - steel, glass and concrete." Julius von Bismarck The Emscherkunstweg – Emscher Art Trail – is a permanent collection of art in public space: eighteen artistic works accessible to everyone at all times and free of charge. Along the banks of the Emscher river you’ll see the unique conversion of the waterway that has decisively accompanied structural change in the Ruhr region.

artists & participants

Marta Dyachenko,  Julius von Bismarck 

Emscherquellhof, Quellenstraße 2
59439 Holzwickede

Germanyshow map
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posted 05. May 2021

Lois Weinberger

01. May 202104. Jul 2021
opening: 30. Apr 2021 05:00 pm
KUB Basement und KUB Platz Lois Weinberger 01.05.2021 – 04.07.2021 Die Ausstellung wird im Rahmen einer erweiterten Eröffnung am Freitag, 30. April, von 17 bis 19 Uhr im Kunsthaus Bregenz eröffnet. 1971 veröffentlichte ein großer Schweizer Pharmakonzern die Bildermappe Unkrautgemeinschaften Europas, versehen mit Texten in sieben Sprachen. Die Mappe enthält Fotografien von Pflanzen, die unter ihrem lateinischen Namen aufgeführt werden. Die Bezeichnungen dienen der botanischen Identifizierung, tatsächlich aber der Bekämpfung dieser Pflanzen, für die der Konzern die im Anhang vorgestellten chemischen Tilgungsmittel herstellt. Lois Weinberger, der während des Lockdowns im Frühjahr 2020 verstarb, stellte die Mappe als Readymade aus. Die Fotos ähneln Stillleben in der Tradition von Albrecht Dürers Rasenstück. Sie belegen auch Weinbergers lebenslanges Interesse an der Ruderalvegetation. Angesichts des Rufs nach einer »ecological art« und der Erwartungen an die Pharmaindustrie ist Weinbergers Beitrag hochaktuell. Die Neuerwerbung von Lois Weinberger wird als Addendum zur Hauptausstellung Pamela Rosenkranz im KUB Untergeschoss präsentiert.
Kunsthaus Bregenz

Karl Tizian Platz
A-6900 Bregenz

Austriashow map
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posted 04. May 2021

Lydia Ourahmane: Barzakh

02. Mar 202116. May 2021
Lydia Ourahmane: Barzakh March 2–May 16, 2021 What makes a home? Lydia Ourahmane (* 1992) asks this and countless related questions through the thousands of objects she transported from an Algiers apartment, which she meticulously reorganized from memory and presents together with a series of new sculptures and sound pieces as her first institutional solo exhibition in Switzerland. Hers is, in essence, an inquiry into how histories of displacement and colonial oppression are inscribed upon bodies—a theme recurrent amongst her projects. Here, this questioning takes shape around the ways in which those bodies lay claim to a place while things may lay claim to those who purport to own them. So, too, is it an inquiry into the disciplining of those bodies through the regimes of surveillance and control, of nationalist bureaucracies and borderlines, all of which determine who can call a place “home.” The result is Barzakh, an exhibition that abides: It waits for you to pass the line of a laser’s lights. It waits for you to speak out loud a private thought, only to be captured by the bugging devices and relayed to someone you don’t know, and can’t see, who may or may not be listening in. It waits for you to sit down and stretch your legs, to let down your guard, to treat her exhibition like home. The exhibition is supported by the Ernst und Olga Gubler Hablützel Stiftung and is a co-production of Kunsthalle Basel and Triangle-Astérides, Centre d’art contemporain, Marseille, realized with the assistance of gmem-CNCM-marseille and rhizome, Algiers.
Kunsthalle Basel

Steinenberg 7
CH-4051 Basel

Switzerlandshow map
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posted 03. May 2021


12. Mar 202115. May 2021
Jonathan Meese - DIE DR. MABUSENLOLITA (ZWISCHEN ABSTRAKTION UND WAHN) 12 Mar – 15 May 2021 LOLITA = GESETZMÄßIGKEIT MABUSE = WILLE ZUR KUNST MABUSENLOLITAS = MAGNETISMUS In seiner 7. Einzelausstellung in der Galerie Krinzinger begibt sich Jonathan Meese auf die Spuren von Lolita und des Dr. Mabuse, zwei Kunstfiguren, die für die Errichtung ihrer eigenen Machtsysteme stehen. Der Künstler ergründet sie in einer Reihe von Gemälden, Zeichnungen und Skulpturen. Während Lolita Meese bereits seit längerem beschäftigt, ist die Figur des Dr. Mabuse aus dem berühmten Stummfilmklassiker der 1920er Jahre von Fritz Lang neu in der Bildwelt des Künstlers. Mabuse ist Psychoanalytiker und Verbrecher, der sich mit seiner Fähigkeit zur Verwandlung, Hypnose und Manipulation einen Weg an die Macht bahnt. In seinem Genie und Wahnsinn reiht er sich nahtlos in die Galerie der Bösewichte, die Meese schon immer faszinieren. Zahlreiche seiner Filmhelden, wie die Bösen bei James Bond wie Dr. No, Goldfinger, Scaramanga, Ernst Blofeld, Mr. Big, Zorin stehen in der Nachfolge des Dr. Mabuse und bilden ein Netz von Antihelden das Meese in einem Triptychon für die Ausstellung verarbeitet hat. Für Meese ist Dr. Mabuse der „Dr. Hypnotoz“, der Magier, der die „Realität“ wegzaubert, wie Merlin oder Klingsor. In den abstrakten Porträts der Filmikone bilden dicke Farbschichten die vielen Masken der Figur ab und stellen auch hier die Frage nach dem Antlitz des Bösen und wie man es eigentlich erkennt. Eine eindeutige oder auch psychologische Lesart ist weder das Ziel noch das Interesse. Vielmehr die Frage, was kann die Malerei dem Bild des Films entgegensetzen, wo hat sie bessere Mittel eine Geschichte zu erzählen? Oder wie verändert sich die Geschichte in der Malerei? Führung und Verführung sind die beiden großen Themen von Langs Mabuse Filmen, die nicht nur Bilder ihrer Zeit darstellen, sondern in ihrer visionären Kraft bis in unsere Zeit strahlen. In diesen Themen berühren sich Mabuse mit Lolita und werden zu „Mabusenlolita“ vereint. In seiner wilden Inszenierung für das Volkstheater Wien „KAMPF-L.O.L.I.T.A. (EVOLUTION IST CHEF) oder L.O.L.I.T.A. D.Z.I.O. (ZARDOZ FLIEGT WIEDER!)“ stellt Meese eine starke Kriegerin der Kunst vor. Sie steht in seinem Werk für den „Kampf um Kunst“, also die Evolutionskraft, die Alles nach Vorne bringt, und Überkommenes durch die Zukunft ersetzt. In dieser Darstellung Lolitias spürt man eine Nähe zu Interpretationen der Figur, die sich erst in den 1980er Jahren durchsetzten. Lolita rebelliert mit den ihr zur Verfügung stehenden Waffen eines Teenagers, allen voran schlechte Manieren und jugendlichen Klischees, gegen das System Humbert Humbert um ihre eigene Realität und ihre Integrität zu retten. Auch Lolita wird in Zeichnungen und Gemälden des Künstlers verarbeitet. Puppenhafte Skulpturen von Lolita und Dr. Mabuse, begeben sich schließlich in der Ausstellung wie auf einer Bühne und spielen dort ein neues Spiel der Kunst - zum ersten Mal zusammen. Zitate des Künstlers: “Dr. Mabusenlolita ist eine Prinzip, eine Struktur, eine Methode, ein Gesetz! Im ‘Dr. Mabusenlolitastaat’ regiert nur die Kunst. Alle Mabusenlolitas sind Spielzeug der Kunst, also Objekte der Zeitlosigkeit.” “Kampf um Kunst, Kunst zum Kampf! In der Kunst gewinnt immer nur die Kunst! Die Mabusenlolitas wollen den Triumphzug Kunst! Dr. Mabuse ist die Uniform, die Erzmaske, die Totalstverkleidung und die Erzabstraktion!”
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posted 02. May 2021


12. Feb 202116. May 2021
GILBERT & GEORGE: THE GREAT EXHIBITION 12.02.2021 - 16.05.2021 For more than half a century, Gilbert & George have been creating art together. The topicality and significance of their outstanding oeuvre remains undiminished to this day. To honor the visually striking and at times rather provocative universe of these celebrated artists the Schirn Kunsthalle Frankfurt is dedicating the comprehensive retrospective GILBERT & GEORGE: THE GREAT EXHIBITION to which the artists have selected around 45 of their large-format pictures created between 1972 and 2019. Two people, one artist: since their first encounter in 1967 as fellow students at London’s Saint Martin’s School of Art, Gilbert & George have relentlessly challenged the artistic canon and conventions. Simultaneously subject and object of their art, they form a perfect artistic entity with no distinction between art and life. As Living Sculpture, they embody their art and are both subject and object of their large-format pictorial worlds. Philipp Demandt, Director of the Schirn Kunsthalle Frankfurt, says: “Gilbert & George are totally committed to art and are forever questioning and expanding it with rigorous discipline and boundless imagination. They create art that observes, visualizes, and challenges—which, over the course of five decades, has produced a panorama of thousands of images that is impressive in every respect. I am very pleased that we can now provide an overview of Gilbert & George’s vast and visually powerful—and at times provocative—oeuvre at the Schirn Kunsthalle Frankfurt.” Gilbert & George's art does not adhere to any aesthetic, formalistic, or conceptual intention—what counts is the content. They focus on the big existential questions. Their art revolves around death, hope, life, fear, sex, money, race, and religion. They also present social themes in their contrariness: at once joyful and tragic, grotesque and serious, surreal and symbolic. Gilbert & George engage with what is unsettling, and yet their aim is not to shock, but rather to make visible what is going on in the world, in keeping with their motto “Art for All.” Punks and hipsters, authorities and outsiders, headlines and advertising—Gilbert & George tend to interfere everywhere. Their art challenges our view of the world, and in doing so, consistently proves to be groundbreaking. The exhibition’s curators, Hans Ulrich Obrist and Daniel Birnbaum, further elaborate: “Early on, Gilbert and George became Living Sculpture in both their art and their daily lives, becoming not only creators, but also the art itself. They are now among the most visible artists on the planet. This is not surprising, since the recurring themes in their art could not be more fundamental to us humans: politics, religion, sexuality and beauty. Ultimately, what their art is about is human life itself.” An exhibition produced and organized by the Luma Foundation and Moderna Museet, Stockholm in collaboration with Schirn Kunsthalle Frankfurt. The exhibition GILBERT & GEORGE: THE GREAT EXHIBITION is supported by the Kulturfonds Frankfurt RheinMain. Director: Philipp Demandt Curators: Hans Ulrich Obrist and Daniel Birnbaum
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posted 01. May 2021

Silke Schönfeld: Über alles vernünftige Maß hinaus

01. May 202118. Jul 2021
Leider muss der Vorhang zu unserer Ausstellung „Über alles vernünftige Maß hinaus“ von Silke Schönfeld noch geschlossen bleiben, sodass wir am 1. Mai nicht wie geplant eröffnen können. Damit Sie trotzdem einen Blick in die Schau werfen können, bereitet die Künstlerin einen Trailer vor, der ab Samstag, 1.5. auf unserer Homepage und bei Instagram und Facebook zu sehen sein wird. * **Silke Schönfeld: Über alles vernünftige Maß hinaus** 01.05.–18.07.2021 Im Frühjahr 2021 lädt KIT – Kunst im Tunnel die Künstlerin Silke Schönfeld (*1988) zu einer Einzelausstellung ein. Silke Schönfelds filmische Inszenierungen sind politische Reflexionen, die häufig in unerwarteten räumlichen und zeitlichen Bezügen stattfinden. Sie stellt sich Fragen nach der Entstehung von Stereotypen und Vorurteilen, sowie der daraus resultierenden Verantwortung des Einzelnen, ohne dabei eine moralische Wirkung auf die Betrachterinnen auszuüben. Stattdessen setzt sie auf Doppeldeutigkeiten, forscht der Authentizität von bewegten Bildern nach und rückt die Zuschauer*innen in den diffusen Bereich zwischen Schauspiel und Dokumentation. Für KIT plant Schönfeld großformatige Installationen, die ein immersives Eintauchen in die filmischen Räume ermöglichen. Die Ausstellung wird kuratiert von Gertrud Peters.


Gertrud Peters 
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posted 30. Apr 2021


10. Apr 202115. May 2021
CLUB QUARANTINA Beteiligte Künstler:innen: AICANON & Karen Paulina Biswell, Lena Marie Emrich, Marco Godinho, Constantin Hartenstein, Jil Lahr, Zora Mann, Filip Markiewicz, Simon Mullan, Mary-Audrey Ramirez, Grit Richter, Finja Sander, Eric Schumacher & Wolfgang Tillmans. Kuratiert von Gilles Neiens 10. April–15. Mai 2021 Die Ausstellung wird voraussichtlich bis Ende Mai verlängert. Eröffnungstag: Freitag, 9. April 2021, 14–21 Uhr Am 11. März 2020 erklärte die Weltgesundheitsorganisation WHO die Atemwegserkrankung COVID-19 offiziell zu einer Pandemie. Nach und nach schotteten sich immer mehr Länder ab und verhängten Ausgangssperren für ihre Bevölkerung. Die Zeit dieses ersten weltweiten Lockdowns im Frühjahr 2020 wird unweigerlich als Zäsur in die Geschichtsbücher eingehen. Das komplette System einer globalisierten Gesellschaft wurde für einige Wochen lahmgelegt und fiel darauf wie ein Kartenhaus in sich zusammen. Es zeigte sich: „ (...) so viel Wissen über unser Nichtwissen und über den Zwang, unter Unsicherheit handeln und leben zu müssen, gab es noch nie.“ Vieles verlagerte sich sehr schnell in den virtuellen Raum, wie beispielsweise die Arbeit, die Schule und sogar der Sport per Video-Live-Schalte. Auch Familien und Freunde trafen sich online und veranstalteten Partys, um den Kontakt nicht zu verlieren. Digitale Clubnächte entstanden, allen voran der queere „CLUB QUARANTINE", von dem der Titel dieser Ausstellung inspiriert ist. „Stay Home“ und „Stay Safe“ wurden zum Mantra einer isolierten Gesellschaft, die „on hold“ war. Arbeits-, Wohn- oder Mobilitätsmuster, Konsum- und Kommunikationsgewohnheiten veränderten sich unaufhaltsam und möglicherweise dauerhaft. Die Pandemie beschleunigte diesen ohnehin schon laufenden Strukturwandel. Auch Kunst und Kultur mussten in Quarantäne. Für viele der oft in prekären Verhältnissen lebenden Künstler:innen kam dies einem Schock gleich und die finanziellen Einbußen der zahlreichen abgesagten oder verschobenen Ausstellungen, Performances und Konzerte steigen weiterhin. Welche genauen Auswirkungen die Maßnahmen für uns als Gesellschaft und für die internationale Kunstwelt langfristig haben werden, ist in seiner Gänze noch lange nicht abzusehen. Laut einer Ende Januar 2021 veröffentlichten Studie, hat die Kultur in Europa mehr unter der Corona-Krise gelitten als andere europäische Wirtschaftszweige. Dies verheißt nichts Gutes! Oftmals wird Künstler:innen “ein Gespür für wechselnde Stimmungen, Angst und Zweifel” zugesprochen, weshalb sich die Frage aufdrängt, wie unterschiedlich mit dem Präzedenzfall einer kulturellen Quarantäne umgegangen wird? Folgte auf die anfängliche Schockstarre eine nie dagewesene Produktivität und erschufen die Künstler:innen in ihrer Isolation nun wahre „Meisterwerke über die Krise“ wie Kunstkritiker Jörg Heiser hofft? Oder hatten einige keine Zeit zwischen Hausunterricht und den Bergen an Verwaltungsarbeit? Gab es sogar eine Vorahnung, dass es allgemein und insbesondere in der Kunst nicht mehr so weitergehen konnte wie bisher? Heute kann aber schon festgehalten werden, dass die Kunstwelt keineswegs untätig blieb. Viele Künstler:innen, Galerist:innen oder Kurator:innen nutzen die neuen digitalen Wege der Kommunikation, um Kunst zu präsentieren. Ob in Viewing-Rooms, bei gestreamten Live-Touren über Instagram, oder in Podcasts: Überall wurde um die Gunst des Kunstpublikums gebuhlt. Einige Ausstellungsformate wurden in Schaufenster oder direkt ins Freie verlegt, um sie ohne Ansteckungsgefahr erleben zu können. Mit anderen Worten: eine neue Kunst-Erfahrung war und ist möglich. Vieles davon wäre wahrscheinlich ohne die Pandemie nicht zustande gekommen. Die Ausstellung Club Quarantina zeigt nun einen exemplarischen Querschnitt von Kunst und Kunst-Experimenten, die rund um den ersten Lockdown 2020 entstanden sind. Mit dem Abstand von einem Jahr wird der Frage nachgegangen, wie sehr Corona retrospektiv die ausgewählten Künstler:innen und deren Kunst beeinflusst oder gar verändert hat. Für die Betrachter:innen an den verschiedenen Standorten wird dabei zentral sein, die Werke unmittelbar in einem Ausstellungskontext und nicht rein virtuell zu erleben und sich dabei den teils unbequemen Wahrheiten dieser “Lockdown-Kunst” zu stellen. Die Themen sind vielfältig und reagieren auf gesellschaftliche Veränderungen und deren Konsequenzen: Isolation und Sinnsuche, Humor und Eskapismus, sowie apokalyptische Ängste angesichts der radikalen Erfahrung, dass die Welt nach Corona eine andere sein wird.


Gilles Neiens 
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posted 28. Apr 2021


05. Dec 202002. May 2021
FORT. INNER CIRCLE 05.12.2020 - 02.05.2021 Nachdem die Ausstellung pandemiebedingt zwei Monate lang nur in weiß verhülltem Zustand durch das geschlossene Schaufenster zu sehen war, haben wir am 23. März die acht Skulpturen enthüllt. Bis auf Weiteres kann der Raum des Kunstverein Ruhr (wie auch andere Galerien und Museen) unter Einhaltung der Hygienevorschriften und nach vorheriger Anmeldung und Absprache eines Zeitfensters von bis zu 3 Personen gleichzeitig besucht werden. Das ist momentan dienstags bis freitags von 12 bis 18 Uhr möglich. (0201-226538) FORT, das sind die Künstlerinnen Alberta Niemann (*1982) und Jenny Kropp (*1978), arbeiten mit alltäglichen Dingen und scheinbar vertrauten Situationen, die nachgebaut, inszeniert und verfremdet werden. Alltagsszenarien werden adaptiert und in den Ausstellungsraum übertragen. Die so entstehenden Raumsituationen, skulpturalen Objekte und Videos haben oft einen subtil-surrealen Charakter und erwecken trotz ihrer vermeintlichen Vertrautheit in der Regel eine Atmosphäre von Unheimlichkeit, Leere und Verlassenheit. FORT loten in ihren Arbeiten und ihrem Denken immer wieder verborgene Zwischenräume im Alltäglichen und Vertrauten aus: Sie setzen dabei auf Poesie und auf eine Kombinatorik, die in ihrem Charakter an Lautréamont und die später durch ihn beeinflussten Surrealisten erinnert. Deshalb sind die Arbeiten auch immer wieder in der Lage, an (noch) nicht gedachte, nicht bewusste und außerhalb unserer Gewissheiten liegende Bereiche anzuknüpfen. Die fast allen Werken innewohnende Melancholie erweist sich bei genauer Betrachtung als hintergründig, bisweilen doppelbödig. Die Arbeiten spielen immer wieder mit den Sehgewohnheiten der Betrachtenden, lassen sie überrascht innehalten und angesichts eigener möglicher Assoziationen mitunter ein wenig schaudern. Doch zeichnen sie sich immer wieder auch durch einen sowohl subtilen, als auch Betrachterinnen und Betrachter entlastenden Humor aus. Das Künstlerinnenduo hat eine durch das Schaufenster einsehbare, aber vor allem auch direkt begehbare Ausstellung aus acht zum Teil größeren Werken geschaffen, die sich zu einer erlebbaren Inszenierung ergänzen, deren Besuch sich wirklich lohnt. Betritt man den Raum, beginnen die Arbeiten sofort miteinander zu korrespondieren und in den Köpfen der Betrachtenden unterschiedliche Verknüpfungen, Gedanken, Bilder und Geschichten auszulösen. Auf diese Weise entsteht immer wieder etwas Drittes, Neues, Überraschendes. Der Titel INNER CIRCLE lässt (wie auch die anderen Werktitel) vielfältige Bedeutungsassoziationen zu. Sie reichen von Engstem Kreis, Eingeweihten, aber auch Ausschluss, Elite bis Verschwörung. Was auch immer man mit dem Begriff verbinden mag und kann, wird zum Bestandteil einer ästhetischen Erfahrung, die sich vor allem beim Betrachten der Werke zu präzisieren vermag. Die Ausstellung wird bis Sonntag, den 02. Mai 2021 verlängert. An diesem Tag wird, wenn es die Umstände und Regeln zulassen, auch eine Finissage in Anwesenheit der beiden Künstlerinnen stattfinden, bei der auch der für die Ausstellung entstandene Katalog vorgestellt werden soll. FORT Inner Circle, 2020 Garderobenständer, 6 Perücken 3 Unikate in einer Serie von 3 Titelgebende Bestandteile der Ausstellung sind drei klassische Kleiderständer, Gebrauchsgegenstände aus Bugholz, welche in dieser Form seit etwa 150 Jahren im Gebrauch sind. Solche Möbelstücke gehörten um 1900 zum Inventar vieler Häuser und Wohnungen und heute findet man sie noch in Restaurants oder Cafés, die sich ein gewisses Pariser, oder Wiener Flair verleihen möchten. Ein derart mobiler und relativ leichter Kleiderständer aus Ahorn oder Buchenholz hat gegenüber einer fest installierten Garderobe mit stabilen Wandhaken den Vorteil, dass er überall in einem Raum platziert werden kann. Diese nützliche Eigenschaft und die geschwungenen, von vielen als zeitlos empfundenen Formen sorgten für die weltweite Verbreitung des schlanken Möbels. Vor allem den Gebrüdern Thonet und ihrer Herstellerfirma GTV, aber später auch anderen Manufakturen ist es zu verdanken, dass der Prototyp des meist dunkel gebeizten Kleiderständers sich ab 1905 nicht nur weltweit verbreiten, sondern auch zum Vorbild für viele ähnliche Modelle werden konnte. Innerhalb der Ausstellung INNER CIRCLE aber weisen diese drei Klassiker unübersehbare Merkwürdigkeiten auf: An ihren Haken hängen keine Kleidungsstücke, wie Mäntel, Jacken oder Hüte, sondern jeweils sechs auf den ersten Blick als „weiblich“ zu deutende Langhaarperücken. Pro Kleiderständer haben wir es mit sechs Perücken in jeweils drei Farbtönungen, blond, brünett und schwarz zu tun. Diese nicht zufällig platzierten. gleichmäßig frisierten und arrangierten Haarteile irritieren auf den ersten Blick. Denn auf diese Weise werden in der Regel Hüte oder Mützen an einer Garderobe aufgehängt: Aber nicht die zu einer Person gehörenden Haare! Die Vorstellung, dass sechs Trägerinnen (oder Träger?) ihren identischen Haarschmuck an der Garderobe abgegeben haben, nötigt den Betrachtenden durchaus ein Stirnrunzeln, vielleicht aber auch ein unsicheres Schmunzeln ab. Das Bild von sechs kahlköpfigen Frauen, potentiell identischen Sechslingen, die sich hier ihrer Haarpracht, als wären es Hüte, entledigt haben, hat durchaus etwas Makabres, Groteskes, ja Beängstigendes, ist doch das radikale Entfernen einer als weiblich und damit auch erotisch zu konnotierenden Haarfülle nicht wie ein normaler Vorgang (als nähme man einen Hut ab) erklärbar. Stattdessen machen sich bei etwas näherer Betrachtung Befremden, Skrupel vielleicht auch Ängste, oder gar die unheilvolle Ahnung, es hier vielleicht mit Anzeichen menschlicher Tragik zu tun zu haben. Natürlich geschehen derartige unwillkürliche Verknüpfungen oder plötzlich aufscheinende Gänsehaut erzeugende Vorstellungen und Bilder hier auf einer der Kunst vorbehaltenen symbolischen Ebene. Etwas, das nicht schlüssig im Sinne eines linearen Verhältnisses von Ursache und Wirkung erscheint, löst auch im Rahmen einer ästhetischen Betrachtung eine Menge Fragen und Hintergründigkeiten aus. Klassische Kleiderständer aus Bugholz und nach Haarfarbe geordnete Perücken sind für sich gesehen Readymades. Gegenstände des Alltags, die, unbearbeitet und so wie sie vorgefunden wurden zu bewussten künstlerischen Setzungen werden. Erst ihre Kombinatorik löst eine Kette von möglichen Bedeutungen und eine für das Werk von Fort typische Hintergründigkeit aus. Im Kopf unwillkürlich entstehende Gedanken und Bilder machen schließlich die Betrachtenden zu Vollendern des Kunstwerks. In ihren Assoziationen, Vorstellungen, Erinnerungen, Zweifeln, Ein-Bildungen und Projektionen formiert sich schließlich etwas, das der Comte de Lautréamont einst als Schönheit bezeichnete. Sein berühmtes Diktum von der „… zufällige(n) Begegnung eines Regenschirms mit einer Nähmaschine auf einem Seziertisch“ aus dem sechsten Band seiner 1869 verfassten „Gesänge des Maldoror“ bildet schließlich eine der wichtigsten Grundlagen für die über ein halbes Jahrhundert später entwickelten surrealistischen Methoden, Denk- und Verfahrensweisen. Es geht, wie übrigens auch in der Arbeit von FORT, keineswegs um willkürliche Verknüpfungen disparater Elemente, sondern um das Erkennen und präzise Ausloten von Möglichkeiten poetischer Produktion, die den Zufall, das Unbewusste, das Vor- und Nicht-Gewusste auf besondere Weise thematisieren und in eine künstlerische Form zu bringen vermögen. FORT Second Floor Temptation, 2018 Treppengeländer, künstliche Pralinen Unikat aus einer Serie von 5 + 1 AP 20 x 103 x 20 cm Ein kurzes Geländer begleitet die zwei nach unten führenden Stufen am Eingang der Ausstellung. Es könnte auf den ersten Blick zum Ausstellungsraum gehören und bedürfte keiner weiteren Beachtung, wären da nicht die fünf Pralinen, die gleichmäßig verteilt auf dem schwarzen Handlauf liegen und ein verlockendes Hindernis bilden. Unterschiedliche Formen, helle und dunkle Beige- und Brauntönungen der Schokoladenmasse sind hier zu finden, kunstvoll dekoriert mit Pistazienstückchen, einer Walnusshälfte oder mit hellem und dunklem Streifenmuster. Eine von ihnen erinnert mit ihrer sicher köstlichen Füllung an ein kleines Törtchen und ist in goldglänzend plissierte Stanniolfolie gegossen. Allesamt fünf kleine Köstlichkeiten, die hier aufgereiht auf dem Handlauf zu warten scheinen und die Betrachtenden verwundern und zugleich irritieren. Die Kombination des banalen Alltagsgegenstands mit den verführerischen Konfekten klingt auch im Titel dieser Arbeit an. Second Floor Temptation. Die „Versuchung im zweiten Stock“ lässt im Kopf der Betrachterinnen und Betrachter verschiedene Assoziationen, Deutungsmöglichkeiten, oder auch Geschichten zu. Die Vorstellung, mit der Hand über einen Handlauf zu gleiten und auf diese köstlichen Hindernisse zu stoßen, sie gar mit Daumen und Zeigefinger einzeln von ihrer Unterlage zu nehmen und nacheinander zu verspeisen, gehört ebenso zu den hier naheliegenden Bildern, wie die eher ernüchternde Erkenntnis, dass sich innerhalb der Kunst derartige Berührungen oder gar Übergriffe verbieten. Das war auch schon die Regel bei der historischen Eat Art in den 1960er und 70er Jahren. Eine Ausnahme bildet „Portrait of Ross in L.A.“ aus dem Jahr 1991 von Felix González-Torres, bei der das Paradigma der ästhetischen Distanz in ein allmähliches Auflösen und Verspeisen eines Haufens Bonbons verwandelt wird. Bei Second Floor Temptation hingegen bleiben die Pralinen unberührt, ihr taktiles Begreifen verbietet sich von selbst. Das könnte daran liegen, dass diese Kombination aus Pralinen und Geländer im Kontext einer Ausstellung sofort als künstlerische Setzung erkannt wird, was sicher noch dadurch verstärkt wird, dass von diesem appetitlichen Konfekt keinerlei Schokoladenduft ausgeht. Die Gefahr, dass diese Köstlichkeiten vergiftet sein könnten, sollte also durchaus zum Spielraum der Überlegungen gehören. Ästhetisches Räsonnement anstelle olfaktorisch-leiblicher Genüsse. Abstand, statt Berührung, Betrachtung statt Einverleibung. Aber darum geht es ja: die Verführung im zweiten Stockwerk findet in der Fantasie der Betrachtenden statt, wo sie ihr eigentliches Terrain hat und sich in mannigfacher Ausmalung und Ausuferung in alle nur möglichen Richtungen entfalten kann. FORT C.V., 2020 8 Schuhpaare Gr. 26-40 mit gravierter Innensohle (C.V.) auf Wandhalterung Edition von 3 + 1 AP Wie zum Schuhappell stehen sechzehn schwarze Herrenschuhe sorgfältig aufgereiht an der weißen Wand des Ausstellungraums. Auf einem feinen Schuhregal platziert scheinen sie auf den ersten Blick einige Zentimeter über dem Boden zu schweben. Auffallend ist bei dieser merkwürdigen Zeile das allmähliche Anwachsen der Schuhgrößen in Leserichtung. Haben wir es bei dem Paar ganz links mit kleinen Kinderschuhen zu tun, finden sich am rechten Ende Schuhpaare in Erwachsenengrößen. Genauer betrachtet handelt es sich in dieser achtfach konformen Progression um den klassischen Herrenschuh des Typs Oxford, der sich vor allem durch Schlichtheit und Eleganz auszeichnet. Erkennbar an seiner geschlossenen Schnürung und der quer oberhalb der Zehen verlaufenden Vorderkappennaht, wirkt dieser Schuh wie aus einem Guss. Männer, die solche Schuhe zu einem Business- oder Nadelstreifenanzug tragen, haben es in der Regel nicht nötig, durch modische Accessoires aufzufallen, sondern wollen durch Understatement überzeugen. So gesehen gehören die Schuhe zu einem klassischen elegant-gediegenen Dresscode, wie er vornehmlich noch immer in der Geschäfts- und Finanzwelt zu finden ist. Und doch ist noch etwas anderes bei diesen wachsenden Paaren bemerkenswert. Auf der Innensohle aller sechzehn Exemplare finden sich die Initialen C.V., die als Abkürzung Rätsel aufgeben. Geht es hier um eine besondere Schuhmarke oder um das Monogramm des potentiellen Trägers, für den diese Fußbekleidung angefertigt wurde, wie man es auch von maßgeschneiderten Hemden und anderen persönlichen Gegenständen kennt? C.V. könnte indessen auch für die gebräuchliche Abkürzung des lateinischen Curriculum Vitae stehen, was im Rahmen dieser konformen, aber wie im Leben fortschreitenden Reihung einen anderen, noch schlüssigeren Sinn ergibt. Wörtlich übersetzt heißt Curriculum Vitae nichts anderes als Lebenslauf. Wir kennen sowohl die lateinische, als auch die deutsche Form des sprichwörtlichen Lebenslaufs bei Bewerbungen und Personenbeschreibungen, in denen die Daten eines Lebensweges tabellarisch aufgelistet und zusammengefasst werden. Hier aber korrespondiert der kurze, ein Leben auf den Begriff bringende Titel mit dem, was wir 1:1 vor uns sehen: Schuhwerk für das kontinuierlich fortschreitende Leben eines Menschen. Auf symbolischer Ebene könnten diese gleichen, aber langsam und stetig größer werdenden Basis-Kleidungsstücke für einen vorformulierten Lebensweg, eine vorbestimmte Karriere stehen, in die es hineinzuwachsen gilt. Die solch gediegenem und zugleich standardisiertem Schuhwerk innewohnende Konformität lässt auf eine dem potentiellen Träger unterstellte, abverlangte Anpassungsbereitschaft schließen, auf das Einverständnis, einen vorgezeichneten Weg einzuschlagen, eine gesellschaftliche Rolle zu spielen, in einem System zu funktionieren. Doch im Rahmen der Kunst gelangen derartige Erwägungen nicht wie Rezepturen, Vorbilder oder gar Lösungen zur Anschauung, sondern als Symbole und Dispositive, die wahrzunehmen und zu überdenken die Betrachtenden eingeladen sind. FORT The Visit, 2019 Vorhang, Schuhe, Motor und Technik Unikat innerhalb einer Serie von 5 273 x 360 x 35 cm Ein großer Vorhang aus schwerem rosafarbenem Samtstoff bedeckt im hinteren Teil des Ausstellungsraumes beinahe die gesamte Wand. Die Drapierung des Stoffes in viele senkrechte Falten gibt ihm den Charakter eines Theater-, Kino- oder Saalvorhangs, hinter dem sich der Bühnenraum, eine große Leinwand, oder eine Fensterfront befinden könnten. Ein solcher Vorhang verbirgt, was sich hinter ihm befindet, trennt höchst effektiv die Sphären davor und dahinter und wird erwartungsgemäß irgendwann zur Seite gezogen, um den Blick auf das Wesentliche freizugeben. Doch der Vorhang im Ausstellungsraum macht keinerlei Anstalten sich zu bewegen, um das, was sich hinter ihm befindet, zu zeigen. Stattdessen bemerken die aufmerksamen Betrachterinnen und Betrachter ein kleines, anfangs übersehbares Detail: Zwei Fußspitzen, mit rotbraunen Schuhen bekleidet, ragen unter dem Saum hervor. Es sind eigentlich nur wenige Zentimeter des Schuhwerks, die uns innehalten und schließlich leicht schmunzeln oder auch erschaudern lassen. FORT arbeiten hier in der Tat bewusst mit dem, was man im Film Suspense nennt. Ein dramaturgisches Mittel, durch das sich eine Gefahr oder Gefährdung andeutet, die von den Protagonisten der filmischen Handlung in der Regel nicht, oder noch nicht erahnt wird. Zuschauer werden auf diese Weise zu Komplizen des Autors und Regisseurs - unabwendbares Unheil oder gar ein Mord deuten sich an, wofür vor allem der Altmeister Alfred Hitchcock bekannt wurde. Für FORT ist Suspense ein probates ästhetisches Mittel, das in ihren Werken mehrfach zum Einsatz gelangt Im Falle von The Visit handelt es sich indes auch um ein bewusst inszeniertes Déjà Vu, um ein im kollektiven Gedächtnis bereits abgespeichertes Bild. Doch wir haben es hier keineswegs nur mit einem statischen Zitat um seiner selbst willen zu tun. Denn bei genauem Hinsehen fangen zu unserem Erstaunen die beiden Schuhe an, sich zu bewegen. Auf der einen Seite wissen wir, dass es sich um eine bildhafte Inszenierung handelt, auf der anderen Seite erhalten wir durch die Bewegung noch einmal Indizien dafür, dass sich hinter dem Vorhang vielleicht ein Mensch befinden könnte. Wie von selbst werden die Besucherinnen und Besucher zu Beteiligten einer in den Realraum des Kunstvereins übertragenen Filmdramaturgie. Die Eindrücklichkeit und Wirkmächtigkeit dieses „lebenden Bildes“ lässt uns trotz oder gerade wegen seines Minimalismus in einem reflektierten Schaudern, das durchaus auch durch ein erkennendes Schmunzeln begleitet werden kann, innehalten. FORT Ohne Titel, 2020 Aktenkoffer mit Türspion Unikat aus einer Serie von 3 Als sei er von einem Besucher abgestellt und vergessen worden, steht ein schwarzer Aktenkoffer hinter einem Raumpfeiler. Ein handlicher, flacher metallverstärkter Schalenkoffer mit üblichem Griff und einem Zahlenschloss, wie man ihn mitsamt seinem Träger vor allem in Banken- und Geschäftsvierteln, mitunter auch in Fernzügen und Fliegern zu sehen bekommt. In der Regel von dezent gekleideten Männern mit sich geführt, mögen solche Gepäckstücke wichtige Dokumente, Sitzungsunterlagen, Verschlussakten und andere wichtige Materialien enthalten. In einem solchen Behältnis kann man standesgemäß etwas Wichtiges und Wertvolles sicher verschlossen von einem Ort zum anderen transportieren. Man denke an die berühmten Geldkoffer voller Dollarscheine aus vielen Filmen, oder besonderes an Tarantinos mysteriösen schwarzen Koffer in Pulp Fiction, der, wenn man ihn öffnete, goldgleißendes Licht ausstrahlte. Schwarze Aktenkoffer gibt es also bereits als Bilder und Vorstellungen. Nicht die offensichtliche Deplatzierung eines solchen bekannten Gegenstands im Ausstellungsraum lässt uns innehalten, sondern etwas sehr Ungewöhnliches, das sich auf seiner Seitenfläche entdecken lässt. Anfangs möchte man seinen Augen nicht trauen, doch bei genauerem Hinsehen wird es klar. Dieser Koffer weist zwei eingebaute Türspione auf. Sorgfältig in das schwarze Kunstleder eingelassen, scheinen sie das, was sich außerhalb des Koffers befindet, im Sinne einer Überwachungskamera observieren zu wollen. Die Tatsache, dass es sich hier um ein Binokular handelt, das automatisch einem menschlichen Augenpaar ähnelt, macht die Angelegenheit noch rätselhafter. Will diese hier platzierte kleine Beobachtungsstation etwa Personen und Vorgänge wie ein Mensch, also räumlich sehen und nachverfolgen? Was könnte die dem Koffer implantierte Roboteroptik sonst für einen Sinn haben? Weil der still am weißen Pfeiler verharrende Gegenstand nachhaltig eine Antwort verweigert, müssen wir in unserem Gedankengang die Richtung wechseln. In einer rein linearen Wahrnehmung sind das sehende Subjekt und das gesehene Objekt strikt voneinander getrennt. Das Gesehene ist dem Sehenden mehr oder weniger voyeuristisch ausgeliefert. Subjekt und Objekt sind klar voneinander geschieden, was die Einseitigkeit der Beziehung beschreibt. Hier aber scheint etwas zurückzuschauen. Zumindest qua Doppeloptik die Möglichkeit des reziproken Sehens einfordern zu wollen. Das, was wir sehen, blickt auf einmal auf uns zurück. Womit wir automatisch auch bei den zunehmend in Geschäften, Kassenräumen, Passagen, Bussen, und Bahnen installierten Überwachungskameras wären, die man zunehmend an Decken und Ecken öffentlicher Räume entdecken kann und wohl auch soll. Es gibt aber auch noch eine weitere, eher kulturell bedingte Komponente besagter Reziprozität . Das Verhältnis der meisten nicht-europäischen Kulturen gegenüber der Welt wird eben durch die sichere Annahme geprägt, dass das, was ich sehe, auch selbstredend in der Lage ist, auf mich zurückzublicken. Das aber beleuchtet eher den Unterschied zwischen Europa und dem Rest der Welt. FORT Liaison (7), 2020 Gefundene Objekte Unikat in einer Serie Zwei beige-graue Wandtelefone hängen im Ausstellungsraum, als seien sie hier einst ans Telefonnetz angeschlossen worden, Offensichtlich noch aus den 1980erJahren stammende Tastenapparate, deren Gehäusen und gewundenen Kabeln man das Alter auch ein wenig ansieht. Objets trouvés, wie man sie heute noch auf dem Flohmarkt, oder bei einer Hausauflösung finden könnte. Ausgediente Hardware, mit deren Hilfe vor etwa vier Jahrzehnten noch regelmäßig kommuniziert wurde. Inzwischen durch neuere Kommunikationstechnologien überholt und folgerichtig ersetzt. Derart im Kunstkontext präsentiert erübrigt sich die Frage, ob diese Apparate noch im technischen Sinne „funktionieren“. Es geht um etwas anderes. Der Titel Liaison legt durchaus nahe, an eine Beziehung zu denken, gar an eine in der Bedeutung des französischen Wortes anklingende kurze Liebschaft. Die den Apparaturen auf diese Weise unterstellte Symbolik, eine hier qua Titel anklingende Gefühlslage und sich daraus ergebende Möglichkeit zwei technische Apparate zum Gegenstand ästhetischer Erwägungen, Fragen und Projektionen zu machen, sind Bestandteil der künstlerischen Vorgehensweise. Die Telefone hängen zudem sehr dicht nebeneinander, ihre Hörer sind eingehängt, Kommunikation findet offenbar nicht (mehr) statt. Das zu einer Spirale gewundene, vergleichsweise längere Kabel des linken Apparates liegt auf beiden Plastikgehäusen, beinahe wie ein Arm, der eine Schulter umfasst. Dieses stille Arrangement innerhalb der Präsentation lässt wohlwollende Betrachterinnen und Betrachter innehalten. Wer war einst, wie oft und wie lange im sprichwörtlichen Sinne „am Apparat“? Wie viele lauschende Ohren und sprechende Münder sind diesen Hörern derart taktil nahegekommen? Wie viele tausend Wörter und Sätze wurden dabei ausgetauscht? Welche Gespräche mögen einst durch diese Apparaturen geführt worden sein? Ging es um rein sachliche Anordnungen, geschäftsmäßige Auskünfte, um Drohungen gar und Beschimpfungen? Oder um zärtliche Liebeserklärungen und Sätze, die die Hörenden am anderen Ende der Leitung erröten ließen? An der Wand des Ausstellungsraumes hängen nach wie vor zwei alte Tastentelefone. Doch als Liaison werden sie zum Ausgangspunkt für mannigfache Fragen und Erwägungen.


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posted 27. Apr 2021

Joachim Koester — The way out is the way in

28. Nov 202027. Jun 2021
Die Laufzeit wird bis zum 27.06.2021 verlängert. "Den Beschlüssen der Bund-Länder-Konferenz folgend, sind in Rheinland-Pfalz Öffnungsschritte für Museen, Kunsthallen und Galerien entwickelt worden, die einen Besuch der Ausstellung nach vorheriger Terminbuchung ermöglichen. Besuche sind jeweils zur vollen Stunde möglich. Bitte geben Sie uns Ihren Wunschtermin inklusive der Personenzahl per Mail mail@kunsthalle-mainz oder Telefon T +49 (0)6131 126936 durch. Telefonisch sind wir Mo–Fr von 9–17 Uhr erreichbar, am Wochenende von 11–18 Uhr." * **Joachim Koester — The way out is the way in** (28.11.2020—07.03.2021) Joachim Koester (geb. 1962 in Dänemark) ist vor allem für seine konzeptuellen Film- und Fotoarbeiten bekannt, die ihre Bedeutungen aus okkulten Praktiken, veränderten Bewusstseinszuständen und historischen Figuren ableiten. Er gilt als einer der wichtigsten konzeptuellen Fotografen seiner Generation. Fakten und Fiktion, Realität und Mythos verweben sich in seinen Werken zu Fragmenten, die Vergan- genheit mit Gegenwart, die Wissen mit Unbekann- tem verbinden. Körperliche Aktivitäten und Ausdrucksformen, wie beispielsweise der Tanz, sind ebenso zu finden wie umfangreiche Untersuchungen von Natur und urbanen Landschaften. In seinen jüngeren filmischen Arbeiten hinterfragt Joachim Koester, wie Spuren von Geschichten und Ereig- nissen in unseren Nerven- und Muskelsystemen als schlafende Erinnerungen verwahrt und durch Bewegung und Gestik geweckt werden können. Zu Zeiten des globalen Interesses an Wahrnehmungs- und Bewusstseinsveränderungen an der spirituellen Erlebniswelt, rücken die viel- schichtige Beziehung und Abgrenzung von Mensch und Natur verstärkt ins Bewusstsein. Joachim Koester untersucht diese Schnittstellen multimedial. „Wahrnehmung“, „Bewusstsein“ und „Vernetzungen“ sind dabei die entscheidenden Konstanten. Sie bilden gleichermaßen Impuls wie Ergebnis seiner künstlerischen Arbeit. Seine Fotografien, Video-, Soundarbeiten und Installationen kommen formal sehr reduziert daher, fächern sich aber Schritt für Schritt in ihrem immensen, netzwerkhaften Bedeutungsspektrum auf. Sie erzählen von Menschen, die durch den Biss der Tarantel zu Körperbewegungen animiert werden und geradewegs in die Entrückung zu steuern scheinen; von Gottesanbeterinnen, die nahezu in ihrer Umgebung aufgehen; von Phantasiereisen, die an einen Ort aufgegebener Zukünfte führen oder von den charakteristischen Oberflächenstrukturen von Kokain- und Marihuanapartikeln, die fern der direkten menschlichen Wahrnehmung liegen. Formen der Entgrenzung – der Übergang von Tier zu Pflanze oder von Tier zu Mensch – und Grenzerfahrungen – wie das Zeichnen unter Einfluss des Halluzinogens Meskalin oder das Erreichen neuer Bewusstseinszustände mittels Meditation – bilden den roten Faden durch die Ausstellung The way out is the way in. Welche Methoden und Hilfsmittel gibt es, die Beschränkungen des eigenen Körpers, des Denkens temporär hinter sich zu lassen? Was resultiert aus derartigen Erfahrungen – welche Bewegungen, Gedanken, Handlungen oder Bilder? Das Verhältnis zwischen physischen und mentalen Erlebnissen, das körperliche Wahrnehmen und Verstehen sowie deren Einfluss auf das geistige Durchdringen und umgekehrt reizen Joachim Koester seit jeher. Der Stimulation bestimmter Hirnareale steht das Herunterfahren anderer Regionen gegenüber. Welche Bereiche unseres Gehirns nutzen wir? Können neue Erfahrungen, kann eine künstlerische Arbeit Reize auf selten aktivierte Hirnareale oder auch Körper- regionen ausüben? Das Übertreten unterschiedlich gearteter Schwellen zeigt sich ebenso in den Gesängen (beinahe) ausgestorbener Vögel wie in einem planetaren System, dem Objekte verschiedener Herkunft, Gattung und Zeitalter zugewiesen werden. Die neuen Bezüge, die hieraus entstehen, sind genauso assoziativ wie sie zu eigenen Verknüpfungen anregen. Die subjektive Wahrnehmung und das Bewusstsein der Besucher*innen sind gleichermaßen zentral wie diejenigen der Protagonist*innen der Werke und des Künstlers. Tiere, Gesteine, Pflanzen bilden im Zusammenspiel mit Planeten eine Konstella- tion, die von der Mnemotechnik des Gedächtnis- palasts inspiriert ist. Es entstehen Bezüge, Kategorisierungssysteme, eine Kunstaus- stellung verwandelt sich in einen alternativen Gedächtnispalast. Ein Schritt hinaus führt wie auf einer unendlichen Spirale zurück in ein neues Universum – The way out is the way in. Der Gang durch Joachim Koesters Ausstellung ähnelt dem Streifzug durch vernachlässigte, verlassene oder unbekannte Ortschaften – der Psyche, des Körpers, der Stadt, des Kosmos. Der Künstler selbst bezeichnet den Rezeptions- prozess der Werke als „Einatmen der Ausstellung“: Räume und Werke körperlich erfassen; aufnehmen, was die Atemzüge in die Sinne treiben. Joachim Koesters Einzelausstellung The way out is the way in in der Kunsthalle Mainz ist seine bislang umfangreichste Einzelschau in Deutschland. Sie fasst mehrere Jahrzehnte seines künstlerischen Schaffens zusammen und verbindet sie mit raumgreifenden Neuproduktionen. Die Ausstellung wird gefördert durch den Kultursommer Rheinland-Pfalz, die Danish Arts Foundation und die Kgl. Dänische Botschaft Berlin. Sie beinhaltet Exponate des Naturhistorischen Museums Mainz, des Botanischen Gartens sowie der Geowissenschaftlichen Sammlungen der Johannes Gutenberg-Universität Mainz.
Kunsthalle Mainz

KUNSTHALLE MAINZ | Am Zollhafen 3–5
55118 Mainz

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posted 26. Apr 2021

PORTRAIT OF A GENERATION - Clegg & Guttmann, Günther Förg

11. Mar 202101. May 2021
PORTRAIT OF A GENERATION Clegg & Guttmann, Günther Förg 03/11/2021 – 05/01/2021 2021. Die 1980er Jahre sind von heute aus genauso weit entfernt, wie von den 80er Jahren aus gesehen die 40er. Sich das vor Augen zu führen ist für uns, die wir in den 80er Jahren als junge Erwachsene im kulturellen Umfeld der BRD losgelegt haben, eine hilfreiche Überlegung, um in einer für die Gegenwart produktiven Weise Rückschau zu halten und mit ein paar wenigen konzentrierten Akzenten aus dem Werk von Clegg & Guttmann und Günther Förg das zu skizzieren, was wir „Portrait of a Generation“ nennen. Das geschieht ohne Anspruch auf apodiktische Gültigkeit. Lediglich laufen in den ausgestellten Arbeiten ein paar Linien zusammen, die die 80er Jahre in künstlerischer und diskursiver Hinsicht durchkreuzten und zum Schwingen brachten. In den 80er Jahren ging deutsche Nachkriegszeit zu Ende. Politische Diskurse um die Mechanismen von Macht und Faschismus oder die Theorien des Erhabenen und die ästhetische Neuorientierung der Popkultur nach den 70er Jahren, die sich in hedonistisch geprägten Bewegungen wie New Wave zeigte, existierten nebeneinander. Clegg & Guttmann und Günther Förg waren Protagonisten dieser Zeit und ihrer Arbeit lag diese Spannung zugrunde. In diesem Zusammenhang sind Günther Förgs großformatige Fotos von mit faschistischer Ästhetik konnotierten Bauwerken, seine Portraits und Selbstportraits, etwa von der Szene-Goldschmiedin Gabi Dziuba auf den Treppen der Villa Malaparte auf Capri zu sehen. Das hier gezeigte Portrait von Gabi Dziuba und das Selbstportrait von Förg sind beide auf Streifenhintergründen inszeniert, eine direkte Referenz an Barnett Newmans Transzendierung des klassischen Bildrahmens ins „Unendliche" und „Erhabene". Das Cover der Nummer 2/1987 der Zeitschrift Wolkenkratzer Art Journal* zeigte ein Selbstportrait des israelischen Künstlerduos Clegg & Guttmann. In der darauffolgenden Ausgabe interviewte Isabelle Graw (ab 1987 Redakteurin bei Wolkenkratzer) Günther Förg zu seiner verbalen Entgleisung bei der Eröffnung der Fotografie-Ausstellung „Blow Up“ im Württembergischen Kunstverein, Stuttgart. Clegg & Guttmann nahmen an dieser Ausstellung teil und zeigten unter anderem ein Portrait von Günther Förg und seiner Lebensgefährtin Ika Huber (“Artist and Models”), aufgenommen in den Privaträumen des "Malerfürsten" Franz von Stuck. Von Stuck selbst entwarf die 1897/98 erbaute Villa im neoklassizistischen Stil und ließ 1914/15 ein Ateliergebäude ebenfalls nach eigenen Entwürfen hinzufügen. Mit dem Gebäudeensemble realisierte er seine Vorstellungen vom Gesamtkunstwerk. In der Stuckvilla befand sich auch die Galerie Christoph Dürr, die Christian Nagel von 1986-88 zusammen mit Matthias Buck leitete. Dort zeigten sie neben Kippenberger, Krebber, Clegg & Guttmann, Zobernig und Franz West auch eine Einzelausstellung von Günther Förg. Blinky Palermo wurde in Bezug auf Förg einmal mit den Worten zitiert, "die Kunst ist fast so schön wie der Mann". Es ist unklar, ob dies als Beleidigung oder Kompliment gemeint war**. Clegg & Guttmanns Portraits lassen sich in eine kunsthistorische und ikonographische Linie einfügen, deren Bezugsrahmen die ästhetischen Konventionen historischer Portraits und Gruppenbilder des 16. und 17. Jahrhunderts sind. Die Niederländer von Frans Hals bis Rembrandt, die Italiener von Tizian bis Caravaggio und die Spanier von Velasquez zu Goya sind das Referenzmaterial für einen Werkkomplex von Portraits, der kollektive Strukturen, gesellschaftliche Gefüge und Machtverhältnisse inszeniert. Ihr hier gezeigtes „Portrait of a Young Woman“ (für das Isabelle Graw Modell stand) stammt von 1988. Die heutige Krise der political correctness, die sich in einer bisweilen drakonischen cancel culture von links und oft gegen die eigenen Reihen niederschlägt und möglicherweise einen überschüssigen Reflex darstellt, der auf dem schlechten Gewissen gründet, keinen Gegenentwurf zum ungebrochen fortschreitenden Neoliberalismus spätkapitalistischer Prägung zustande zu bringen, geht aktuell einher mit einer Renaissance der Portraitkunst, sei es in Form von Malerei, Fotografie oder technoider NFT Ästhetik. Wir fühlen dieses politische Versagen unserer Generation und wollen es nicht leugnen. Es geht nicht darum die 80er Jahre zu idealisieren, sondern sie zu verstehen. Saskia Draxler & Christian Nagel * *Ab 1983 bis 1989 erschien die Zeitschrift Wolkenkratzer Art Journal im Abonnement und klassischem Zeitschriftenvertrieb im gesamten deutschsprachigen Raum alle zwei bis drei Monate im Soukup, Krauss Verlag, mit einer zuletzt verkauften Auflage von zehn bis zwölf Tausend Exemplaren. Die Zeitschrift gewann zunehmend Leser im europäischen Ausland und auch in der amerikanischen Kunstszene, weshalb ab 1986 teilweise eine Zusammenfassung in englischer Sprache hinzugefügt wurde. Das Wolkenkratzer Art Journal befasste sich als eine der führenden deutschsprachigen Kunstfachzeitschriften auf unakademische Art und Weise mit Avantgarde- und zeitgenössischer Kunst und beleuchtete die aktuellen Trends der Kunstszene auch mit Berichten von Ausstellungseröffnungen und Messeveranstaltungen. Prägnant waren die in mehreren Ausgaben publizierten Portrait- und Personen-Fotos von Künstlern und Fotografen wie Benjamin Katz, Wilhelm Schürmann oder Günther Förg, welche den Lifestyle-Charakter des Journals prägten. Der Journal-Charakter des Wolkenkratzer war für eine Kunstfachzeitschrift ein Novum. Die Zeitschrift wurde gegründet, herausgegeben und redaktionell geleitet von Roman Soukup und Lothar Krauss. Von Anfang an gehörten international tätige Autoren zum festen/freien Redaktionsteam. 1987 traten Isabelle Graw und Wolfgang Max Faust als Autoren der Redaktion bei, deren Leitung sie gegen Ende der Publikationszeit übernommen hatten. Als Autoren (teilweise auch mit redaktioneller Verantwortung) schrieben für den Wolkenkratzer u. a. Christoph Blase, Andreas Kallfelz, Peter Bexte, Wilfried Dickhoff, Pier Luigi Tazzi, Jutta Koether, Walter Grasskamp, Peter Weibel, Klaus Walter, Justin Hoffmann, Donald Kuspit, Sabine B. Vogel, Tom Holert, Thomas Daum und Karlheinz Schmid. Die Zeitschrift wurde von ihrem Verlag 1989 eingestellt. Die Titelrechte wurden von Gruner + Jahr aufgekauft und von art – Das Kunstmagazin genutzt, das vorübergehend die Referenz noch im Untertitel trug (als „Das Kunstmagazin mit Wolkenkratzer Art Journal“) und den Titelschriftzug bis heute im Impressum von art führt. \**Thomas Groetz: Laconic Adaptations and Nebulous Abysses. On the Art of Günther Förg. Catalog excerpt from "Extended. Sammlung Landesbank Baden-Württemberg"; Editors: Lutz Casper, Gregor Jansen, published by Kehrer Verlag Heidelberg, 2009.

artists & participants

Clegg & Guttmann,  Günther Förg 
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posted 25. Apr 2021

Joseph Beuys / 100!

18. Apr 202108. Aug 2021
Joseph Beuys / 100! 18. Apr. - 8. Aug. 2021 Joseph Beuys wurde in der Kestner Gesellschaft 1975 und 1990 mit zwei umfassenden Einzelausstellungen gewürdigt, die von unserem ehemaligen Direktor Carl Haenlein unter Mitwirkung der langjährigen Weggefährten von Beuys, Joseph und Hans van der Grinten, kuratiert wurden. Mit einer Sonderpräsentation von Susan Hillers „First Aid: Homage to Joseph Beuys“ (1969-2016) wird an diese beiden herausragenden Ausstellungen und, anlässlich des Beuys-Jubiläumsjahrs 2021, an den Künstler selbst erinnert. Über 40 Jahre lang sammelte Susan Hiller Weihwasser von heiligen Stätten, Brunnen und Bächen auf der ganzen Welt und stellt ihre Proben in Glasflaschen in antiken mit Filz verkleideten Medizinschränken aus. Die Serie bezieht sich auf die Art und Weise, wie Beuys, der an die heilende Kraft von Natur und Spiritualität glaubte, gewöhnliche Materialien mit sakralen Werten ausstattete. Darüber hinaus thematisiert sie hartnäckige Glaubensvorstellungen in der Volkskultur. Auch die Art der Präsentation bezieht sich auf die Vorliebe von Beuys, besondere Dinge in Vitrinen zu präsentieren. Susan Hiller huldigte neben Joseph Beuys weitere Künstler*innen des 20. Jahrhunderts, so wie Gertrude Stein, Marcel Duchamps oder Yves Klein. Hillers Hommagearbeiten sind Akte des Wiederaufgreifens, die eine kritische und feierliche Hommage an deren Werke darstellen. Kurator: Adam Budak


Joseph Beuys 


Adam Budak 
Kestner Gesellschaft, Hannover

Kestner Gesellschaft | Goseriede 11
30159 Hannover

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posted 24. Apr 2021

Claes & Coosje. A Duet

26. Mar 202109. May 2021
Claes & Coosje. A Duet Mar 26–May 9, 2021 This exhibition sheds new light on the philosophical, aesthetic, and artistic dialogue between Claes Oldenburg and the late Coosje van Bruggen—among the best-known artist-couples of the post-1960s era. Emphasizing the indispensable role that van Bruggen played in their collective practice and curated in close collaboration with the artists’ daughter, Maartje Oldenburg, the exhibition charts the evolution of one of the 20th century’s most influential artistic duos, culminating with the unveiling of the large-scale work, Dropped Bouquet—the final sculptural work that Oldenburg and van Bruggen conceived together before her death in 2009. Pace Gallery is honored to present an exhibition celebrating the collaborative spirit that animated Claes Oldenburg and the late Coosje van Bruggen’s artistic achievements and romantic partnership. Over the course of three decades, Oldenburg and van Bruggen created some of the most famous landmarks in urban and civic spaces around the world. Bringing together a selection of seminal works in sculpture spanning the full arc of their shared history—from early collaborations in the 1980s to their final works of the late 2000s—the exhibition pays homage to one of the 20th century’s most influential artistic duos, highlighting in particular van Bruggen’s vital yet underrecognized role in their collective oeuvre. In addition to sculptures, models, and drawings, the exhibition debuts the large-scale work Dropped Bouquet (2021), the final sculptural collaboration that Oldenburg and van Bruggen conceived together before her death in 2009. On view from March 26 – May 1, 2021 at Pace Gallery in New York, Claes & Coosje: A Duet sheds new light on the philosophical, aesthetic, and artistic dialogue between these two artists and the indispensable role it played on their collective creative output. Among the best-known artist-couples of the post-1960s era, Oldenburg and van Bruggen’s partnership was, from the beginning, a conspiracy between artist and art historian. They met in 1971, when van Bruggen was a young curator at the Stedelijk Museum in Amsterdam, and they married six years later. During the 1980s, van Bruggen soon transformed from interlocutor into full-fledged artistic collaborator and artist in her own right. From the 1970s onward, Oldenburg and van Bruggen’s ongoing debates and conversations—first around major sculptural commissions and later in their collaborative studio practice—reflected a profound intellectual exchange shaped by the sensibility of a sculptor, on the one hand, and that of a writer, on the other. The result was one of the most fruitful, impactful, and sometimes controversial collaborations in 20th century art. Today, Oldenburg and van Bruggen’s large-scale projects remain some of the most recognizable and beloved public artworks in the world. Occupying two major galleries at Pace’s 540 West 25th Street location in New York, the exhibition is anchored by Dropped Bouquet (2021), the realization of Oldenburg and van Bruggen’s final work together. Produced at monumental scale for the first time after three years in fabrication, it evokes a garland of faux wildflowers, depicted in the midst of tumbling to the ground and frozen at the moment of impact, as if in suspended animation. Both celebratory and elegiac, flowers are a key visual motif in Oldenburg and van Bruggen’s personal iconography. The exhibition also features a selection of sculptural works from some of the artists’ best-known collaborations, including original artifacts, drawings, and soft sculptures from Il Corso del Coltello (The Course of the Knife), Oldenburg and van Bruggen’s canonical site-specific performance project for Venice, Italy, which was commissioned, conceived, and realized together with the writer Germano Celant and the architect Frank Gehry. This ambitious event involved the creation and embarkation of a sea-worthy sculpture in the shape of a giant Swiss army knife. With oars protruding from its red-enameled hull as if from a Viking longship, the image of Oldenburg and van Bruggen’s Knife Ship sailing the Grand Canal has become iconic, while the massive kinetic sculpture was later shown in the rotunda of the Guggenheim Museum in New York, at the Centre Pompidou in Paris, and finally at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Such important early collaborations from the 1980s—including models for Spitzhacke (1982), Oldenburg and van Bruggen’s contribution to documenta 7, and The Entropic Library (1989)—will be presented in dialogue with sculptural renditions of everyday objects of labor and leisure created in the 1990s and 2000s, and which range in scale from modest to monumental. From pies to garden tools, many were designed as models for large-scale installations, among them Inverted Collar and Tie (1993) and Typewriter Eraser (1998). Others, like the swirling Collar and Bow (2005), originally designed for Frank Gehry’s Disney Concert Hall in Los Angeles, exist only in the form of models and drawings. Further exhibition highlights include sculptures and models from the 1990s and 2000s, including selections from the celebrated suite of musical instruments that van Bruggen and Oldenburg created around the time of their last major solo show, The Music Room, which was presented at Pace Gallery in New York in 2005 and again at the Whitney Museum of American Art as part of a major exhibition of the couple’s work in 2009. Also included is an important sculptural study for Soft Shuttlecock (1995), the monumental site-specific sculpture that Oldenburg and van Bruggen created together and suspended from the Guggenheim’s rotunda on the occasion of the 1995 retrospective. The work also evokes their well-known public sculpture of monumental shuttlecocks in the garden of the Nelson-Atkins Museum of Art in Kansas City.

artists & participants

Claes Oldenburg,  Coosje van Bruggen 

540 West 25th Street
NY 10001 New York

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posted 23. Apr 2021

Jürgen Schön. Reliefs und Zeichnungen

16. Apr 202122. May 2021
Jürgen Schön. Reliefs und Zeichnungen 16 April - 22 Mai 2021 In der Ausstellung zeigen wir aktuelle Werke von Jürgen Schön. Jürgen Schön (*1956) lebt und arbeitet in Berlin. Jürgen Schön, Reliefs and drawings View works In the exhibition we present current works by Jürgen Schön. Jürgen Schön (*1956) lives and works in Berlin. * Jürgen Schön: Reliefs and Drawings An exhibition of works by Jürgen Schön dating from the year 2020 sheds light on the productive interrelationship between drawing and object in his oeuvre. The show brings together three drawing blocks of ten drawings each executed in pencil, ink, and acrylic with a group of reliefs made of paper, cardboard, and wood. These works enter into dialogue with one another as well as with the specific features of the exhibition rooms. And the point of departure for each individual work is likewise the physical experience of space to which the artist constantly subjects himself in that he perceives everything surrounding him both inside and out of doors in its stimulating— and in particular its three-dimensional—qualities. In pandemic times, of course, virtual spaces have come to figure more and more prominently in our perception; for the moment, however, the extent to which they can have an equally inspiring effect must remain undecided. The photographs Jürgen Schön took as he made his way around the city in his first year in Berlin after moving there from Dresden are not primarily aides-memoires, but already themselves an artistic translation of space into surface. The photos are followed by sketches in which the artist further reduces the streets, buildings, signs, and traffic of the urban space to basic structural and geometric forms. The exhibition Crossing Borders: Collecting for the Future on view at the Dresden Kupferstich- Kabinett until 31 May (and, in case of lockdown, online as a virtual tour) offers instructive insights into Schön’s working principle. In the sketchbooks on display there, which the artist filled on train trips between Dresden and Berlin, two things are evident. On the one hand, the simplicity and abstraction of the forms go hand in hand with a focus on certain excerpts of reality, for which reason the vertical format of the sketches is not at odds with the panorama-like impression of the landscape from the train window. (Incidentally, Schön’s photographs likewise often manifest a concentrated look at suspenseful fragments of volumes and surfaces.) On the other hand, from one sheet to the next, the sketches mount up to form a stream of drawings that find their artistically founded continuation in the serial works on paper. That is because—just as, in the eyes of the stroller, a city reassembles itself anew from recurring and modified forms with each new stroll—Schön’s drawings show how keenly he is interested in depicting the basic elements he identifies in- and out of doors in diverse manner and ever-changing arrangements and representations. The two drawing groups in A2 format differ from one another in that, in the darker series, the contrast between opaque and glazed zones tends to bring out the surfaces, while the lighter series gives more emphasis to the contours. In the A4 (210 by 297 mm) series, for its part, what is conspicuous is the rougher surface created by the brush. This surface in turn forges a link to the white reliefs that can justifiably be conceived of as ‘three-dimensional drawings’, as their forms result less from their volumes than from the lines of shade. In the minimalistic drawings and the archaic-looking reliefs alike, Schön addresses the fundamental relationships between line, surface, colour, and form in two- as well as three-dimensional compositions. The abstract-geometric images are remarkable not least of all from the point of view of perceptual psychology when, in the pictorial field, surfaces and forms seem to jump forward and recede again, rectangles and squares alternate between lying and standing, and trapezoids and rhombi suddenly appear as spatial enfilades or stereometric bodies. The exhibition brings the experience full circle back to real space. With his sensitive arrangement of the works, the artist has created a web of references between the inner-pictorial elements and those of the surrounding architecture. His intervention Two Forms in Space at the Dresden Royal Palace in 2019 clearly demonstrated this cycle of forms—from experienced surroundings to acquisition by way of drawing, three-dimensional application, and finally the mirroring of the studio or exhibition space. Inspired by the L-shaped door frames of the venue, he presented three drawing series in which he had explored that same shape, arranging them in such a way that, in their specific rhythmicity, the ensembles responded to the walls, floor, ceiling, and doorways. In the artistic correlation between drawing, relief, and space, Jürgen Schön not only sharpens our experience of our usually urban living environments, but also—in the infinite variation of his precise artistic vocabulary— shows us how sensual and surprising a minimalistic artwork can be. Björn Egging
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posted 22. Apr 2021

Europa: Antike Zukunft

23. Apr 202115. Aug 2021
opening: 22. Apr 2021
**Europa: Antike Zukunft** Jimmie Durham, Haris Epaminonda, Ira Goryainova, Renée Green, Franz Kapfer, Barbara Kapusta, Jutta Koether, Oliver Laric, Shahryar Nashat, Steven Parrino, Franco Vaccari, James Welling, Franz West 23.04.2021 – 15.08.2021 Eröffnung: 22.4.2021 Alle sprechen über (und viel zu oft gegen) Europa, und auch ein gemeinsames Europa kommt nur langsam in Gang. Zu tief sitzen die partikularen Interessen von Nationalstaaten, Bürokratie und Wirtschaft, worin sich auch die Verbundenheit Vieler mit dem unmittelbar Vertrauten spiegelt. Die Zukunft kann aber nur in einem offenen, kosmopolitischen Zugang liegen, der in einem guten Verhältnis jedes Einzelnen zur lokalen wie internationalen Gemeinschaft steht. Die Suche nach einer kritischen Balance von Individuum zur Gruppe zeichnete bereits die griechische Antike aus, um auf Basis individueller wie allgemeiner Freiheiten und Verantwortungen die Demokratie zu stärken. Das umfangreiche Projekt Europa: Antike Zukunft formuliert aktuelle Beiträge zu einer dringend nötigen Diskussion, um aus einer in die Zukunft gedachten Geschichte ein kulturell und darin politisch gedachtes Europa im Sinne einer Gleichheit in Differenz voranzubringen. Terminologisch ist Europa zurückzuführen auf das altgriechische Eurṓpē, ​„die mit der weiten Sicht“, was sich aus den Wortstämmen ​„weit, breit“ und ​„Sicht, Gesicht“ ableiten lässt. In der griechischen Mythologie ist auch die Ent- und Verführung einer gleichnamigen phönizischen Prinzessin durch Zeus bekannt. Der Begriff ist heute stark mit der Europäischen Union verbunden, die vornehmlich als wirtschaftspolitischer Verbund von Nationalstaaten gesehen wird. Schon lange werden in dessen Konzept Defizite im Bereich Demokratie, Rechtstaatlichkeit und unzureichende Transparenz in Bezug auf grundlegende Machtfragen beklagt. Was aber zunehmend außer Acht gelassen wird, ist die eigentliche Idee von Europa, deren Herkunft und Potentiale gerade im Feld der Kultur liegen. Dies erscheint in Zeiten eines wieder erstarkten Nationalismus und Populismus, der die Europäische Union aus den einzelnen Mitgliedsstaaten heraus unter Druck setzt, um so wichtiger. Daher stellt die HALLE FÜR KUNST Steiermark anlässlich ihres institutionellen Auftakts Europa ins Zentrum ihrer Betrachtung. Das Projekt Europa: Antike Zukunft vereint ausgewählte Ideen zum Konzept Europa und beleuchtet sie abseits gängiger pragmatischer Kriterien multiperspektivisch. Im Fokus der künstlerischen Projekte stehen die Ideengeschichte, Mythen, Werte und Brüche eines – aktuell eher zurückhaltend – vereinten Europas, das jenseits seiner ökonomischen und politischen Entwicklungen als ein heiß diskutiertes kulturhistorisches Projekt mit utopischem Potential untersucht wird. Die Ausstellung forciert dabei abseits einer eurozentrischen Rezeption eine Thematisierung und Erweiterung des üblichen, oftmals verengten Blickes, um wieder verstärkt und mit durchaus kritischer Emphase für Europa ins Gespräch zu kommen. In der Auseinandersetzung mit den philosophischen Grundpfeilern der europäischen Idee gibt das umfangreiche Werk des griechischen Universalgelehrten Aristoteles einen wichtigen Impuls. Sein auf Gleichheit und Freiheit aufbauender Zugang zur Gesellschaft, der das Individuum in einem guten Verhältnis zur Gemeinschaft und ihrer Polis sieht, erfährt jüngst neue Aufmerksamkeit: In ihrer auf den Begriff der herrschaftsfreien Egalität aufbauenden Rezeption Politische Gleichheit (2020) fordert die Politikwissenschaftlerin Danielle Allen eine aktualisierte Fassung von Demokratie, ein ausgeglichenes Zusammenleben von Individuen in einer Gesellschaft jenseits eines nationalstaatlichen Denkens. Zudem weisen die Anfänge einer Idee von Europa auf die frühen Demokratien der griechischen Antike und ihre Folgewirkungen zurück. Vor diesem Hintergrund beschäftigt sich das Ausstellungsprojekt mit den Utopien der Vergangenheit, entwirft im Rückgriff auf antike, teils mythologische Ideen zum Verständnis von Europa eine mögliche Perfect Futur – eine Utopie, die vermutlich keinen per se progressiven Bestand haben wird, vielmehr immer schon auf ihre Vergangenheit und damit ihre Vergänglichkeit verweist. Europa: Antike Zukunft ist somit als Gedankenexperiment zum transnationalen gemeinschaftlichen Leben im europäischen Raum gedacht und möchte eine attraktive weitere Idee eines vereinten Europas in kultureller Vielfalt, das im Sinne seiner ursprünglichen Bedeutung ​„auf weite Sicht“ zuversichtlich und überlegt vorausblickt, entwickeln. Das Ausstellungsprojekt Europa: Antike Zukunft wird durch ein wöchentliches Rahmen- und Vermittlungsprogramm und eine umfangreiche Publikation ergänzt. Kuratiert von Sandro Droschl **Programm** 29 Do Im Dialog mit der Antike: Modelle des Zusammenlebens im Europa der Zukunft Eveline Krummen 29.4.2021 18:00–19:00 Uhr Vortrag 6 Do The Leaking Bodies Rana Farahani, Barbara Kapusta 6.5.2021 18:00–19:00 Uhr Performance 20 Do Medusa – Frauenfiguren der Mythologie und ihre zeitgenössische Rezeption Linda Nolan 20.5.2021 18:00–19:00 Uhr Vortrag 27 Do Mimesis und die Mythen von Europa Annetta Alexandridis & Verity Platt 27.5.2021 18:00–19:00 Uhr Vortrag 2 Mi Another Europe Sangam Sharma 2.6.2021 18:00–19:00 Uhr Filmscreening 10 Do Im Rücken die Ruinen von Europa Franz Kapfer 10.6.2021 18:00–19:00 Uhr Performance 17 Do Politik und/oder Kultur – Was formt Europa? Markus Prutsch 17.6.2021 18:00–19:00 Uhr Vortrag 1 Do Kunst in Europa / Europäische Kunst? Constanze Itzel 1.7.2021 18:00–19:00 Uhr Vortrag 8 Do Was bleibt Cevdet Erek 8.7.2021 18:00–19:00 Uhr Vortrag 14 Mi Europäische Visionen Film ab: Der Kinoabend 14.7.2021 18:00–20:00 Uhr Filmscreening 29 Do Ethik & Politik: Aristoteles Dramatische Lektüre 29.7.2021 18:00–19:00 Uhr Lesung 5 Do In der Schwebe: Museumsballett 5.8.2021 18:00–19:00 Uhr Performance 12 Do Behind the Scenes Kuratorenführung 12.8.2021 18:00–19:00 Uhr Führung


Sandro Droschl 
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