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Maurizio Cattelan
Menil Collection, Houston
Born in Padua in 1960, Italian artist Maurizio Cattelan is known for his playful yet disconcerting use of materials, objects, and actions – and for manipulating their larger contexts and meaning. The Menil exhibition, which will remain on view for much of the year, will focus on recent large-scale works first seen in Europe in 2007 along with recent sculptures. Cattelan has also created other works in response to his site visits to the Menil, which included the museum's renowned Surrealist holdings. While a "solo" show, Maurizio Cattelan at the Menil is in a real sense also a group show, featuring a range of paintings and objects - mostly from the 1960s and 70s--that Cattelan, in collaboration with Sirmans, has selected from the Menil's large permanent collection. Together, artist and curator have raided the museum's attic.
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Kirstine Roepstorff: Illuminating Shadows
Galerie im Taxispalais, Innsbruck
In ihrer ersten großen Einzelausstellung in Österreich konfrontiert Kirstine Roepstorff ethnographische Objekte aus dem Haus der Völker in Schwaz mit ihrer eigenen Arbeit, um sich mit der Konstruktion von Geschichte sowie den Machtbeziehungen, die dem Sammeln zugrunde liegen, auseinanderzusetzen. Für ihre Collagen verwendet sie Material aus dem historischen wie dem zeitgenössischen Bildvokabular, Darstellungen aus den visuellen Medien, Bilder aus den Politik-Nachrichten und der Werbung, um zu untersuchen, welche die treibenden Kräfte hinter der Produktion von Geschichte und kultureller Bedeutung sind. Sie zielt dabei auf Fragestellungen ab, zu denen das Versagen kollektiver sozialer Projekte, Konsumdenken und aktuelle Geschlechterpolitik zählen. (Ausstellung: Galerie im Taxispalais und Stadtgalerie Schwaz)
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Susanne M. Winterling: Through the looking glass
Badischer Kunstverein, Karlsruhe
Susanne Winterling entwickelt im Badischen Kunstverein eine neue Serie räumlicher Interventionen. Sie nimmt Strukturen und architektonische Elemente des Gebäudes auf oder verweist auf versteckte Details. So lädt sie die Betrachter ein, die offenen und verborgenen Geschichten des Kunstvereins zu entdecken und den kulturellen Kontext für eine alternative, auch kritische Betrachtungsweise neu zu öffnen. Diese Untersuchung der Embleme und Räume bürgerlicher Öffentlichkeit verknüpft sich mit einem weiteren zentralen Motiv der Ausstellung: das der (weiblichen) Adoleszenz. Schmuck, Porzellanfiguren und Embleme der Punk- und Gothic-Kultur sind nur einige der konkreten Verweise auf die - auch biografisch motivierten - Obsessionen aus der Teenagerzeit.
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Candida Höfer und Kühn Malvezzi Architekten
Kunstverein Oldenburg
Die Architekten Kühn Malvezzi wurden bekannt mit dem Umbau der Binding Brauerei in Kassel für die documenta 11 und der Erweiterung des Hamburger Bahnhof in Berlin. 2007 hat das Büro den traditionsreichen Oldenburger Kunstverein saniert und die technisch überfällige Instandsetzung des 60er Jahre Gebäudes zum Anlass genommen, das Raumkonzept den heutigen Erfordernissen an ein state-of-the-art Ausstellungshaus auf eine gleichzeitig subtile wie präsente Art und Weise anzupassen. Candida Höfer hat in den letzten fünf Jahren die Arbeit der Architekten dokumentiert, die jetzt in der Oldenburger Ausstellung zusammengefasst wird.
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Alberto Giacometti: Die Frau auf dem Wagen. Triumph und Tod
Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg
Zum Auftakt des Kulturhauptstadtjahrs RUHR 2010 präsentiert die Stiftung Wilhelm Lehmbruck Museum - Zentrum Internationaler Skulptur, Duisburg eine einzigartige Ausstellung zum Werk des Bildhauers Alberto Giacometti. Mit Unterstützung der Fondation Alberto und Annette Giacometti, Paris dem wissenschaftlichen und organisatorischen Partner des Lehmbruck Museums, werden rund 120 Werke des Bildhauers in Duisburg als Leihgaben internationaler Museen und Privatsammler in Duisburg vereint. Der Plastik Die Frau auf dem Wagen (1945) des Lehmbruck Museums steht erstmals die Leihgabe des großen Wagen (1950) aus dem Museum of Modern Art, New York gegenüber.
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Rodney Graham. Through the Forest
MACBA Barcelona
This exhibition brings together a hundred or so works by Rodney Graham done between 1978 and 2008 and taken from public and private collections in Europe and North America. His work has a pronounced cerebral character and often includes art history and intellectual references from the time of the Enlightenment to the present day. His use of appropriation techniques enables him to pay tribute to some of the masters of the arts, literature, philosophy or pop music. Moreover, he makes use of a respectful irony to desacralise their unquestionable influence and suggest a new way of seeing them. From Sigmund Freud to Donald Judd, from Edgar Allan Poe to Georg Büchner, from Jeff Wall to Pablo Picasso, they all provide the material or conceptual reference for many of Graham’s pieces.
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Miroslav Tichý
International Center of Photography, New York
This is the first American museum exhibition devoted to the work of the reclusive and mysterious Czech photographer Miroslav Tichy. Now over eighty years old, Tichy is a stubbornly eccentric artist, known as much for his makeshift cardboard cameras as for his haunting and distorted images of women and landscapes, many of them taken surreptitiously. Tichy began photographing in the 1950s, in part as a political response to the social repressions of Czech communism. However, it is only in the past five years that his intensely private work has gained public attention. The exhibition includes a number of Tichy's homemade cameras as well as approximately 100 of his photographs.
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The Mystics: The Infinite Library
Civic Room London
This exhibition links a group of artists who collaborated together on a publication in Cyprus called UNDO in 2007. An idea of an exhibition was muted by unrealised, perhaps an imaginary exhibition that has now been materialised in another distinct context. A discussion which links the artists together is related to the fate of Late Modernity, the idea that we are living through a phase which might be termed ‘Apparitional Modernity’ in which the index of Modernity disappears, leaving only spectral traces. By calling the show ‘The Mystics,’ another relationship to time is posited: a time passing outside of itself, to become something other than what it might have been.
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Gegen die Form. Informel 1954-2010
Cruise & Callas, Berlin
Informel - der Begriff steht in der aktuellen Kunstszene nicht gerade für Zeitgeist oder den Einfluss auf junge Künstler. Dabei hat die europäische abstrakt-expressive Malerei, wie sie in den 50er Jahren aufkam, die Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg einschlägig verändert. Alle nachfolgenden Malergenerationen haben sich mehr oder minder bewusst der Errungenschaften einer gestischen Abstraktion bedient, die aus der Tragik des Neubeginns entstanden und von jeder Gegenständlichkeit befreit war. Die von der Berliner Kuratorin Gesine Borcherdt zusammengestellte Ausstellung „Gegen die Form. Informelle Malerei 1954-2010“ bringt die Errungenschaften des Informel wieder ins Gedächtnis. Vier Malergenerationen bzw. 17 Künstler werden miteinander in Dialog gebracht.
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Bjarne Melgaard: Jealous
Astrup Fearnley Museet, Oslo
"Jealous" is the first retrospective exhibition of works by Bjarne Melgaard. His expressive paintings, drawings and sculptures have already achieved a unique position in the contemporary art world. His characteristic style and provocative themes have made him a controversial and valued artist whose works are well represented in the Astrup Fearnley Collection. For this retrospective exhibition we have gathered works from the last fifteen years. We will present several of his new paintings and a new version of the installation Greenland, a Novel from 2008. Melgaard’s art contains literary references and he is also inspired by films and music.
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Goldene Zeiten
Haus der Kunst, München
Tagtäglich ereignen sich Dinge, die das Potenzial haben, Geschichte zu schreiben. Aber wer entscheidet, welche Ereignisse Teil des historischen Kanons werden? Wessen Geschichte wird erzählt und von wem? In der Ausstellung "Goldene Zeiten" nähern sich vier Künstler der Komplexität von Geschichte auf jeweils einzigartige Weise: Steven Claydon, Diango Hernandez, Mai-Thu Perret und Sung Hwan Kim. So unterschiedlich ihre Werke sind, ist ihnen doch ein dehnbares Verständnis von Geschichte als etwas nicht Linearem, Fragmentarischen gemeinsam. Persönliche Erfahrung, Erzählung, Autorschaft, Authentizität, Zeitverschiebungen, historische Tatsachen, Referenzen und Repräsentation, all diese Aspekte spielen hier eine zentrale Rolle. Dabei ist Geschichte für die Künstler dieser Ausstellung immer auch eine Frage von Interpretation, Erzählung und Fiktion - wie auch den historischen Goldenen Zeitaltern etwas Verklärendes, fast Mythisches anhaftet.
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Leopards in the Temple
SculptureCenter, Long Island
"Leopards break into the temple and drink to the dregs what is in the sacrificial pitchers; this is repeated over and over again; finally it can be calculated in advance, and it becomes a part of the ceremony." (parable by Franz Kafka) The exhibition focuses on moments of metamorphosis, paradox, and formal adjacency, borrowing from the parable an ability to promote multiple readings of succinct forms and extraordinary occurrences. Protean moments where materials elide, transform, and overlay take place in the work of Lothar Baumgarten, Nina Canell, Strauss Bourque-LaFrance, and Kitty Kraus, while the rules of image production are triangulated and problematized in the painting configurations of Patrick Hill, Lucas Knipscher, and Kerstin Brätsch and Adele Röder’s Das Institut. Kathrin Sonntag & Nina Hoffmann and Joao Maria Gusmao & Pedro Paiva present slide and film projections that explore the uncanny through acts of magnetism, doubling, and transference. And sculpture is framed and distributed as an effaced and often fictional artifact in the work of Latifa Echakhch, Aleana Egan, and Lucy Skaer.
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Luc Tuymans: Against the Day
Moderna Museet Malmö
The Belgian artist Luc Tuymans is known for his often bleach, blurred, photo based paintings where he deals with politics and religion, pop culture, power and his childhood. Luc Tuymans, convinced that original pictures do not exist, has called his paintings “authentic forgeries”. All pictures are influenced by another picture. Luc Tuymans’ are based on already existing drawings, photos, found images, stills from films, etc. Despite the classical expression in his paintings, he also masters the modern technique very well. Some of his pictures are taken with an iPhone and others are digitally manipulated before using them for his paintings. ”The show presents an end, showing things as raw material, dispersed and disjointed, simultaneously offering more and more propositions, but basically going nowhere. It is the world as we know it”, he says about the exhibition.
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Wo ist der Wind, wenn er nicht weht?
Kunstverein Hamburg
Die Ausstellung "Wo ist der Wind, wenn er nicht weht? - Politische Bildergeschichten von Albrecht Dürer bis Art Spiegelman" versammelt zum ersten Mal in dieser Form international politisch motivierte Bildergeschichten von der Erfindung der Buchdruckkunst bis heute. Es werden Beispiele einer demokratischen Bildsprache gezeigt, die allgemeine und offene Angebote darstellen, die sich zu allererst erzählerisch vermitteln. Das der Bildergeschichte eigene demokratische Bildverständnis kondensiert letztlich den Anspruch von Institutionen, in denen es um die Vermittlung von Kunst und die Überbrückung der Kluft zwischen Kunstproduktion und Publikum geht. Das Projekt „Politische Bildergeschichten" will diese narrativen und partizipatorischen Momente aktivieren.
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Urs Lüthi: Just Another Story About Leaving
MACRO Rom
By studying his own persona and his artistic self, Urs Lüthi has sought out places in the city where he can acquaint the present with the past, and where he can relate our time to the future. From these meditations the artist decided to bring another sculpture into the city of sculptures: Just Another Sculpture for Roma is a photographic project in which Lüthi reinterprets classical antiquity by installing a sculptural self-portrait in places of everyday life. The artist's search of a place and a role ends at MACRO, the last stop on the sculptures ironic journey, where it becomes part of a larger reflection on the value of time. Lüthi transformed the exhibition rooms on the second floor into a single area, where the spectator will be able to face and process the issues and experiences put forward by the artist in each of his works, as memory, personal testimony, research, exploration, pain, and aloofness.
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Zinny / Maidagan: Compartment Das Abteil
MMK Frankfurt
Die Werke von Dolores Zinny & Juan Maidagan orientieren sich an der Formensprache der Moderne und sind mit Querverweisen wissenschaftlicher, künstlerischer oder literarischer Art angereichert. Waren die Installationen der beiden Künstler bisher strukturell von der Dynamik der Globalisierung und Dislokation beeinflusst, umkreisen die neuen, für das MMK ZOLLAMT entstandenen Arbeiten die großen Begriffe der Utopie und der Moderne der 1920er Jahre. Ausgangspunkt ist das Jahr 1927, in dem das MMK ZOLLAMT gebaut wurde. Die Skulpturen, Collagen und Gemälde beziehen sich auf die Kunst und Politik dieser Zeit. Durch Verweise auf „Das Neue Frankfurt“, Inbegriff für moderne Stadtplanung und wegweisenden Siedlungsbau, oder auf den Filmklassiker „Metropolis“, markieren Zinny / Maidagan Begriffe der Konstruktion einer ästhetischen Avantgarde.
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Franz West : Autotheater Köln - Neapel - Graz
Museum Ludwig Köln
Ab Dezember 2009 zeigt das Museum Ludwig die erste große Retrospektive von Franz West in Europa. Der österreichische Bildhauer gehört zu den einflussreichsten Künstlern der Gegenwart. In mehr als 40 Arbeiten, die der Künstler zum Teil in Werkgruppen zusammengeschlossen hat, aus der Zeit von 1972 bis heute wird die Komplexität und Eigenständigkeit seines Werkes erlebbar. Der Titel "Autotheater" verdeutlicht die performative, interaktive Dimension seines Werkes. Die Passtücke sind laut Franz West "gleichsam Skulpturen, die man in die Hände nehmen kann, um nach eigenem Ermessen zu gestikulieren". Diesen Dialog mit dem Betrachter übertrug West auch auf seine Möbelskulpturen, die er seit Mitte der achtziger Jahre herstellt und die die Grenzen zwischen bildender und angewandter Kunst auflockern. Seit den neunziger Jahren arbeitet er zunehmend mit anderen Künstlern zusammen, wie z.B. Michelangelo Pistoletto oder Heimo Zobernig. Die Ausstellung entsteht in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler und wird neue Werk-Kombinationen und Zusammenhänge herstellen.
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Katarina Zdjelar - Parapoetics
TENT Rotterdam
Parapoetics is the first large solo presentation by the young Rotterdam-based artist Katarina Zdjelar. Zdjelar (Belgrade, 1979) is rapidly gaining international acclaim for her work and is said to show great promise. Parapoetics brings together her video works from the past four years. Although language plays an important role in her video work, it is more the sound of the voice or the absence thereof that gives the work its eventual meaning. In videos such as Shoun (2009) and Everything Is Gonna Be (2008), the singing of pop songs becomes a piercing and yet contagious commentary on socio-political issues. The crooning and the silence of the main characters in the videos One or Two Songs on Someone or Something in Particular (2007) and In Unison (2009) appears to suggest a perspective in which freedom of meaning rather than freedom of speech prevails. Shoun, a work in which two Serbian musicians make a phonetic transcription of an English song, is premiered in the exhibition.
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Latifa Echakhch: Movement and Complication
Swiss Institute, New York
Latifa Echakhch uses her own identity and experience to question pre-conceived ideas about nationality, religion, and history. Intellectually challenging, but at once sensual, the artist’s work explores society in an increasingly globalized world. In her first institutional solo exhibition in the United States, Latifa Echakhch presents a new body of work. The site-specific installation Plaintes (complaints) is inspired by The Modulor, a system of measurements developed by Swiss architect Le Corbusier. Echakhch applies the architect’s measures to eight charcoal wall drawings, which create an obscure pattern throughout the gallery. In addition, she displays small wooden brainteasers on pedestals. On a formal level they allude to the bag of tricks of modernism. The piece is consequently entitled HLM, after the subsidized housing complexes in the French banlieue. Furthermore, the large windows on Broadway are painted in a bright yellow, based on the substance Gaya (E102), a food coloring used as an inexpensive substitute for saffron in Asian cooking.
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Eating the Universe - Vom Essen in der Kunst
Kunsthalle Düsseldorf
Eat Art, von Daniel Spoerri als Bezeichnung für Kunst mit und aus Essbarem geprägt, hat in institutionalisierter Form ihren Ursprung in Düsseldorf: 1970 gründete Spoerri am Burgplatz die Eat Art Galerie, für die zahlreiche Künstler Editionen aus essbaren Materialien und Lebensmittelabfällen produzierten. Ausgehend von den Aktivitäten der Galerie verfolgt die Ausstellung in der Kunsthalle Düsseldorf mit einer breit angelegten Bestandsaufnahme aus heutiger Sicht den originären Charakter von Eat Art bis in die Gegenwart. "Eating the Universe" - ein Titel, den Peter Kubelka in den 1970er Jahren für eine TVSendung über das Kochen als Kunstgattung erfand – zeigt, wie relevant der künstlerische Umgang mit der Grundsubstanz Nahrung bis heute geblieben ist. Als elementare Schnittstelle von Kunst und Leben bekommt er vor dem Hintergrund von Themen wie Überfluss und Hunger, Konsum- und Globalisierungskritik, moderne Ernährungslehren und Koch-Shows, Schlankheitswahn und Fast Food eine neue Aktualität.
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Dance in My Experience
Kunstverein Düsseldorf
Die Ausstellung "Dance in My Experience" fragt, was aus den oftmals utopischen Ideen der 68er Zeit geworden ist, in der nicht nur das gängige Politikverständnis radikal in Frage gestellt wurde, sondern auch die Kunst eine neue, auf die Gesellschaft und ihre Veränderungsmöglichkeiten ausgreifende Rolle erhalten sollte. Der Titel spielt auf den gleichnamigen Text des brasilianische Künstler Hélio Oiticica von 1965 an, in dem er versucht, die Merkmale einer neuen zeitgemäßen Kunstform zu skizzieren: Die Zusammenarbeit mehrerer Künstler, die Abschaffung des Publikums zugunsten eines umfassend partizipatorischen Ansatzes, die Notwendigkeit der Abwendung vom Intellektuellen und die Suche nach direkten Ausdrucksformen, mit der sich sogar die Überwindung vorherrschender Ideen, sozialer Gruppierungen und auch Klassenunterschieden in der "lebendigen Erfahrung einer totalen kollektiven Schöpfung" realisieren ließe.
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Nasreen Mohamedi, Rasheed Araeen and Raqs Media Collective
Lunds Konsthall
Lunds konsthall is pleased to present three simultaneous exhibitions that offer distinct perspectives on the art and cinema of the Indian Subcontinent in recent history and today. Nasreen Mohamedi is regarded as one of the most important Indian artists of her generation, and her paintings, drawings and photographs, produced from the early 1960s to the late 1980s, are now being recognised as a key body of work within the modernist canon. Rasheed Araeen was born 1935 in Karachi, Pakistan. Trained as an engineer, he has been working as an artist, writer and publisher since his arrival in London in the 1960s. The Raqs Media Collective have invited eight documentary filmmakers to revisit key moments in their work; re-editing, re-making or re-presenting particular sequences from their films.
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Lawrence Carroll: Dust Paintings / Prop Paintings
Buchmann Galerie, Berlin
Für die Dust Paintings trägt Lawrence Carroll vor Ort mehrere Schichten feinen Staubes auf die Wand auf. Die ephemere Materialität verdichtet sich in der klaren Form des tableauxhaften Formates. Die schattenhafte Präsenz der Wandarbeiten stellt Lawrence Carroll in Bezug zu kleinen Akkumulationen warm leuchtender Glühbirnen, die direkt auf dem Boden liegen. „Ich fing an, Licht in meine Arbeiten einzubeziehen. Ich platzierte ein kleines Arbeitslicht neben mein Gemälde, manchmal direkt auf den Boden unterhalb des Gemäldes … Die Tatsache, dass das Licht verglühen würde, interessierte mich sehr; jede Idee verglüht irgendwann, bis ein Anderer kommt und sie an einen anderen Ort trägt, die durchgebrannte Glühbirne ersetzt und einen Raum oder eine Idee erleuchtet, die ehemals verbraucht oder veraltet erschienen. Die Vorstellung von Erneuerung hat mich immer schon interessiert.” (Lawrence Carroll, September 2008)
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Adrian Ghenie
National Museum of Contemporary Art, Bukarest
The National Museum of Contemporary Art in Bucharest presents the first survey exhibition of paintings by Adrian Ghenie, the well-known Romanian artist who lives and works in Cluj and Berlin. Ghenie is an ardent researcher of the history of the 20th century, being preoccupied with unearthing forgotten narratives, marginal events and seemingly insignificant details in order to compose a visual vocabulary that is both compelling and uncanny. The subject matter does not revolve around a single set of concerns, and yet the different themes of Ghenie's paintings seem to connect. Spectral presences of Hitler and Lenin, collective bodies of anonymous, defaced people - are all there to reveal the feebleness and inconsistency of our memory. The failure of modernity brought about by the catastrophes of the Second World War is seen in conjunction with the rise of modern forms of entertainment such as cinema, another major topic for Ghenie.
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We do it. Die Isola Nachbarschaft in zwei unzulänglichen Beschreibungssystemen
kunstraum lakeside, Klagenfurt
Die Stadt ist das Hauptfeld der Machtausübung. Überall in ihr werden Unterwerfungsmethoden (an Körpern, an der Sprache, an Orten) angewandt. Obwohl nichts per se politisch ist, nur weil Macht ausgeübt wird, kann doch alles bei passender Gelegenheit politisch werden. So ist in den letzten sieben Jahren das Isola-Viertel in Mailand – sowohl intern als auch in Bezug auf die Stadt – zum «politischen» Raum geworden. Es wurde zu einem Kräfte-, Spannungs-, Widerstands-, Wunsch- und Interessensfeld. Vielleicht aufgrund seiner Vergangenheit repräsentiert Isola nunmehr das Scheitern der modernen Stadtentwicklung. Spekulative Bauprojekte, Segmentierung durch die Polizei und Gentrifizierung zeugen davon. Seit dem Jahr 2000 ist das Isola-Viertel, ein einzelner Arbeiterbezirk im Zentrum Mailands, Gegenstand einer Gentrifizierungskampagne nach dem Plan der texanischen Entwicklerfirma Hines. Seit diesem Jahr ist eine aufgelassene Fabrik die Drehscheibe des Widerstands gegen diesen von der Gemeinde aufoktroyierten Plan.
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