Hans Schabus
Der lange Morgen
GALERIE KRINZINGER, MAIN GALLERY - Seilerstätte 16 - Vienna
10 Nov 2021 – 15 Jan 2022 (verlängert bis 29.1.)
Eröffnung: 10. November, 2021, 19h
Es spricht: Seamus Kealy, Direktor, Salzburger Kunstverein
Ausstellungsdauer: 11. November 2021 - 15. Januar 2022
Galerie Krinzinger, Seilerstätte (Main Gallery)
Eröffnungsrede von Séamus Kealy, Direktor Salzburger Kunstverein
Every life is in many days, day after day. We walk through ourselves, meeting robbers, ghosts, giants,
old men, young men, wives, widows, brothers-in-love. But always meeting ourselves. – James Joyce.
Ulysses.
Hans Schabus schafft Kunstwerke, die auf merkwürdige Weise mit seinen kosmischen Erfahrungen
spielen. Oft bezieht er sich auf seine Umgebung, wenn er z. B. aus spärlichen oder alltäglichen
Materialien Ideen entwickelt. Wie ein Besessener hat er riesige Löcher unter sein Atelier gegraben,
unter Museen gegraben, um neue Durchgänge für Besucher zu schaffen, ist mit einem
selbstgebauten Boot durch unterirdische Tunnel gesegelt, mit dem Fahrrad um und durch riesige
Landstriche gefahren und hat 2005 den österreichischen Pavillon auf der Biennale in Venedig in einen
hölzernen, labyrinthischen Berg verwandelt. Seltsamerweise führten all diese mühsamen
Unternehmungen, die jede einen scheinbaren Anfang und ein scheinbares Ende hatte, in Wirklichkeit
nirgendwo hin. Dieses Element einer Reise oder eines Übergangs zu einem anderen Ort wird
absichtlich vereitelt, oft durch die erschöpfende Unmöglichkeit und dem Gewicht des Kontextes, den
Hans seiner Arbeit auferlegt, oder durch Wiederholung, die das Gefühl der Neuheit der Erfahrung
untergräbt. Nachdem er nirgendwohin gegangen ist, er vielmehr einen Kreislauf durchlaufen hat, der
nur in sich selbst zurückkehren kann, ist dennoch etwas geschehen.
Man könnte sagen, dass Hans oft aus Nichts etwas macht. Es gibt Werke von Hans Schabus, die aus
diesen selbst auferlegten Barrieren oder Negativen entstehen, oder sie könnten, wie in neueren
Arbeiten, aus dem Ungesehenen, dem Unrealisierten oder dem Vernachlässigten entstehen. Das
kann ein negativer Raum sein, wie seine hartnäckige Neigung, Löcher zu graben, oder immer wieder
in sein leeres Atelier als Muse zurückzukehren, um nun die Spektralität nicht vorhandener Ereignisse
und des „Ausgelöschten“ einzusetzen. Wir alle haben das in letzter Zeit erlebt. ABGESAGT!
GESCHLOSSEN! BIS AUF WEITERES GESCHLOSSEN! AUFGRUND DER UMSTÄNDE WERDEN
KEINE NEUEN STELLEN GESCHAFFEN. KNEIPE GESCHLOSSEN.
Hier sind wieder die auferlegten Bedingungen ... und es scheint, dass sie Hans tatsächlich dazu
verleitet haben, irgendwie einzugreifen. Dachten wir nicht alle, dass wir während der Pandemie etwas
Neues, Kühnes und Produktives tun könnten? Doch für die meisten von uns ... die große Mehrheit von
uns ... mich eingeschlossen, entstand nichts oder fast nichts. Oder waren wir nicht in der Lage, uns
auf etwas Neues einzulassen, als sich die Gelegenheit bot? Natürlich gibt es Ausnahmen. Einige von
euch werden jetzt vielleicht schmunzeln, weil es jetzt einen üppigen Garten in eurem Hinterhof gibt
oder ihr eine neue Sprache gelernt habt. Es gibt sicher jemanden unter uns, der im letzten Jahr ein
mathematisches Genie geworden ist. In meinem Fall habe ich drei Bilder gemalt. In einem Jahr. Ich
hätte wahrscheinlich dreißig machen können. Nun, Hans stand vor dem gleichen Problem, als er mit
der Abwesenheit der vertrauten Welt konfrontiert wurde. Es gab eine Art Nichts, mit dem er
konfrontiert war, aber daraus ist etwas entstanden. Ich werde darauf zurückkommen, wenn ich über
die Kunstwerke in dieser Ausstellung spreche. In der Zwischenzeit hoffe ich dieses Paradoxon, von
etwas, das aus dem Nichts entsteht, mit einem Satz erklären, den ich kürzlich zu Hans in seinem
Atelier gesagt habe. Ich glaube, es hat ihm gefallen. Es war:
Hans fucks around with things.
Und in diesem Fall fummelt er an Nicht-Dingen herum. Die Arbeiten von Hans Schabus haben eine
Einfachheit und eine alltägliche Eleganz, die ich seit 18 Jahren, in denen ich den Mann und seine
Arbeit kenne, bewundere. Ohne zu nostalgisch zu werden, erlaubt mir zu sagen, dass sich unsere
Wege in diesen Jahren mehrmals beruflich gekreuzt haben. Natürlich neigte ich in all diesen Jahren
dazu, einen roten Faden in seiner Arbeit zu finden. Und das habe ich, ich habe es gerade gesagt, und
ich hoffe, ihr könnt es mir nachsehen:
Hans fucks around with things.
Und an dieser Aussage ist nichts Abwertendes. Ich wage zu behaupten, dass auch Samuel Beckett
ein Künstler war, der mit den Dingen gefuckt hat. Ich werde vielleicht nicht unverletzt aus einer
Beckett-Konferenz herauskommen, wenn ich diese Behauptung wiederhole (und vielleicht auch nicht
unverletzt aus dieser Galerie), aber wenn wir darüber nachdenken, können wir feststellen, dass
Beckett aus einem scheinbaren Nichts heraus mit ein paar eleganten Gesten und unter minimalen
Bedingungen tiefgründige Literatur und Theater geschaffen hat. Dieser Erfindungsreichtum mit bloßen
Knochen und Staub ist für mich erstaunlich und ehrfurchtgebietend.
Beginnen wir mit meiner ersten Begegnung mit Hans’ Arbeit, als er 2003 seine Ausstellung Astronaut
(Komme gleich) in der Secession zeigte. Ich schlug dem Flash Art Magazine einen Artikel über diese
Ausstellung vor und schrieb somit meinen ersten Text über Hans’ Arbeit. In Hans’ Ausstellung ging es
im Wesentlichen um den Versuch, Wien zu entkommen, entweder in einem selbstgebauten Boot in
der Wiener Kanalisation (in Western, der brillanten Filmparodie von Der dritte Mann) oder durch einen
halb ausgegrabenen Gang im Secessionsgebäude selbst. Diese Arbeit hatte etwas Beklemmendes,
aber auch Ungeheuerliches.
Der Künstler und Astronaut kommt nämlich nicht raus. Die Mission geht schief. Oder doch nicht? Er ist
auf dem Weg, komme gleich, sagt er, aber dann kommt er wieder an den Ort zurück, an dem er
gestartet ist. Es scheint ein bisschen sinnlos, aber er tut es trotzdem. Es ist, als könne er nicht anders.
Haben Sie sich nicht auch schon über seine Radreisen durch Amerika oder neuerdings während der
Pandemie vom nördlichsten bis zum südlichsten Teil des europäischen Kontinents gewundert? Was
treibt er da? Man könnte sagen, dass er seine Arbeit aus dieser scheinbar trügerisch banalen
Auseinandersetzung mit der nackten Realität heraus entwickelt. Ich meine, schaut euch das Video an,
das er gemacht hat, es ist nicht spektakulär. Natürlich will ich nicht behaupten, dass diese Arbeit
langweilig oder es gar banal ist, durch einen Kontinent zu radeln. Nein, das ist eine große Geste. Aber
die Art und Weise, wie es zu einem Kunstwerk wird, könnte als trocken und banal interpretiert werden.
In seinem Fall ist das nicht so – obwohl es dem gefährlich nahe kommt.
Lasst es mich erklären, indem ich noch einmal kurz auf eine andere Zeitspanne zurückkomme.
2016 zeigten wir im Salzburger Kunstverein seine Ausstellung The Long Road from Tall Trees to Tall
Houses. Diese Ausstellung zeichnete Tag für Tag seine 42-tägige Fahrradroute von Kalifornien (wo
die hohen Bäume stehen) nach New York City (wo die hohen Häuser sind) auf. Eine Serie von Bildern
wurde im Großen Saal präsentiert, jedes mit einer Postkarte und einem Foto vom Hotelzimmer jeder
seiner Stationen. Manchmal sehen wir seine dicken, behaarten Waden und seine geschwollenen,
stinkenden Füße vom Blickwinkel seines Bettes. Sein Blog zu dieser Reise und zu diesem Projekt
schließt mit der Aussage: The Long Road from Tall Trees to Tall Houses turned out to be: distance:
5.352 km / 3.325 mi, elevation gain: 36.490 hm / 119.717 ft. Es scheint alles logisch und mechanisch.
Aber nein, da ist noch etwas anderes. Als er diese Ausstellung plante, sagte er zu mir: Seamus, ich
würde gerne ein verdammt großes Loch durch die alten Mauern des Ausstellungsraumes hinaus in
den Gang bohren.
Ich hielt ein paar Sekunden lang inne. Und dann sagte ich: Ok, lass es uns tun.
Wenn das kein fucking around ist, weiß ich nicht, was es sonst ist. Natürlich waren hier Gesten im
Spiel. Es war nicht so, dass Hans und ich zu viele Biere getrunken hatten und ich am Ende des
Abends gesagt habe, ja Hans, toll, scheiß drauf, lass uns einfach ein riesiges Loch in das historische
Gebäude bohren... Nein, ich habe dem vertraut, was er vorhatte. Er hat dadurch den Innenraum mit
dem Außenraum verbunden, als Fortsetzung seiner Reise. Auch in der Ausstellung selbst waren Zeit
und Raum immer noch in Bewegung. Sie waren ständig in Bewegung, vielleicht waren sie hinter ihm
hergereist und hatten ihn eingeholt, aber sie waren auch im Kontext der Ausstellung nicht anzuhalten
oder festzulegen und dennoch ein maßgeblicher und entscheidender Faktor. Seine Neigung, die Zeit
in Einheiten einzuschreiben, unterstreicht diese Geste. Etwas musste immer noch die Möglichkeit
haben, der Ausstellung zu entkommen, sich in ihr zu bewegen oder sie zu verlassen. Hans hat
vorgefundenes Material neu bearbeitet. Das Material ist die Zeit und der Raum seiner Reise. Hans’
Projekt war von Natur aus eine Untersuchung von Sein und Zeit. Das ist in seiner Einfachheit ein
tiefgründiges Kunstwerk. Aber das „fucking around“ in diesem Werk ist das, was das Werk pulsieren
lässt. Ich betone das, weil in der Tat immer die Gefahr besteht, dass Hans oder ein anderer Künstler
mit einer ähnlichen Taktik ein Werk schafft, das seinem Material so sehr ähnelt, dass es verschwindet.
Wir alle haben das in zeitgenössischen Kunsträumen schon erlebt, oder? Das ist der Teil des fucking
about... auf Englisch würden wir auch sagen, das ist das „to mess around with our heads“ Element,
das, was seiner Arbeit eine besondere Note verleiht. Ich spürte dieses Aufgeladen sein, als ich seine
Arbeit zum ersten Mal in der Secession sah, und es bestätigte sich, als ich Hans damals traf und
interviewte. Und es wurde erneut bestätigt, als ich ihn zweimal nach Kanada einlud, um auch dort
seine Arbeiten zu präsentieren. Und dann in Salzburg. Und nun ist diese Aufladung wieder hier in
dieser Ausstellung in der schönen Galerie Krinzinger spürbar.
Wohin führt uns also sein neues Werk?
Eine Zusammenfassung: Eine Pandemie passiert. Wir sind alle, großteils, voneinander isoliert. Einige
begeistern sich für neue Aktivitäten. Viele sehen fern. Andere leiden darunter, dass sich die
Weltwirtschaft dramatisch verlangsamt. Einige sterben an Covid, viele andere sterben unter
schlechten, unerträglichen Bedingungen. Eine kleine Minderheit profitiert in hohem Maße. Eine andere
Minderheit, aber größer, findet Zeit, ihren Individualismus zu vertiefen, indem sie neuen Aktivitäten
nachgeht. Eine weitere exzentrische Minderheit erweitert ihren Glauben an verrückte Ideen. Viele
andere tun sich zusammen, um sich gegenseitig zu unterstützen. Die Pandemie nimmt zu und nimmt
ab, verbessert sich an manchen Orten, verschlechtert sich an anderen, bleibt bestehen, wo
Ressourcen knapp sind. Wir sind immer noch mittendrin.
Es gab und gibt immer noch große Wellen des Leidens. Es gab Spaltung und Erneuerung durch die
Pandemie. Es gab diejenigen, die nichts daraus gemacht haben. Und es gab diejenigen, die aus dem
Nichts etwas gemacht haben. Hans ist einer von ihnen.
Ein Punkt der obigen Zusammenfassung bleibt: Veranstaltungen werden abgesagt. Leere Bühnen.
Ich kann euch sagen, dass das in Irland besonders hart war. 18 Monate lang gab es dort keine
legalen Gigs. Pubs ohne Musik sind wie Flüsse ohne Fische.
Das Nichtstattfinden dieser Ereignisse – diese Abwesenheit in Raum, Zeit und Erfahrung – ist eines
der Materialien, die Hans in dieser Ausstellung verwendet. Man könnte hier eine verschwindende
Handlung sehen, die sich wie eine kaputte Schallplatte oder eine Störung wiederholt. Dazu kommen
die Assoziationen und Erinnerungen, die wir vielleicht haben, wenn wir nicht nur daran denken, wann
wir das letzte Mal Live-Musik gesehen und gehört haben, sondern auch an die Referenzen, mit denen
Hans spielt: die kinky-kitschige Apokalypse von Iron Maiden (Apokalypse ist abgesagt, Jungs!), Dua-
Lipas Zukunfts-Nostalgie-Tour (eine ironische Wendung einer bereits groovigen, aber verwirrenden
Ironie) und natürlich Guns N’ Roses (welcome to the jungle baby), Pet Shop Boys und Patti Smith, all
diese nostalgische Musik, die nie verschwindet, nie verschwinden kann, wird auseinandergeschnitten
und wieder zusammengesetzt. Es gibt eine Art visuelles Wortspiel, in seinem Zerlegen und wieder
Zusammensetzen dieser Plakate, bestehend aus popkulturellen Assoziationen, unseren individuellen
und kollektiven Erinnerungen und Erfahrungen und unserem individuellen und kollektiven Vergessen.
Die Arbeit wird durch das Ausbleiben dieser Ereignisse angeheizt, wie individuelle Formen von
Zeitreisen im Kopf oder ein plötzlicher Ausbruch in ein Paralleluniversum, das aus Fragmenten
verschiedener verlorener oder möglicher Zeiten besteht.
Und dann präsentiert er uns eine Bühne, die aus diesen Plakaten oder bessergesagt aus
Plakatvorlagen besteht. Deshalb sehen wir manchmal einen einfachen Text, manchmal gespiegelten
oder manchmal gespiegelten und auf den Kopf gestellten Text. Hans nutzt die Mechanismen der
Plakatherstellung so, wie sie sich darstellen. Figuren aus Aluminiumschablonen und das Gerüst der
Bühnentechnik erscheinen wie unbeholfene Geister, die eine nicht vorhandene Menschenmenge
widerspiegeln. Als ich diese Bühne sah, erinnerte sie mich sofort an die Außenskulptur, die der
Künstler Kristan Horton 2008 für die Nuit Blanche in Toronto geschaffen hatte. Nuit Blanche ist das
Äquivalent zur Langen Nacht der Museen. Von weitem hörte man eine jubelnde, manchmal auch
johlende Menge, und wenn man sich näherte, sah man den Bühnenapparat und die Scheinwerfer.
Aber dann war da niemand. Aus den Lautsprechern dröhnte ein aufgezeichneter Sprechgesang der
Menge. Kristan parodierte eindeutig das Spektakel der Nuit Blanche (die bis zu 1 Million Besucher in
einer Nacht zählt) mit dieser tautologischen Art der Präsentation einer Bühne im Dunkeln, bei der wir
uns aufgeregt versammeln, um zu beobachten, nur um dann festzustellen, dass wir ausgetrickst
wurden. Auch Hans beschäftigt sich mit diesem Aspekt des Spektakels und der Bedeutungslosigkeit,
wenn auch vielleicht weniger pointiert. Er überlässt es uns, darüber nachzudenken und uns mit den
Ideen der „neuen Normalität“ oder der „Rückkehr zu guten alten Zeiten“ auseinanderzusetzen, die vor
allem in Bezug auf Kunst und Unterhaltung im Umlauf sind. Vielleicht will er uns damit auch sagen,
dass wir uns vor der Gefahr hüten sollten, dass das Spektakel wieder an die Stelle der kontemplativen
Beschäftigung tritt. Wir können ihn später bei einem Bier fragen.
Zu guter Letzt möchte ich noch das klemmende Garagenschiebetor erwähnen. Shut the Fuck Down,
so heißt es, und der Umstand, dass ich das F-Wort vorhin benutzt habe, scheint gerechtfertigt. Hans
hat die Schiebetür seines Ateliers nachgebaut und es als Eingriff in die elegante Architektur dieser
schönen Galerie mitgebracht. Es ist eine weitere Erinnerung daran, dass wir hier Betrachtungen über
das Universum, quasi aus dem Handgelenk heraus, präsentiert bekommen. Das heißt, das Universum
windet sich spiralförmig von ihm aus, und hier wieder der Verweis, zurück zu seinem Atelier.
Allerdings ist dies keine explizit egoistische oder solipsistische Erfahrung, sondern eher eine
kollektive, jedermenschliche Geste des Teilens, da wir auf seine Reise eingeladen sind und nicht von
ihm belehrt werden, was das alles zu bedeuten hat. Er leistet die Vorarbeit, manchmal sogar ziemlich
schwindelerregend, und wir können mitmachen, wie es uns gefällt.
Einer meiner Lieblingsaspekte an Hans’ Arbeit ist ihre Zugänglichkeit. Das spiegelt sich sicherlich
auch in seiner skurrilen Verwendung eines halbindustriellen Garagentors in dieser Ausstellung wider.
Hans’ Arbeit bietet uns durch ihre Präsenz, ihre Ähnlichkeit und ihr Echo auf das Alltägliche einen
poetischen Blick auf unsere gemeinsamen Wahrnehmungen; auf das, was geschehen ist, auf das,
was nicht geschehen ist, obwohl es hätte sein können, und auf das, was jetzt vor uns liegt.
Hans Schabus (geb. 1970 in Watschnig, Österreich) lebt und arbeitet in Wien.
1991–1996 Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Wien, seit 2014 Professur für Skulptur
und Raum an der Universität für angewandte Kunst Wien.
Auswahl Einzel- und Gruppenausstellungen: Museum der Moderne Salzburg, Rupertinum,
Salzburg, AT, (2019) GA, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, AT (2018) GA, Kunsthalle
Wien, Wien, AT (2018), GA, Cafe Hansi (Aufstellung), mumok – museum moderner kunst stiftung
ludwig, Wien, AT (2017), EA, The Long Road from Tall Trees to Tall Houses, kuratiert von León Krempel,
Kunsthalle, Darmstadt, DE (2017), EA und im Salzburger Kunstverein, Salzburg, kuratiert von Séamus
Kealy, (2016) EA, Vertikale Anstrengung, kuratiert von Bettina Steinbrügge, Belvedere 21, Wien, AT
(2012), EA, Daily Mirror, kuratiert von Ursula Krinzinger, one world foundation, Ahungalla, LK (2012),
EA, Revolutions – Forms that Turn, kuratiert von Carolyn Christov-Bakargiev, Biennale of Sydney, AU
(2008), EA, Innere Sicherheit, kuratiert von Bernhard Balkenhol, Kasseler Kunstverein, Kassel, DE
(2006), EA, Das letzte Land, kuratiert von Max Hollein, 51. La Biennale di Venezia, Österreich Pavillon,
Venedig, IT (2005), EA, Das Rendezvousproblem, kuratiert von Eckhard Schneider, Kunsthaus
Bregenz, Bregenz, AT (2004), EA, Transport, kuratiert von Harald Uhr, Bonner Kunstverein, Bonn, DE
(2003), EA, Astronaut (komme gleich), Secession, Wien, AT (2003), EA; Ausstellungen in der Galerie
Krinzinger und Krinzinger Projekte: Bruno Gironcoli, Hans Schabus, NÄCHSTE TÜRE LÄUTEN!,
Galerie Krinzinger, Wien, AT (2018), EA, AiR Sri Lanka, Krinzinger Projekte, Wien, AT (2012), GA, Joint
Venture, Galerie Krinzinger, Wien, AT (1996), GA; Preise: International Video Art Prize, Hamburg, DE
(2011), Arnold Bode Award, Kassel, DE (2006), Fine Arts Award of the City of Vienna, Wien, AT (2006),
Kardinal König Art Award (Erster Preisträger), Salzburg, AT (2005), Professor Hilde Goldschmidt Preis,
Kitzbühel, AT (2001)
