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posted 01. Apr 2023

Grace Ndiritu. Healing The Museum

01. Apr 202310. Sep 2023
01.04.2023 - 10.09.2023 **Grace Ndiritu. Healing The Museum** Healing The Museum takes a retrospective look at Grace Ndiritu’s diverse practice over the last twenty years. This multi-layered exhibition project encompasses performance, film, shamanism, social actions, publications, textile work and collection research. The artist seeks to re-energise the museum space and to make it – and by extension society in general – more ethical. In this remarkable exhibition, Ndiritu will take visitors on a holistic journey through the museum spaces and address themes such as protest, ecology, inclusion and sexuality. The journey ends at an architectural structure designed by the artist, ‘The Temple’. This will house a critical collection display and function as a spiritual space for encounter, transition and healing. As part of her long-term, on-going project Healing The Museum, Grace Ndiritu is also currently active as an artist-in-residence at S.M.A.K. In the run up to the construction of a new museum, she is working with the staff and members of the public on ‘A Spiritual Inventory of a 21st Century Museum’. The aim is to reflect upon the interpretation of the future organisation. In conjunction with the exhibition and residency, Motto Books will publish the first monograph dedicated to Grace Ndiritu’s oeuvre. Biography Grace Ndiritu Grace Ndiritu is a British-Kenyan artist whose artworks are concerned with the transformation of our contemporary world. Ndiritu has been featured in The Guardian, Artforum, Art Review, TIME and Phaidon’s The 21st Century Art Book. Her work can be found in museum collections such as The Metropolitan Museum of Art (New York), The British Council (London), LACMA (Los Angeles) and The Modern Art Museum (Warsaw). Her experimental art writing and images have been published by Migros Museum, Bergen Kunsthall, Whitechapel Gallery, The Paris Review, MIT Press, the art magazine Metropolis M, and Oxford University Press. Ndiritu’s archive of over forty ‘hand-crafted’ videos, textiles, painting, experimental photography, shamanic performances and films have been widely exhibited, including at The British Art Show (2021 to 2023), Wellcome Collection, London (2022), Gropius Bau, Berlin (2022), Kunsthal Gent (2021), Nottingham Contemporary, UK (2021), and at international film festivals such as the 72nd Berlinale, FID Marseilles and BFI London Film Festival (2022). She is winner of The Jarman Film Award 2022, presented in association with Film London.

artist

Grace Ndiritu 
S.M.A.K. Ghent

S.M.A.K. Stedelijk Museum voor Actuele Kunst | Jan Hoetplein 1
B-9000 Ghent

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posted 31. Mar 2023

Michel Majerus - The Sense Machine

31. Mar 202301. Oct 2023
31.03.2023 - 01.10.2023 **Michel Majerus The Sense Machine** Kuratorin: Bettina Steinbrügge, assistiert von Clémentine Proby In der kurzen Dauer seiner außerordentlich produktiven Karriere gelang es Michel Majerus (1967, Esch-sur-Alzette - 2002, Niederanven), den Geist seiner Zeit, jener durch einen sich global ausbreitenden Konsum und von einer zunehmend digitaler Technologie geprägten Jahrzehnte zu erfassen. Seine großformatigen Gemälde und Installationen zeichnen sich durch ein collageartiges Sampling von Versatzstücken aus, die er aus einem äußerst heterogenen Fundus von Bildern und Texten aus der Kunstgeschichte, von Videospielen, aus der Werbung oder der elektronischen Musik schöpft und mit dem er auf den verrückten Hunger nach Bildern und Informationen in der Zeit des die Gesellschaft durchdringenden noch jungen Internets antwortet. In seiner Arbeit überschritt Majerus die gewohnten Regeln der Malerei und schuf unverwechselbare Interpretationen der Popkultur der 90er und der frühen 2000er Jahre, deren Relevanz bis heute nicht nachgelassen hat. Majerus’ malerische Installationen untersuchten meist die wachsende Bedeutung des Digitalen. Sie erlaubten den Besuchern, sie zu betreten, was ihnen auf immersive Weise eine körperliche Erfahrung dieser Zunahme des Visuellen vermittelte. SINNMASCHINE (1997), die als Teil der Ausstellung im Grand Hall des Mudam steht, gehört zu diesen Arbeiten. In Anspielung auf das Album The Man-Machine (1978) der deutschen Elektropop-Band Kraftwerk ist ihr Boden als Dancefloor gestaltet, von dem die Schritte der Besucher widerhallen. Indem es auf spielerische Weise das Vokabular aus Unterhaltung, Werbung und Nachrichten vermengt, verweist dieses Kunstwerk auf die Gleichförmigkeit des Geschmacks in einer vom globalisierten Kapitalismus geprägten Gesellschaft. Majerus arbeitete mit dem Bilderfundus aus dem Internet, als das Informationszeitalter noch in seinen Kinderschuhen steckte. Zusätzlich zu SINNMASCHINE präsentiert die Ausstellung noch einige weitere Gemälde von Majerus. Doch statt einen retrospektiven Überblick geben zu wollen, konzentriert sich die Ausstellung auf Majerus’ Arbeitsmethoden, indem erstmalig Archivdokumente aus dem Nachlass von Michel Majerus gezeigt werden. Durch seine Notizbücher, seine Bücher und durch Videoaufnahmen bekommt man eine Ahnung von der faszinierenden Art und Weise, in der Majerus der Welt, in der sein Leben stattfand, Sinn gab – und auf sprichwörtliche Weise eine „Sinnmaschine“ konstruierte. Als aufmerksamer Beobachter der ihn umgebenden Welt, also der Szene einer sich neu entwickelnden globalen digitalen Bildsprache, hielt er seine Gedanken und Eindrücke fest in den Zeichnungen und Texten in seinen Notizbüchern. Die Bücher seiner Bibliothek und seine Videoaufnahmen in VHS, die in der Ausstellung zu sehen sind, führen uns ein in die Welt des Künstlers und erlauben einen verstehenden Zugang zu seinen vielseitigen Interessen wie auch zu den Dingen, die ihn inspirierten und aus denen einige seiner bedeutendsten Werke, wie die SINNMASCHINE, hervorgingen. Biografie Michel Majerus (1967, Esch-sur-Alzette - 2002, Niederanven) studierte an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart, bevor er nach Berlin zog, wo er, mit Ausnahme eines einjährigen Aufenthaltes in Los Angeles, bis zu seinem frühen Tod durch einen Flugzeugabsturz im Jahr 2002 lebte und arbeitete. Sein Werk wird in Einzelausstellungen im KW Institute of Contemporary Art, Berlin, im Hamburger Kunstverein und im Neuen Berliner Kunstverein gezeigt werden, neben dreizehn weiteren Museen, die Werke von Majerus aus ihrer Sammlung zeigen werden im Rahmen von Michel Majerus 2022, einer in Deutschland stattfindenden Ausstellungsreihe zu seinem Gedenken. Frühere Einzelausstellungen fanden im Kunstmuseum Stuttgart (2011), im Mudam Luxembourg (2006), im Stedelijk Museum, Amsterdam (2005), im Kunsthaus Graz (2005), in den Deichtorhallen Hamburg (2005), in der T te Liverpool (2004) im Hamburger Bahnhof, Berlin (2003) und in der Kunsthalle Basel (1996) statt.
MUDAM Musée d´Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxemburg

MUDAM | 3, Park Dräi Eechelen
L-1499 Luxemburg City

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posted 30. Mar 2023

Perspectives on place

21. Apr 202102. Mar 2023
21.04.2021 - 02.03.2023 **Perspectives on place** MCA Collection This major new display reimagines the MCA’s Level 2 galleries, which are dedicated to the Museum’s permanent collection. MCA Collection: Perspectives on place brings together artworks that explore the social and physical aspects of place. It has been imagined as an expanded map, which weaves together a picture of the world made from rituals, memories, metaphors, imprints and repurposed materials. The works stem from specific sites to illuminate broader ideas around geopolitics and environmental change, communal life and custodianship. Collectively they reveal how the notion of place is entwined with different cultural perspectives on time, history and belonging. The exhibition is drawn from the MCA’s diverse collection of over 4500 artworks. It includes recent acquisitions, collection highlights and works owned jointly with Tate, London, through a groundbreaking international partnership. Since its inception in 1989, the Museum has acquired new and recent works by living artists across all media, shaping a distinctive history of art from Australia as it unfolds. A new Artist Room dedicated to the work of David Malangi Daymirringu has been unveiled as part of the display. Curator Anneke Jaspers Artists Khadim Ali, Louisa Bufardeci, Maria Fernanda Cardoso, Megan Cope, Bonita Ely, Janet Fieldhouse, Emily Floyd, Fiona Foley, Gunybi Ganambarr, Simryn Gill, Bianca Hester, Mason Kimber, Rosemary Laing, Robert MacPherson, Peter Maloney, Minnie Manarrdjala, Nicholas Mangan, Martu Artists, Kumpaya Girgirba, Kanu Nancy Taylor, Ngalangka Nola Taylor, Ngamaru Bidu, Wokka Taylor, Muuki Taylor, Jakayu Biljabu, Bowja Patricia Butt, Noelene Girgirba, Angelica Mesiti, Yukultji Napangati, Tom Nicholson, Raquel Ormella, Maria Josette Orsto, Shirley Purdie, Yasmin Smith, David Stephenson, Angela Tiatia, Alick Tipoti, Justin Trendall

curator

Anneke Jaspers 
MCA Sydney

MCA NORTH, The Rocks, 140 George Street
Sydney

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posted 29. Mar 2023

Betye Saar. Serious Moonlight

25. Feb 202318. Jun 2023
opening: 24. Feb 2023 06:00 pm
25.02.2023 - 18.06.2023 Vernissage: 24.02.2023 18:00 **Betye Saar Serious Moonlight** Die poetischen Installationen von Betye Saar (*1926) verleiten zum Schwelgen und Träumen, doch ihr Ursprung ist von ganz anderer, erschütternder Natur. Die amerikanische Künstlerin reflektiert mit ihren installativen Werken, Objekten und Zeichnungen Schwarze Identität, die Geschichte des Rassismus in den Vereinigten Staaten, die zähe Beständigkeit diskriminierender Denk- und Verhaltensmuster in der westlichen Gesellschaft. Betye Saar stellt dem die Kraft der Poesie gegenüber und schafft so eine intensive Auseinandersetzung mit bedrückenden Themen. Für ihre Assemblagen, die auch als ästhetischer Aktivismus verstanden werden können, lässt sich die Künstlerin unter anderem auf Reisen inspirieren. Betye Saars künstlerisches Werk ist autobiografisch, spricht aber auf universelle Weise über die erniedrigende kollektive Erfahrung Schwarzer Menschen in den USA und deren Geschichte – von der Sklaverei nach der Kolonisierung Amerikas im Jahr 1492 bis heute. Betye Saar verwendet für ihre Arbeiten Fundstücke und Alltagsgegenstände aus ihrer direkten Umgebung. Diese Materialien zeugen von ihrem Interesse am Konkreten, an der Untrennbarkeit von Kunst und Leben.

artist

Betye Saar 
Kunstmuseum Luzern

Europaplatz 1
CH-6002 Lucerne

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posted 28. Mar 2023

YURI ANCARANI

28. Mar 202311. Jun 2023
28.03.2023 - 11.06.2023 **YURI ANCARANI** curated by di Diego Sileo e Iolanda Ratti As every year, PAC is at the forefront of Italian contemporary art. Born in Ravenna in 1972, Yuri Ancarani lives and works in Milan. Drawing inspiration from an original and accurate mixture of documentary film and contemporary art, Ancarani has participated in numerous festivals, including the New Director/New Films MoMA NY, TIFF Toronto and Venice Film Festival. He was awarded the Special Award for young filmmakers at the 69° Locarno Film Festival.

artist

Yuri Ancarani 
PAC Milan °

Padiglione d´Arte Contemporanea | 14, Via Palestro
20121 Milan

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posted 27. Mar 2023

Peter Joseph: The Window Paintings

10. Feb 202315. Apr 2023
Peter Joseph: The Window Paintings Shanghai, 10 February – 15 April 2023 “Paint is not just colour, it’s light and air that I’m trying to portray on the canvas, dark and light… I’m trying to paint the atmosphere, trying to paint light itself. My works are primarily sensualist in the sense of colour, light, tone.” –– Peter Joseph Lisson Gallery is honoured to present a body of rarely seen paintings by the late British artist, Peter Joseph, in his debut solo exhibition in China. Created between 2006 and 2011, this selection of works marks a relatively brief yet pivotal phase in the artist’s career, which saw the transition from his widely recognised early geometrical and minimal ‘Border’ paintings (1980s – 1990s), to a series of freer and more openly lyrical works known as 'The New Painting' (2014 – 2020). As one of only a handful of artists to exhibit at Lisson Gallery during its inaugural year in 1967, Joseph was the gallery’s longest serving artist before his death in 2020, with over five decades of collaboration and friendship with the founder Nicholas Logsdail. After an initial career in graphic design, Joseph came to prominence as self-taught artist in the mid 1960s with a collection of abstract paintings comprising simple shapes in primary colours. In 1971 while at the cinema, he was mesmerised by a blank screen – the centre area lit, and with a black border – after the projector broke down. This experience led to the inception of his signature ‘Border’ series in the 1970s, which he then pursued with an unwavering focus for the following 35 years. Based on a deceptively simple motif, the series is characterised by a painted rectangle of a lighter tone set within a border of a darker colour. In 2006, Joseph began to create works that retained a simplicity of form, which he called 'The Window Paintings', as presented in the Shanghai gallery. Each work remains limited to two colours and set in a geometric framework, but divided by a centre line, either horizontally or vertically, and with hitherto unseen areas of painterly gesture. Through the placing of two tonalities – one lighter, one darker – side by side, there is a sense of freedom that exists outside of the geometry of his earlier work, expressing an ultimate impression of balance. Understatedly elegant and graceful, the colours are shades of grey, ochre, blue and lilac. Describing himself as a classicist, Joseph’s abiding interest was in the work of classical artists, particularly Claude Lorrain and Watteau, whose work he regarded as “vehicles for the imagination as well as transcriptions of so-called reality”. Observed from the hillside on which his home and studio were perched in the Cotswolds, Joseph's work became increasingly suggestive of nature, and the shifting clouds and light in the valley below. The artist sought to conjure the density and structure of nature via the abstract relationships between colour, light and form.

artist

Peter Joseph 
Lisson Gallery, Shanghai

2/F, 27 Huqiu Road, Huangpu District
200002 Shanghai

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posted 26. Mar 2023

Irmel Kamp. Architekturbilder

29. Jan 202323. Apr 2023
opening: 29. Jan 2023 12:00 pm
Irmel Kamp. Architekturbilder 29. Januar - 23. April 2023 30. Eröffnung: Sonntag, 29. Januar 2023, 12 Uhr Zur Eröffnung sprechen: Verena Schloemer, Vorsitzende des Kulturausschusses der Stadt Düren
Dr. Jochen Link, Leiter Referat Visuelle Künste, Provenienz am Ministerium für Kultur und Wissen- schaft des Landes Nordrhein-Westfalen
Anja Dorn, Direktorin Leopold-Hoesch-Museum, Düren
Markus Mascher, Kurator Leopold-Hoesch-Museum, Düren das Leopold-Hoesch-Museum eine groß angelegte Werk- schau der Fotografin Irmel Kamp, die deren künstlerisches Schaffen erstmals umfassend würdigt. Zu sehen ist eine Auswahl an Arbeiten aus den vier großen - (1987- -2006). Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Museum für Photographie Braunschweig und wird begleitet von einem Ka- talog (dt./engl.), erschienen im Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König. Irmel Kamp [\*1937 in Düsseldorf, lebt und arbeitet in Aachen und Stäfa (CH)] widmet sich in ihrem künstlerischen Werk Phänomenen regionaler Architekturen. Ausgehend von Begegnungen mit spezifischen Erscheinungsformen insbesondere der europäischen Architekturmoderne schafft sie charakteris- tische Werkgruppen. Dabei geht sie grundsätzlich seriell vor, verwendet ausschließlich Schwarzweißfotografie und wählt stets eine Position, die als öffentlicher Standort den Umraum miteinbezieht, zu- gleich aber die Prägnanz der architektonischen Form markant zum Ausdruck bringt. Nach einer Ausbildung zur Metallografin, die ihr unter anderem genaue Kenntnisse fotografischer Techniken vermittelte, entschloss sich Irmel Kamp in den 1970er Jahren dazu, als freie künstlerische Fotografin zu arbeiten. Irmel Kamps Interesse an Architektur, architektonischen Strukturen und deren Bedeutung für die Prägung kultureller Landschaften war dabei von Beginn an ihr künstlerischer Impuls. Seit ihrer Jugend vertraut mit der Region Ostbelgiens erkundete sie später auf zahlreichen Exkursionen die Gegend zwischen Aachen und Lüttich. So entstand ihre erste große Werkgruppe "Zink", die mit Platten aus Zinkblech verkleidete Fassaden ländlicher Architektur zeigt. Lange Zeit unter dem Na- men Neutral-Moresnet beziehungsweise Altenberg bekannt, wurde hier während des 19. Jahrhunderts in großem Umfang Zink abgebaut, das vor allem als einheitliche Bedachung bei den städtebaulichen Maßnahmen Baron Haussmanns in Paris sowie als Werkstoff für zahlreiche Alltagsgegenstände zum Einsatz kam. Und so wurden Zinkbleche auch in unterschiedlichen schindelförmigen Anordnungen zum Schutz der Wetterseiten von bestehenden Wohn- und Nutzbauten im ländlichen Raum Ostbelgiens verwendet und zwar als seinerzeit modernes Bauelement, das die lokale Architektur formal stark prägte. Durch ihre Aufnahmen von Fassaden und Gebäudeensembles, die zugleich die Gegebenheiten vor Ort berücksichtigen und mit ihnen arbeiten, hat Irmel Kamp ein künstlerisches Dokument einer sich aus den Bedingungen des Standorts ergebenden und zugleich einem Gestaltungswillen folgenden Formfindung geschaffen.

artist

Irmel Kamp 
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posted 25. Mar 2023

Klimt. Inspired by Van Gogh, Rodin, Matisse..

25. Jan 202329. May 2023
ort: Unteres Belvedere Klimt. Inspired by Van Gogh, Rodin, Matisse.. 03.01. - 29.05.2023 Klimt. Inspired by Van Gogh, Rodin, Matisse … entstand in enger Zusammenarbeit mit dem Van Gogh Museum, in dem die Ausstellung 2022 erstmals zu sehen sein wird. 2023 zeigt das Untere Belvedere die umfassende Präsentation. Die ausgewählten Vergleiche der Bilder von Gustav Klimt mit Kunstwerken, die ihn nachweislich inspiriert haben, ermöglichen spannungsvolle Konfrontationen mit Werken von Alma-Tadema, MacDonald-Macintosh, Toorop und Whistler, sowie Monet und Rodin bis hin zu van Gogh und Matisse. Sie zeigt etwa neunzig Gemälde, Zeichnungen und Skulpturen von Gustav Klimt und anderen Künstlerinnen und Künstlern. Kuratiert von Markus Fellinger (Belvedere, Wien), Edwin Becker (Van Gogh Museum, Amsterdam) und Renske Suijver (Van Gogh Museum, Amsterdam).
Belvedere, Wien

Prinz Eugen-Straße 27
A-1030 Vienna

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posted 24. Mar 2023

NICOLE EISENMAN. WHAT HAPPENED

24. Mar 202310. Sep 2023
opening: 23. Mar 2023 07:00 pm
24.03.2023 - 10.09.2023 Eröffnung: 23.03.2023, 19 Uhr **NICOLE EISENMAN. WHAT HAPPENED** Nicole Eisenman (*1965) brilliert in jedem Medium, nicht aber ohne es zuvor ordentlich gegen den Strich zu bürsten. Traditionen der europäischen Malereigeschichte werden von Queerness und Popkultur durchwandert und idealtypische Körperbilder in gleichermaßen gigantischen wie grotesken Skulpturen dekonstruiert. Dabei blickt Eisenman oftmals ironisch, aber immer voll Empathie auf die Misere des menschlichen Daseins. Eisenman zählt seit den 1990er-Jahren zu den Protagonist:innen der Kunstszene New Yorks und gehört heute zu den einflussreichsten künstlerischen Positionen der Gegenwart. Das Museum Brandhorst zeigt mit einer großen Schau erstmals die gesamte Bandbreite des drei Dekaden umfassenden malerischen und bildhauerischen Werks. Ein Werk, das auf anarchische Art stets vermag, Hommage und zugleich Kritik an seinem eigenen Sujet zu sein, und dessen Relevanz kunsthistorisch und gesellschaftlich, politisch und zutiefst menschlich ist. Eine Kooperation zwischen dem Museum Brandhorst und der Whitechapel Gallery Kuratiert von Dr. Monika Bayer-Wermuth und Dr. Mark Godfrey
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posted 23. Mar 2023

Edith Dekyndt

08. Feb 202331. Dec 2023
08.02.2023 - 31.12.2023 **Edith Dekyndt** “With the collapse of the market economy, we begin to see the monuments of the bourgeoisie as ruins before they have even crumbled”. (Walter Benjamin) Following Bertrand Lavier and Anri Sala, Belgian artist Edith Dekyndt will take over the Passage display cases of the Bourse de Commerce. Closely linked to commercialisation and colonisation, the notion of the vitrine arose with industrialisation and the first world’s fairs. It was based on this fact and on the imposing, structural presence of the panoramic canvas in the Rotunda that Edith Dekyndt has constructed her project, which reveals her deep-seated interest in things using the concepts of still life, tableaux vivants, and active objects. The artist is interested in images “as a phenomenon of appearance and resurgence in motion”, as she describes it. Edith Dekyndt uses these subjects to comment on the appearance of the artwork and its status, ultimately to address an ambiguity, a suspension between two states: that of the object and that of the artwork, which she explores to its utmost limits. The non finito, or unfinished, is a key component of Edith Dekyndt’s work; her particularly open-ended creative process focuses on the notion of process and exploring ideas and experiences. Her study of movement and of the transformation of elements describes the ineffable degrees and variations in atmospheric colour, light, and perspective. For the vitrines at the Bourse de Commerce, Edith Dekyndt has composed loose arrangements of domestic objects (broken, fallen, collected, recovered, posed, covered, repaired, immersed, hung, suspended, floating, or otherwise) that recall the tradition of the theatre of objects, among other things. These arrangements are interspersed with three videos that also address the “fascinating existence of things”. These “scenes”, at once silent and alive, immobile and energetic, in which time is suspended, disconcert us in the same way that the artist was moved when she discovered Vermeer’s paintings in her twenties. This “molecular” painting adopts an almost organic approach to living things, and the extreme precision of the elements (light, texture, objects) has greatly nourished her artistic process. These works lead viewers to contemplate their enhanced ability to look directly at a unique physical and mental experience that encompasses the object per se and the place of its presentation. Inspired by Bruno Latour’s “actants”, Edith Dekyndt defines her compositions and her objects as “patient”, because all these objects that she activates are waiting to be found, repaired, and transformed by chemical, physical, meteorological, and atmospheric factors. Edith Dekyndt’s work is formed by this intermingling of doing and seeing. As a starting point for this vitrine project, Edith Dekyndt decided to use her video that has recently become emblematic and viral,2 Ombre indigène (2014), in which we see a flag made of cut black hair that was planted on top of Diamond Rock on Martinique. It was here that, on the night of 8–9 April 1830, a merchant ship smuggling some one hundred African captives ran aground before being totally destroyed. Filmed next to the tomb of Martinican philosopher Édouard Glissant, this video is an homage to the person who formulated the concept of “tout monde” and “creolisation”. It is the polysemic nature of this piece, and of Edith Dekyndt’s work in general, that grabs our attention. In creating this work, Edith Dekyndt has composed a tableau moving at a slow, languid, meditative, and hypnotic pace depicting something that, years later and in another context, would become a central gesture of a contemporary resistance movement.

artist

Edith Dekyndt 
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posted 22. Mar 2023

SHE HAD ALREADY LEARNED TO BREATHE UNDERWATER - SOPHIE UTIKAL

11. Mar 202329. Apr 2023
11.03.2023 - 29.04.2023 ERÖFFNUNG: FR 10.03. 2023 18:00 Begrüßung: Daniela Lanziner Mühlberger (Obfrau), Dr.in Ivana Marjanović & Sophie Utikal 19:00 Konzert: Hyeji Nam "SHE HAD ALREADY LEARNED TO BREATHE UNDERWATER" SOPHIE UTIKAL Kuratiert von Ivana Marjanović Als Beitrag zum 8. März, dem Internationalen Frauen*Kampftag, zeigt Sophie Utikals Einzelausstellung aktuelle Arbeiten, die Konzepte von Miteinander und Resilienz im Kontext der Klima- und anderer Katastrophen stärken. Aus der Position der Agency, der Handlungsmacht von Women* of Colour, beschäftigt sich Sophie Utikal mit Körpern, Migrationserfahrungen, multiplen Zugehörigkeiten und daraus resultierenden Widersprüchen. Die Künstlerin schafft traumähnliche Szenen und Landschaften auf Textilien, die kollektive Empowerment-Rituale, Praktiken der Fürsorge und neuerdings imaginäre zukünftige Transformationen des Lebens auf der Erde adressieren. Klangstücke der Künstlerin und Musikerin Hyeji Nam begleiten die Ausstellung und tragen zur Reflexion über die Schaffung neuer Welten bei. Sophie Utikal wurde in Tallahassee, USA geboren und lebt derzeit in Berlin. Die Ausstellung zeigt textile Arbeiten, die in den letzten Jahren entstanden, sowie neueste Werke, darunter eine Installation, die speziell für den Kunstraum produziert wurde. Inspiriert von populärem Kunsthandwerk von Frauen* aus Südamerika, der arpillera, bunten Patchworkarbeiten, hat Sophie Utikal ihre eigene wiedererkennbare visuelle Sprache entwickelt, die sich aus reduzierten figurativen Formen zusammensetzt, die aus grob zusammengenähten Textilstücken bestehen. Ihre „brutale“ Art des händischen Nähens, die symbolisch die „Wunde“ sichtbar lässt, wird ausbalanciert durch freundliche und frische Farben und Kompositionen. Der Wechsel von Freude zu Schmerz und wieder zurück zu Freude ist eine künstlerische Methode, um komplexe Gefühle und Themen zu vermitteln. Diese reichen von Liebe, Solidarität, Entfaltung, Schmerzempfindung, Regeneration, Ko-Abhängigkeit bis zum Überleben. In den letzten Jahren konzentrierte sich Sophie Utikals Bilderwelt vorwiegend auf die Darstellung von Frauen, die ruhige Gespräche führen, in Kontemplationen versunken sind, oder die für sich selbst und einander einstehen, unabhängig von ihren Rollen im Dienst des Patriarchats (zum Beispiel Fluids (2017), Within Me (2021), Ocean of Tears (2020)). Diese sinnlichen, gesichtslosen Frauen stellen symbolische Figuren des Wandels dar und erscheinen oft in Verbindung mit Wasser und Flüssigkeiten. Darüber hinaus umfassen sie mehr als die Figur einer Frau; sie können sich auf eine Art weiblicher innerer kreativer Energien oder spiritueller Zustände beziehen, auf ein Handeln im Jenseits oder, letzthin, sogar auf nicht ganz menschliches Handeln. Sie sind Teil der Gesamtheit aller lebenden und unbelebten Wesen, und das ist es, was ihr Schicksal bestimmt. Wie Sophie Utikal sagt: „Auch wenn eine der Frauen allein auf einem Stück Stoff lebt, gehören sie alle zusammen. Ob ich damit nun verschiedene Menschen meine, oder mich selbst in der Vielfalt und Widersprüchlichkeit meiner Selbst, ist eigentlich nicht so wichtig. Es geht um die Begegnung im Miteinander, mit sich und der Umgebung.“ Sophie Utikals Arbeiten basieren auf Erinnerungen und Wissen über ihre eigene (Familien-)Geschichte und deren diasporischen Weg von Süd- nach Nordamerika und dann nach Westeuropa. Die Künstlerin übersetzt reale Lebenserfahrungen von Differenz und grenzüberschreitenden Kämpfen in Reflexionen über Wege der inneren und kollektiven Transformation. Das Leben zwischen den Welten, die Suche nach Strategien zum Nähren und Pflegen des Körpers und seine Reinigung von verinnerlichten hegemonialen Ideologien sind einige der Aspekte, die ihre Kunstwerke verarbeiten. Sophie Utikal verwandelt jedoch die Spuren sozialer Verletzungen in kraftvolle Bilder, die in die Regeneration und Erhaltung des Lebens investieren. Der Blick nach innen, das Wahrnehmen des eigenen Körpers (alleine oder gemeinsam), das Verbundenbleiben, das Hören und Heilen stellen überzeugende Praktiken dar, die darauf abzielen, rationales Wissen sowie neoliberalen Produktivitätsdruck anzufechten und aus den aufgezwungenen zeitlichen und räumlichen Bindungen in die eigene Raumzeit einzutreten. "Ich wollte mir einen Ort vorstellen, an dem man sich zum Überleben nicht von sich selbst trennen muss, an dem mich keine Strukturen gefangen nehmen, weil ich meinen Körper hören kann, wo ich mir erlaube, meine Frustrationen zu fühlen, weil ich weiß, dass sie mich bewegen werden, wo meine Angst mich scharf und präzise macht, wo meine Wut mich alles, was mich stört, beenden lässt und wo mein Ausruhen nicht als Zeitverschwendung, sondern als Verantwortung angesehen wird", erklärt die Künstlerin in ihrer Diplomarbeit von 2019. Ihre neuesten Kunstwerke entwickeln sich aus der Arbeit Those Inbetween (Water me), 2022 und stellen einen ästhetischen Wandel dar, bei dem sich Sophie Utikal von imaginären Darstellungen, die auf Autofiktion basieren, in die Welt der Fantasie begibt, die durch Angst und Ungewissheit über die Zukunft des Lebens auf dem Planeten Erde getriggert und inspiriert wird. Dieser neue künstlerische Ansatz spiegelt den Wechsel von weichen Textilstoffen, Pastellfarben und beruhigenden Formen zu härteren Materialien (z. B. Kunstleder oder upgecyceltem Leder) und raueren Designs wider. Dies könnte als Erweiterung der Narrative von selbst- und kollektiven Praxen der Unterstützung der Gegenwart zu zukünftigen, durch Knappheit und Mangel verursachten Transformationen angesehen werden. Das Schmelzen der Gletscher, extreme Trockenheit oder Niederschläge, die Energiekrise, das Artensterben – alles Themen, die von den Umweltbewegungen seit Jahrzehnten diskutiert werden, sind erst in jüngster Zeit in das kollektive Bewusstsein eingedrungen und verändern die Art und Weise, wie wir uns auf die Gegenwart und die Zukunft beziehen. Auch wenn die Werkserie I thought we had more time (2021) mehrere Referenzen haben mag, kann sie uns nicht nicht an die Prognose denken lassen, dass wir es als menschliche Spezies nicht ewig in dieser Form auf der Erde und im Universum schaffen werden. Das Überleben in der gegenwärtigen Form, limitiert durch soziale Diskriminierungsmechanismen, die aus ideologischen Fiktionen (von Rasse, Nation usw.) resultieren, verlagert sich auf die Frage, ob wir überhaupt als organisches Leben überleben können. Auf diesem Weg in die Ungewissheit und das Chaos werden wir uns viel radikaler verändern müssen als diejenigen, die jetzt Grenzen überschreiten, unsichtbar werden oder jemand oder etwas anderes werden, um zu überleben. Daher könnte man sagen, dass diese Ausstellung auch darüber nachdenkt, wie diese neue, härtere Welt aussehen könnte, und versucht sich vorzustellen, wie wir darin gemeinsam leben, in der Verbundenheit grenzüberschreitender Körper und vielleicht sogar über das Leben hinaus. Inmitten dieser scheinbar melancholischen Meditation könnte es tröstlich sein, eine Art „Spezien-Zentrismus“ zu überwinden und den gesamten Baum des Lebens, von dem der Mensch ja nur ein kleiner Zweig ist, neu zu betrachten und vielleicht auf die Kräfte der Evolution des Lebens zu vertrauen. Wie Sophie Utikal feststellt, "hatten wir schon einmal gelernt, unter Wasser zu atmen. Im Schoß unserer Mutter", und ich würde hinzufügen, dass wir es schon gelernt haben, bevor wir überhaupt Menschen wurden. Sophie Utikal studierte kontextuelle Malerei an der Akademie der bildenden Künste in Wien in der Klasse von Ashley Hans Scheirl. Sie ist Mitherausgeberin des Buches Anti*Colonial Fantasies / Decolonial Strategies (Wien 2017). Ihre Kunstwerke wurden in Kunstinstitutionen in ganz Europa ausgestellt, wie der Kunsthalle Wien (2021), Kristianstads Konsthall (2021), Mediterranea Biennale 19 in San Marino (2021), Museion Bolzano (2018), und vielen anderen. Ihre vergangenen Einzelausstellungen zeigten der Neue Wiener Kunstverein (2022) und die Galerie im Turm (2020). Weitere Informationen zur Künstlerin HIER Text: Drin Ivana Marjanović *Das Wort „Frau“ ist hier gebraucht als soziale und nicht als biologische Kategorie und bezieht sich auf alle, die sich damit identifizieren. * Künstlerinnentext Ihr Meer von Tränen und Tropfen / Es irgendwie in einer fremden Umgebung schaffen Meere, Tränen und Himmel In Wellen Zu anderen Körpern werden Wir hatten bereits gelernt, unter Wasser zu atmen. In ihrem Bauch wurden meine Lungen mit Sauerstoff genährt durch das Wasser ihres Seins. Ständig in Bewegung, rotieren in einem schwarzen Raum, gefüllt nur von flüssigen Formen und warmen Mustern und das Schlagen unseres schnellen und ihres langsamen Herzens zusammen. Ein anderer Rhythmus, dennoch verbunden durch die gleiche Liebe für das Leben. Und was ist dann geschehen? Was ließ uns vergessen? Was bewirkte den Bruch? Lügen. Schweigen. Nicht zu sagen, was wahr war oder warum. Doch die Steine verschmelzen weiter, lösen sich auf Werden zu jemand anderem Die Sanftheit eines einzelnen Tropfens Die Welten der Empfindlichen Unsere Stimmen haben sich verändert, sie sind so tief geworden, dass wir sie nicht mehr wiedererkennen, wir können sie nicht unterscheiden, sie klingen fast gleich. Und mit ihren letzten Worten, tritt sie langsam in eine neue Zeit ein, verändert sie die Zeitrechnung und bewegt sich in einer neuen Dimension, einer Dimension, wo ihr Körper weiter und größer und durchlässig wird, wie ein sehr sehr dichter Nebel. Sie bedeckt alles. Groß, lockig, weich und wellig. Ich wandere durch meine Tage Auf der Suche in mir Wo ist diese freie Person? Ich versuche mich einzulassen auf meine Verwirrung, Unsicherheit und mein Chaos. Auf welche Zukunft bereite ich mich vor? In verschiedene Länder und soziale Klassen migrieren, hin und her ziehen, Pässe und Freund*innen zurücklassen. So viele Teile und Versionen von mir selbst zurücklassen. Aber die Leere, die fehlenden Stücke, die bleiben bei mir. Und in der Mitte dieser Leere wird ein neues Leben wachsen. Alles zur gleichen Zeit. Tränen der Sanftheit Tränen aus Blut, Lymphe, Schweiß und Spucke Die Weichheit unserer Organe die sich mit warmem Blut vollpumpen Alle Grenzen überschreitend, mich auffordernd, überzulaufen als hätte sie keine Haut Auf der Suche nach einer Zukunft, in der wir weniger Schaden anrichten wo wir überleben können, ohne alle zu zerstören. Versuche, die Hoffnung nicht aufzugeben. Arbeite an den Stellen, die du erreichen kannst. Es gibt nichts, was der Atem nicht bewegen kann Versuche, auf jeden Tropfen zu hören Der uns Geschichten über die Tiefe des Ozeans erzählt All die verschiedenen Körper, die sie durchlaufen haben Das Wasser in mir ist dasselbe wie das Wasser in dir Mit den Toten zusammenarbeiten, ihre Häute zu neuen Körpern umgestalten, Häute, die weggeworfen wurden, beschädigte Häute, gequälte Häute, gebrochene Häute, Häute, die als wertlos bezeichnet wurden. Wir versuchen, sie und ihre Erinnerungen zu retten, sie zu ehren in unserer Welt, die bald untergehen wird. Sophie Utikal (2023) * VERANSTALTUNGEN WORKSHOP MIT SOPHIE UTIKAL 04.03. 14 UHR ERÖFFNUNG UND KONZERT 10.03. 18 UHR ARTIST TALK 11.03. 12 UHR

artist

Sophie Utikal 
Kunstraum Innsbruck

Maria-Theresien-Straße 34
A-6020 Innsbruck

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posted 21. Mar 2023

The Center for Native Arts and Cultures: Convenings on Land Rematriation

17. Feb 202302. Apr 2023
17.02.2023 – 02.04.2023 **The Center for Native Arts and Cultures: Convenings on Land Rematriation** Organized by the Center for Native Arts and Cultures in collaboration with the Künstlerhaus Stuttgart, this project convenes a two-day open working group to reflect on a process of land rematriation that led to the creation of the Center for Native Arts and Cultures, and to envision how from this process the Center will advance a commitment to mobilizing networks of Indigenous artists, culture bearers, and Native-led arts organizations. These in-person group discussions are supported by an accompanying reader, a video work entitled Never Settle: The Program by New Red Order, live performance works by Tiokasin Ghosthorse and Allison Akootchook Warden, a document collection and archive presentation, as well as supplemental programs organized by Künstlerhaus Stuttgart Educators. The Center for Native Arts and Cultures was founded in 2021 as the headquarters of the non-profit Native Arts and Cultures Foundation after taking up the transfer of ownership of the historically registered Yale Union Laundry Building, a two-story commercial structure and surrounding land parcel, in the city of Portland, Oregon, which was previously owned by an artist-run space called Yale Union. This working group serves as a contribution to a larger series of internal focus groups currently being convened by the Center for Native Arts and Cultures to gather input on its organizational capacity and structural conditions as it situates operations, exhibitions, and educational programs in the newly acquired building. While acknowledging the land that this particular building sits on, working responsibly in various local level contexts to reflect the history of previous Native tribes and peoples who inhabited the land for the purposes of use rather than ownership has always been crucial to the Native Arts and Cultures Foundation. Additionally, efforts around the transfer of Yale Union to the Native Arts and Cultures Foundation reflect a broader “Land Back” movement to address ongoing historical inequities in the US and beyond. The Künstlerhaus Stuttgart seeks to engage in knowledge sharing with respect to the Center for Native Arts and Cultures’ specific interests in Indigenous approaches to artistic production, organizational capacity, and governance arrangements, as well as decolonial education that includes learning in water rights, reparations, and land use justice. Germany is yet another site from which these discussions must necessarily take place. There is little question that current German land law has been shaped through German colonial empire and its patrician city-state colonial encounters in the global context. Germany has a long complex history of implementing laws to seize property and assert land ownership. This confiscatory history of legal-economic structures ratified by Germany and the broader European colonial venture has fundamentally altered the management of land and related resources globally. And it must be recognized how these fundamental changes extend to the lived social relations, economic conditions, and cultural practices imbricated with Indigenous and existing forms of land use. This project focuses on a specific set of lived questions and material challenges that the Native Arts and Cultures Foundation and its Center for Native Arts and Cultures is confronting, but which are also part of the research, education, and outreach efforts today that emphasize rebuilding, restitution, and reparations efforts of Indigenous peoples worldwide as they seek to strengthen internal governance capacities and realize political, economic, and community development objectives. Contributors include: Maile Andrade, Natalie Diaz, Healoha Johnston, Tiokasin Ghosthorse, Joy Harjo, Flint Jamison, Brandy Nālani McDougall, New Red Order, and Allison Akootchook Warden. With representatives from the Center for Native Arts and Cultures: Lulani Arquette, Reuben Tomás Roqueñi, and Gabriella Tagliacozzo. The working group and accompanying reader are organized and edited by Healoha Johnston, Director of Cultural Resources, and Curator for Hawaiʻi and Pacific Arts and Culture at the Bernice Pauahi Bishop Museum, with Eric Golo Stone, Artistic Director of the Künstlerhaus Stuttgart.
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posted 20. Mar 2023

Maya Golyshkina

24. Feb 202329. Apr 2023
opening: 24. Feb 2023 06:00 pm
24.02.2023 - 29.04.2023 Vernissage, 24.02.2023 18:00 - 21:00 **Maya Golyshkina** Gallery Nicola von Senger is very pleased to present the first ever solo show of 21-year-old, London based artist Maya Golyshkina. Maya is a self-portrait, performance artist, art director and set designer born in Moscow, Russia. Since her teenage years, when she was studying in art school, she has been experimenting in the field of photography. Maya began her creative professional career over the past years of ongoing pandemics. Employing a wide range of materials and objects around her household, creating wearable structures, she shows people the new perspective of mundane objects, that could be very unusual. In her works, she presents various parts of her personality and vision, everything from primitive things to spiritual, emotional and personal experiences. The main focus in her works is an idea rather than a visual representation; she tries on different ideas and experience them. The body also plays an essential role in her works. She presents its versatility. The body has been for her a tool to manifest against patriarchy society, fight against stereotypes of a woman’s body, show its strength. Maya reflects on herself, gaining more awareness of her character and the body while in the process of creating a piece. In 2019, Maya Golyshkina started to collaborate with fashion brands and was presented in galleries in Russia and Europe. The first company, that noticed her was Mark Jacobs, their collaboration project released in Summer 2020. She also worked with Balenciaga, Bimba y Lola and many other brands, was published in Instyle, Vogue, Another magazine and The Face magazine, as well as participated in several exhibitions.
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posted 19. Mar 2023

JENNY HOLZER

11. Mar 202306. Aug 2023
opening: 10. Mar 2023 07:00 pm
1.03.2023 — 06.08.2023 Eröffnung: 10.03.2023 19:00 **JENNY HOLZER** Ab dem 11. 3. 2023 zeigt die Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen die größte Überblicksausstellung der international renommierten US-amerikanischen Künstlerin Jenny Holzer (*1950) in Deutschland. Seit den 1970er Jahren ist sie für ihren wegweisenden Umgang mit neuen Technologien und ihre gesellschaftskritischen Texte in verschiedenen Medien bekannt. Jenny Holzers Düsseldorfer Ausstellung erstreckt sich im K21 über die Bel Etage sowie die temporären Ausstellungsgalerien. Präsentiert werden u. a. Jenny Holzers Posterarbeiten, Gemälde und ihre Arbeiten aus Stein, mit denen sie Themen wie Krieg, Sinnlosigkeit und Populismus anspricht. Dem zutiefst demokratischen Anspruch und der künstlerischen Praxis von Jenny Holzer folgend, fordern ihre Werke heraus, sich mit gegensätzlichen Ansichten auseinanderzusetzen und mit Empathie und Aufgeschlossenheit einen eigenen Standpunkt in komplexen Diskussionen zu entwickeln. Das macht die Ausstellung zu einem öffentlichen Forum für aktuelle gesellschaftskritische Diskurse über die Herausforderungen der Gegenwart.

artist

Jenny Holzer 
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posted 18. Mar 2023

NORBERT KRICKE – BEWEGUNG IM RAUM

18. Nov 202227. Aug 2023
18.11.2022 - 27.08.2023 **NORBERT KRICKE – BEWEGUNG IM RAUM** In diesem Jahr wäre Norbert Kricke 100 Jahre alt geworden. Alle drei Duisburger Kunstmuseen nehmen dies zum Anlass, das Werk des Künstlers zu präsentieren. Das MKM Museum Küppersmühle ehrt Norbert Kricke mit der Sonderausstellung „Bewegung im Raum“ als Künstlerpersönlichkeit, die der Kunst nach 1945 wegweisende Impulse vermittelt hat und dessen Werke bis heute nichts an Dynamik verloren haben. Rund 40 Plastiken des ehemaligen Rektors der Düsseldorfer Kunstakademie aus drei Jahrzehnten sind im Oberlichtsaal des MKM-Neubaus zu sehen. Ein besonderer Akzent liegt auf dem Spätwerk der Jahre 1975–1984. Gezeigt werden darüber hinaus zahlreiche Zeichnungen bis hin zu seinen letzten, den einzigartigen „Schlussstrichen”. Die Ausstellung ist eine Kooperation mit dem Freundeskreis Norbert Kricke e.V. Mit seinen filigranen Raumplastiken zählt Norbert Kricke zu den wichtigsten Vertretern der konkreten Kunst. Heute fast vergessen sind jedoch seine figürlichen Anfänge. Die Studioausstellung im Lehmbruck Museum zeigt Krickes Innovationskraft – von den gegenständlichen Figuren des Frühwerks bis zu den bewegten Raumplastiken, in denen sich alle Materie im Raum verliert. Mit 10 Skulpturen und 20 Grafiken zeigt die Ausstellung die Bezüge zu Bildhauern wie Lehmbruck, Giacometti und Calder auf. Für sein Werk erhielt Kricke bereits 1971 den Wilhelm-Lehmbruck-Preis der Stadt Duisburg. Außerdem präsentiert das Museum DKM in zwei Ausstellungsräumen seiner ständigen Sammlung, die seit Museumseröffnung dem Œuvre von Norbert Kricke gewidmet sind, plastische Modelle sowie über zwanzig Zeichnungen, die die gesamte Schaffensphase des Bildhauers umfassen. Darunter befinden sich sechs signifikante Blätter, die kurz vor seinem Tod entstanden sind. Anlässlich des 100. Geburtstages sind zudem zusätzliche, bisher nicht ausgestellte Zeichnungen aus dem großen Sammlungsbestand des Museum DKM zu sehen. Die Ausstellung ist ein Projekt der Stiftung für Kunst und Kultur e.V. Bonn und in enger Kooperation mit dem Freundeskreis Norbert Kricke e.V. entstanden.
MKM Museum Küppersmühle, Duisburg

MKM Museum Küppersmühle für Moderne Kunst | Philosophenweg 55
47051 Duisburg

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posted 17. Mar 2023

Nam June Paik: I Expose the Music

17. Mar 202327. Aug 2023
opening: 16. Mar 2023 01:00 am
Fr 17.03.2023 - So 27.08.2023 Eröffnung am 16. März 2023 **Nam June Paik: I Expose the Music** Als „the world‘s most famous bad pianist“ bezeichnete sich Nam June Paik gern selbst und spielte damit auf das musikalische und performative Element in seinem Werk an. Die Ausstellung „Nam June Paik: I Expose the Music“ des Museum Ostwall im Dortmunder U stellt das Werk des Pioniers der Videokunst unter diesem Schwerpunkt vor: Live-Momente, die sich wie ein roter Faden durch seine künstlerische Karriere ziehen. Rund 100 Arbeiten zeigt die Ausstellung, die am 16. März 2023 eröffnet, darunter Installationen, Skulpturen, Audio- und Videoarbeiten, ungewöhnliche Partituren, Handlungsanweisungen und Konzepte sowie Fotodokumente und Plakate. Anschaulich wird so, wie das Publikum Paiks Performances unmittelbar erlebte und aktiv einbezogen wurde, ob im Galerieraum oder in der Live-Fernsehübertragung. Erstmals wird in Deutschland die sound- und bildgewaltige Rauminstallation Sistine Chapel (1993) zu sehen sein, die als frühes Beispiel multimedialer Immersion einen Remix Paik-spezifischer Pop-/Kulturgeschichte aufführt. Die Ausstellung wird kuratiert von Rudolf Frieling (San Francisco Museum of Modern Art) in enger Zusammenarbeit mit dem Museum Ostwall. Sie nimmt Bezug auf die Sammlung des Museums, deren Schwerpunkt auf Fluxus liegt. Aus der Sammlung stammt auch eine zentrale Arbeit in der Ausstellung, Paiks Schlüsselwerk Schallplatten-Schaschlik (1963/1980), mit deren Hilfe Besucher*innen ihren eigenen Musikmix erzeugen konnten. Weitere Kapitel der Ausstellung widmen sich der Kooperation von Paik und Charlotte Moorman, beispielsweise mit dem Werk Oil Drums (1964/1991), der frühen Zusammenarbeit mit Karlheinz Stockhausen in Originale (1961/1964) sowie seiner bislang wenig erforschten Beziehung zu Dieter Roth. Verschiedene interaktive Arbeiten Paiks beziehen das Publikum auch in diese Ausstellung ein – so zum Beispiel Random Access (1963) und Participation TV (1969/1982), bei denen Besucher*innen elektronische Sounds oder Bilder erzeugen können. Als Fortschreibung von Paiks Werk Sinfonie for 20 rooms (1961) sind darüber hinaus vier internationale Künstler*innen eingeladen, sich performativ auf Paiks Werk zu beziehen: Annika Kahrs (DE), Autumn Knight (US), Aki Onda (JP) und Samson Young (HK) werden Paiks Partitur als Inspiration für ortsspezifische Arbeiten nutzen. Kuratorisches Team: Rudolf Frieling, Christina Danick und Stefanie Weißhorn-Ponert Museumsdirektion: Regina Selter und Florence Thurmes Die Ausstellung wird gefördert durch die Kunststiftung NRW.

artist

Nam June Paik 
Museum Ostwall im Dortmunder U °

Dortmunder U | Leonie-Reygers-Terrasse 2
44137 Dortmund

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posted 16. Mar 2023

Duane Linklater: mymothersside

11. Mar 202303. Sep 2023
11.03.2023 - 03.09.2023 **Duane Linklater: mymothersside** Duane Linklater’s work interrogates the construct of museums, their conventions, and their historical exclusion of Indigenous content, working across a range of mediums to address the contradictions of contemporary Indigenous life within—and beyond—settler systems of knowledge, representation, and value. Duane Linklater: mymothersside brings together sculptures, video works, and digital prints on linen from the past decade of the artist’s practice, as well as a newly commissioned work for the MCA’s atrium. The exhibition features sculpture and video that focus on enduring ancestral practices such as hunting and fur trading; digital translations of tribal objects held in institutional collections; and a series of large-scale structures made with teepee poles. The MCA presentation focuses on Linklater’s interest in Indigenous architecture through sculptures and paintings that deconstruct and reassemble one of the most ubiquitous symbols of indigeneity—the teepee. With his draped and folded teepee cover paintings, Linklater transforms the semicircular canvas wrapping of the traditional Cree home into a support for digitally printed imagery that he tints with natural dyes. Appearing amid these culturally significant forms and materials, references to the artist’s family, childhood home, and favorite bands, films, and garments suggest an expansive constellation of identifications that defies reductive notions of identity. Duane Linklater: mymothersside was originally presented at the Frye Art Museum, Seattle, and was curated by Amanda Donnan, Chief Curator, Frye Art Museum. The presentation at the MCA Chicago is organized by Carla Acevedo-Yates, Marilyn and Larry Fields Curator, with Iris Colburn, Curatorial Assistant, MCA Chicago. About the Artist. Duane Linklater (Omaskêko Cree, b. 1976, Treaty 9 territory, Canada; lives in North Bay, Ontario) lives and works in North Bay, Ontario. Linklater earned a BFA in fine art and Native studies from the University of Alberta in 2005 and an MFA in film and video from the Milton Avery Graduate School of Arts at Bard College in 2012. He has presented solo exhibitions at the Eli and Edythe Broad Art Museum, Michigan State University, Lansing (2017); 80WSE Gallery, New York, and Mercer Union, Toronto (2016); and the Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City (2015). Recently, Linklater’s work has been included in group exhibitions at, among others, Artists Space, New York (2019); the San Francisco Museum of Modern Art (2019); and the High Line, New York (2018). In 2011, Linklater initiated Wood Land School, a nomadic, collaborative project that centers Indigenous forms and ideas in the institutional spaces the school inhabits.
MCA Museum of Contemporary Art, Chicago

220 East Chicago Avenue
Chicago

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posted 15. Mar 2023

Christina Battle - Movement Two: Ecology

09. Jan 202323. Apr 2023
09.01.2023 - 23.04.2023 **Christina Battle - Movement Two: Ecology** Curated by Farah Yusuf Part two of This Unfathomable Weight When every basic system–environmental, political, economic and social–is in crisis and facing collapse, the media can be overwhelming. The sheer glut of information and misinformation circulating from trusted sources and deniers alike create an endless cycle of current events too heavy to dwell on, too extensive to fully comprehend. How do we, on a human scale, contend with all of this news? In an effort to rouse the public out of resignation and passive acceptance of the state of the planet, Christina Battle’s series how to make sense out of the nonsensical compels viewers to pay attention to the ways our ecology is intertwined with systems of power, exchange, and extraction. Each image contains recent news headlines that focus on climate change, and also address topics like the war in Ukraine, the COVID-19 pandemic, the economy, conspiracy, and social uprisings. Like relics of catastrophe, the headlines are surface-level fragments and sound bites of an entangled, complex web of events and actions that have led to dire consequences. Across the series, Battle offers prompts that seed the impulse to regain a sense of agency against fatalistic attitudes: “FOLLOW THE THREADS OF THE NETWORK,” “ATTUNE TO HOW INFORMATION TRAVELS,” “CONSIDER WHO YOU ARE IN RELATION WITH,” “OUR RELATIONSHIP IS SYMBIOTIC.” With each statement, Battle cuts through the noise of the news with strategies of empathy and criticality that foster collective resilience and action. The analogies between the natural and more-than-human world, urge viewers to recognize social and ecological relationships. These statements are not intended to be a utopian antidote, but rather achievable and persistent empowerments. This program of images forms part two of a three-part exhibition, This Unfathomable Weight, which animates outdoor lightboxes across the UTM campus and billboards in Mississauga throughout the 2022–2023 academic year. The exhibition grapples publicly with how we make sense of living through the massive crises of recent years. Through an understanding of trauma as a psychic rupture, where meaning-making has been suspended, deferred, or displaced, the project carves out space for reparative gestures of across personal, societal and spiritual registers. — Farah Yusuf Public Billboard Each part of This Unfathomable Weight features a fifth image on a public billboard in Mississauga for the first month of the exhibition. For Movement Two: Ecology, the public billboard appears on Lakeshore Road East, east of the intersection with Lakefront Promenade, on the south side facing west, January 9–February 5, 2023.

curator

Farah Yusuf 
The Blackwood, Mississauga

3359 Mississauga Rd. N.
Ontario-L5L1C6 Mississauga

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posted 14. Mar 2023

Hedda Roman. Wet Closet

25. Feb 202323. Apr 2023
opening: 24. Feb 2023 08:00 pm
25.02.2023 - 23.04.2023 Eröffnung: Fr, 24.02.2023 | 20 Uhr **Hedda Roman. Wet Closet** Himmel bricht, Wolken fallen, zögerlicher Regen. Der muffige Geruch von nassen Kleidern durchdringt die Luft. Schimmel beginnt sich zu bilden, die Farbe ist Nacht. Pathos und Datenplasma verflechten sich, Laplacescher Dämon lauert auf im Innern. Duotones Mondlicht glättet Den blassen Schimmer seines Grins. Eine verdrehte, abstrakte Geschichte Von verschlossenen Erinnerungen und gesprochenen Weisheiten. Schattierungen entfalten sich, Sein Sein überflutet seinen Willen. Determinismus steht im Regen, Während sich das Licht hinter dem Schlitz ausbreitet. Die Schranktüren knarren. Der hängende Stoff trocknet Im starren Blick der Sonne. Der Schrank von innen geschlossen. Wir lachen zusammen, Zwei Fliegen auf einer Partitur. Hedda Schattanik und Roman Szczesny leben in Düsseldorf und präsentieren eine eindringliche und energiegeladene Zusammenarbeit in Form von medienbasierter Kunst. Durch den Einsatz von Algorithmen, Avataren, künstlicher Intelligenz und Fotografie, Video und Skulptur überträgt und erweitert das Künstlerduo die unmittelbare, aber zerebrale Qualität des filmischen Geschichtenerzählens. Ihre Arbeit verkörpert bereits heute die Auswirkungen von Zukunftstechnologien und wird in Form einer groß angelegten Installation im Großen Saal zu sehen sein.

artists & participants

Hedda Schattanik,  Roman Szczesny 
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posted 13. Mar 2023

Burçak Bingöl, Sophie Calle, Gül Ilgaz, Ayça Telgeren. 'A Momentary Absence

10. Feb 202318. Mar 2023
10.02.2023 - 18.03.2023 **Burçak Bingöl Sophie Calle Gül Ilgaz Ayça Telgeren 'A Momentary Absence'** curator: Elâ Atakan ‘A Momentary Absence’ is the feeling left behind by a sudden disappearance. It is the story of getting lost in the indeterminacy of a possible reappearance, of incompleteness, of things or people not existing where they should. Something existed a moment ago, but now, in this moment, it does not. An ambiguous space that opens up in the void, on the verge of presence. A beat felt only in the heart, intangible, invisible. A river of meaning where four women artists offer four poetic narratives, confronting us with the evolution of absence. Galerist is proud to present the group exhibition ‘A Momentary Absence’, curated by Elâ Atakan, featuring works by Burçak Bingöl, Sophie Calle, Gül Ilgaz and Ayça Telgeren, from February 10 to March 18, 2023. This exhibition is an answer that points out how we cope with unexpected loss in the face of reality, that shows what we transform the substance of absence into. It is an individual, and as such, social narrative. Burçak Bingöl’s works in the exhibition point to the constantly changing faces of Istanbul, tracing the untold history of a distant past, and glazing these traces on broken ceramic shards. The story of the works that bring together various media such as photographs and ceramic pieces began with the sudden explosion of the work in the kiln as the artist was waiting next to it. The artist chose to make each broken shard blossom. The fragile flowers titled Flawless Flow extend outwards from the walls, turning the exhibition space into a garden as they scatter around. They exist in a subtle balance, evoking the feeling of sprouting, of being born at the site of disappearance, like the scattering of seeds, while at the same time hinting to the shooting of shrapnel with their sharp edges. The concept of absence lies at the heart of the work of Sophie Calle, who often reflects her separations, the loss of her loved ones with her idiosyncratic language in her work. In 1984, Calle travels to Japan for a three-month stay with a scholarship from the Ministry of Foreign Affairs. She and her lover promise each other to meet in Delhi, India at the end of this period, but her lover does not arrive. Calle describes the pain she experienced as the most painful of her life at the time. Then she begins to ask the people around her: “when have you suffered the most?” In the face of the reality of other people’s pain, Calle rewrites her own story every day for three months. Day by day, her pain begins to subside, wash away and disappear. Calle was only able to tell this story fifteen years after experiencing it. As we view the works in the exhibition from the series titled Exquisite Pain, we wander the various depths of pain, while witnessing the intensity, and then the gradual disappearance of the pain of love. In Gül Ilgaz’s works, absence is a space. In the video titled Storm, the window represents a barely discernible boundary with its transparency. It separates the inside of the house from the outside like a diaphragm, and as darkness descends, the narrative at the beginning turns inverse, to the inside. The invisible becomes visible, and the visible invisible. In her photographs, Ilgaz often engulfs vision in mist, leaving presence in a most ambiguous space. In the sound installation titled What Remains, she speaks of the old furniture in the house where she spent her childhood, which is now completely empty, and her memories with it as if they have been lived moments ago. Ayça Telgeren's concrete and paper cut works in the exhibition relate to Caucasian mythology. These works are part of the series titled Geography, which is based on the artist's personal history. Dreamer, which bears the profile of Caucasian mountains, is reminiscent of the body of a woman lying, and refers to the hundreds of languages that have been spoken in these mountains, which have now been forgotten, and therefore, hundreds of cultures, as well as evoking the momentary absence inherent to sleep. In the work titled Qaf, which is reminiscent of a landscape, Telgeren buries the position of the women in her family that she knows from photographs inside this mountain, re-weaving her own story. Flesh Mirror, according to the artist, is a healing bowl; it represents a pregnant belly that does not bear a baby, but has many stories to tell the water, which will heal itself and others as they are told. In the works of Telgeren, absence represents a deep presence, an answer to all that has gone untold in the past. ‘A Momentary Absence’ concerns itself with the different approaches of four women artists, with the representation of that which replaces absence, and with the existence of the absent. Burçak Bingöl lays claim to the power of coping with annihilation through fragility, while Sophie Calle, facing the reality of the stories of others, heals her discomfort with the absence of what she desires. Striking a subtle balance between presence and absence, Gül Ilgaz expresses memories and narratives through the concepts of inside and outside, and Ayça Telgeren relates untold stories of the histories of the women in her family

curator

Ela Atakan 
Galerist Istanbul

Mesrutiyet Caddesi No. 67, Beyoglu
34340 Istanbul

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