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posted 18. Jan 2017

Terry Haggerty

28. Dec 2016 03. Feb 2017
von Bartha, S´Chanf Terry Haggerty Exhibition: December 28 - 30, 3 - 6pm and January 3 - February 3, by appointment


Terry Haggerty 
von Bartha, Basel

Schertlingasse 16
CH-4051 Basel

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posted 17. Jan 2017


13. Dec 2016 05. Mar 2017
opening: 12. Dec 2016 19:00
Thomas Bayrle (geb. 1937 in Berlin) verdankt die Kunstgeschichte das Bewusstsein für die Sinnlichkeit von Maschinen und die Ästhetik maschineller Produktion. Er ließ sich in den 1950er Jahren zum Weber und Grafiker ausbilden. Als einer der ersten Künstler in Deutschland arbeitete er mit computergenerierten Bildern und bediente sich des Prinzips des Seriellen, was ihn früh in die Nähe der amerikanischen Pop Art rückte. Bayrle befasst sich ästhetisch mit den sozialen Organisationsgesetzen von Individuum und Masse, wobei er seine Bildmotive der Alltagswirklichkeit des Menschen und der ihn umgebenden Waren- und Konsumwelt entnimmt. Das Wachstum urbaner Strukturen sowie auf Massengebrauch angelegter Fortbewegungsmittel versteht er als einen Kreislauf, der zwar von der Wirtschaft angekurbelt wird, diese aber wiederum auch in Gang hält. Er beschäftigt sich mit diesen Strukturen einerseits kritisch, andererseits bewusst als Konsument und Teilnehmer. Auf der documenta 13 zeigte Bayrle aufgeschnittene Motoren in Betrieb, mit denen er die Ästhetik von Maschinen, aber auch den Lebensrhythmus und die Verfassung des Menschen in der Massengesellschaft visualisierte. Bayrle stellte 2003 und 2009 auf der Biennale Venedig aus, sowie 1964, 1977 und 2012 bei der documenta in Kassel. Kuratiert von Eva Huttenlauch


Thomas Bayrle 


Eva Huttenlauch 
Lenbachhaus, München

Luisenstraße 33
80333 Munich

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posted 16. Jan 2017

Basim Magdy: The Stars Were Aligned for a Century of New Beginnings

10. Dec 2016 19. Mar 2017
Basim Magdy: The Stars Were Aligned for a Century of New Beginnings Trained as a painter, artist Basim Magdy (Egyptian, b. 1977) began experimenting with colorful works on paper and canvas before moving into the realm of photography and cinema. In a process he dubs “pickling,” the artist applies household chemicals to analog film and photographic material. The results are sumptuous, spectral photographic visions of landscapes, presented as large-scale prints, slide projections, and film. The MCA presents Magdy’s first US museum survey, featuring rarely seen and new pieces. His works across media—which evoke a pop sensibility in contrast to their grim titles, such as They Endorsed Collective Failure as the Dawn of a New Renaissance and The Bitterness of What Could Have Happened and What Ended Up Happening—speak to our collective ambition for a utopian future and the inherent failure of this human aspiration. This presentation includes newly commissioned works for the MCA as well as a specially produced artist book. The exhibition is organized by the Deutsche Bank KunstHalle in Berlin as part of the Deutsche Bank Artist of the Year 2016. It is overseen at the Museum of Contemporary Art Chicago by Omar Kholeif, Manilow Senior Curator. The exhibition is presented in the Bergman Family Gallery on the museum's second floor.


Basim Magdy 


Omar Kholeif 
MCA Museum of Contemporary Art, Chicago

220 East Chicago Avenue

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posted 15. Jan 2017

Dreamlands: Immersive Cinema and Art, 1905–2016

28. Oct 2016 05. Feb 2017
Dreamlands: Immersive Cinema and Art, 1905–2016 focuses on the ways in which artists have dismantled and reassembled the conventions of cinema—screen, projection, darkness—to create new experiences of the moving image. The exhibition will fill the Museum’s 18,000-square-foot fifth-floor Neil Bluhm Family Galleries, and will include a film series in the third-floor Susan and John Hess Family Theater. The exhibition’s title refers to the science fiction writer H.P. Lovecraft’s alternate fictional dimension, whose terrain of cities, forests, mountains, and an underworld can be visited only through dreams. Similarly, the spaces in Dreamlands will connect different historical moments of cinematic experimentation, creating a story that unfolds across a series of immersive spaces. The exhibition will be the most technologically complex project mounted in the Whitney’s new building to date, embracing a wide range of moving image techniques, from hand-painted film to the latest digital technologies. The works on view use color, touch, music, spectacle, light, and darkness to confound expectations, flattening space through animation and abstraction, or heightening the illusion of three dimensions. Dreamlands spans more than a century of works by American artists and filmmakers, and also includes a small number of works of German cinema and art from the 1920s with a strong relationship to, and influence on, American art and film. Featured are works in installation, drawing, 3-D environments, sculpture, performance, painting, and online space, by Trisha Baga, Ivana Bašić, Frances Bodomo, Dora Budor, Ian Cheng, Bruce Conner, Ben Coonley, Joseph Cornell, Andrea Crespo, François Curlet, Alex Da Corte, Oskar Fischinger, Liam Gillick, Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Alex Israel, Mehdi Belhaj Kacem and Pierre Joseph, Aidan Koch, Lynn Hershman Leeson, Anthony McCall, Josiah McElheny, Syd Mead, Lorna Mills, Jayson Musson, Melik Ohanian, Philippe Parreno, Jenny Perlin, Mathias Poledna, Edwin S. Porter, Oskar Schlemmer, Hito Steyerl, Rirkrit Tiravanija, Stan VanDerBeek, Artie Vierkant, and Jud Yalkut, among others. Dreamlands: Immersive Cinema and Art, 1905–2016 is organized by Chrissie Iles, Anne and Joel Ehrenkranz Curator.


Chrissie Iles 
Whitney Museum of American Art, New York

99 Gansevoort Street
NY 10014 New York

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posted 14. Jan 2017

11th Shanghai Biennale

11. Nov 2016 12. Mar 2017
Concept The phrase "Why Not Ask Again" is a bid, and a query, whose ascending, joyously twisting arc embraces the maneuvers, disputations and stories that contain and encode the turbulences and transports of our time. A listener eavesdropping on deep space walks out of the pages of the recent science fiction novel written in Chinese, The Three Body Problem by Liu Cixin. A wanderer steps out into the deep time of eternity and the straight path of a police bullet in the terminal sequence of the picaresque Bengali film Jukti, Takko aar Gappo (Reason, Debate and a Story) from 1974 by Ritwik Ghatak. They embody the spirit of a mobile triangulation between reason, intuition and the fabulous that the 11th Shanghai Biennale seeks to discover, transmit, and learn from.
 The layered perspectives in the miniature painting traditions of South Asia are an operational key for the exhibition, opening it to the braiding of varied temporal rhythms and spatial planes. Sometimes this makes place for extraordinarily discordant eruptions of the ordinary.   Walking the floors of the Power Station of Art will mean undertaking a hundred itineraries through Shanghai, Hanoi, Dakar, Fukushima, Ramallah, Lahore, Guatemala City, Tehran, Dubai, Stockholm, Dhaka, and many more unexpected byways, basements and bus stops of our present. Four terminals will propose four condensations at the edges of the perceptional, the bodily, the fabulist and the hibernating.   Seven infra-curatorial layers epiphytically folded within the biennale will interrupt, leaven and relay resonant and dissonant lines of enquiry. They gather a constellation of emergent curatorial intelligences from Lagos, Moscow, Delhi, Hangzhou, Bangalore, Istanbul and Paris.   51 Personae will invite others to meet them on their chosen ground. This strand entangles the biennale in the magical and lyrical layers of everyday life of Shanghai. Chen Yun, with Dinghaiqiao Mutual Aid Society, coordinates this extensive project.   Theory Opera will shift the sensory and auditory rhythm of walking, stopping, resting, chatting and looking through an accelerated operatic turn within the exhibition in order to explore the sensation of thought. These are live scenarios at the intersections of works throughout the duration of the biennale. Liu Tian and Yao Mengxi co-ordinate this sequence.   Like a listener scanning deep space jolted by a signal from a distant life form or a talkative wanderer interrupted by a brief aphorism, the 11th Shanghai Biennale asks, again, “How do questions act in the world?” * About the Chief Curator Raqs Media Collective was founded in 1992 by Jeebesh Bagchi (New Delhi, 1965), Monica Narula (New Delhi, 1969) and Shuddhabrata Sengupta (New Delhi, 1968). Raqs is a word in Persian, Arabic and Urdu and means the state that "whirling dervishes" enter into when they whirl. Raqs follows itself declared imperative of 'kinetic contemplation', and enjoys playing a plurality of roles, often appearing as artists, occasionally as curators, sometimes as philosophical agent provocateurs. They make contemporary art, have made films, curated exhibitions, edited books, staged events, collaborated with architects, computer programmers, writers and theatre directors, and have founded processes that have left deep impacts on contemporary culture in the world with their originality and scope. As artists, Raqs has presented works at most of the major international shows, including Documenta (2002), the Venice Biennale (2003,2005 & 2015), and the Shanghai Biennale (2010). The members of Raqs were co-curators of Manifesta 7 - the European Biennial of Contemporary Art (2008) in Bolzano and INSERT2014 in Delhi. Chief Curator: Raqs Media Collective Curatorial Collegiate: Sabih Ahmed, Liu Tian, Chen Yun, and Tess Maunder.
Shanghai Biennale

325, West Nanjing Road
200003 Shanghai

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posted 13. Jan 2017


22. Nov 2016 28. Feb 2017
Vera Munro, Hamburg

Heilwigstrasse 64
20249 Hamburg

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posted 12. Jan 2017

Wade Guyton. Das New Yorker Atelier

28. Jan 2017 30. Apr 2017
Wade Guyton hat in den letzten beiden Jahren eine neue Bildserie geschaffen, die im Museum Brandhorst erstmals in ihrer ganzen Breite und Komplexität vorgestellt wird. Während in seinem bisherigen Werk minimalistische Symbole wie die Buchstaben X und U, Streifen oder monochrome Flächen im Vordergrund standen, überraschen Guytons neue Leinwände mit vielfältigen Motiven und Techniken: Handy-Schnappschüsse aus seinem New Yorker Atelier, Screen Shots der Homepage der „New York Times“, aber auch abstrakte Formen. Letztere sind Zooms in die Bitmap-Dateien digitaler Bilder, die einen Blick in die „Anatomie“ der digitalen Bildsprache gewähren. Bereits seit den frühen 2000er-Jahren treibt Guyton seine Analyse der Bedingungen und Auswirkungen digitaler Bildproduktion mit beeindruckender Konsequenz voran. Seine Arbeitsweise folgt einer scheinbar einfachen Rezeptur: Leinwände und Seiten aus Kunstkatalogen werden in einen Tintenstrahldrucker gelegt und bedruckt. Im Laufe der Jahre hat sich daraus ein „signature style“ entwickelt, bestehend aus einem Set von Zeichen und Motiven, die Guyton in Programme wie Photoshop oder Word eingibt, um sie anschließend auf den Bildträgern als Print zu materialisieren. Dabei sind es vor allem die ungeplanten Überschneidungen, die maschinellen Fehler und Bedingtheiten, die Kontingenz in der digitalen Technologie aufdecken und den digitalen Code gleichsam zum Sprechen bringen. Der Künstler traktiert seinen Drucker, konfrontiert ihn mit Befehlen, die seine Leistungsgrenzen übersteigen und speist ihn mit Daten, die er beinahe nicht verarbeiten kann. Der digitale Arbeitsprozess stülpt gewissermaßen seine inhärenten Konflikte nach außen und öffnet sich dem Gespräch über Bedingungen seiner Sichtbarmachung. In seiner neuen Serie geht Guyton noch einen Schritt weiter und verstärkt das in seinen Arbeiten immer schon vorhandene Wechselspiel zwischen Malerei und Fotografie, analogen und digitalen Darstellungsmodi. Durch die Integration der inzwischen allgegenwärtigen Formate des Handy-Schnappschusses, des Screen Shots und des Zooms öffnet Guyton seine Bildwelt sowohl nach außen als auch nach innen. Er folgt damit der rasanten Ausdehnung und Verästelung des digitalen Codes in alle Lebensbereiche: Das Klicken durch die Zeitungsseite wird ebenso festgehalten wie der Blick aus dem Fenster des Ateliers, die Kaffeepause in der Küche und der Boden, auf dem der Künstler steht, wenn die Leinwand Stück für Stück aus dem Drucker kommt und sich über die Holzdielen schiebt. Das New Yorker Atelier von Wade Guyton befindet sich in einem Loft an der Bowery in Manhattan und beherbergt ein Archiv, eine Bibliothek, einen Bürobereich und eine Küche, die als Treffpunkt der Mitarbeiter dient. In der Mitte des Ateliers erstreckt sich ein großer offener Raum, in dem der Drucker steht. Entlang der langen Schauwand lehnen mehrere Stapel von Bildern, die kontinuierlich hin- und herbewegt werden. Die diversen Bereiche gehen ineinander über und provozieren die Frage, wo der „kreative Akt“ eigentlich stattfindet: An einem der Computer oder am Drucker? Während die Leinwand über den Boden gezogen wird und dadurch Spuren ihrer Bearbeitung erhält? Oder beim Betrachten und Aussortieren der Bilder, wenn sie nebeneinander aufgereiht miteinander kommunizieren? Das räumliche, soziale und politische Umfeld des Arbeitsprozesses, die alltäglichen Verrichtungen ebenso wie die technologischen Bedingungen, werden so zum Schauplatz der Bildwerdung. Damit aktualisiert Wade Guyton den kunsthistorischen Topos des „Atelier des Künstlers“ als Allegorie ästhetischer Selbstreflexion in einer in einer digital vernetzten Lebenswelt. Dabei fordern sich die neuen Motive und Bildserien gegenseitig heraus. Sie treten miteinander in ein reges Gespräch , kommentieren, ergänzen oder demontieren sich: Die New-York-Times-Bilder setzen zum Beispiel einen Kontrapunkt zu den Monochromien, indem sie Fotografie und Malerei, Abstraktion und Gegenständlichkeit, tagespolitische Aktualität und Zeitlosigkeit miteinander verschränken. Darüber hinaus werden die einzelnen Motive wiederholt, wobei mit jedem neuen Ausdruck ihre Farbgebung, ihre Konsistenz und Detailschärfe verändert wird. So etabliert Guyton ein offenes und sich kontinuierlich erweiterndes visuelles System. Die darin wirkende innere Spannung äußert sich jedoch nicht als unüberbrückbarer Konflikt, sondern als lustvolles Changieren zwischen antagonistischen Kräften. In der Ausstellung im Museum Brandhorst werden über 30 Bilder auf Leinwand und eine Serie von Zeichnungen in Vitrinen sowie zwei Filmprojektionen präsentiert. Es erscheint ein Katalog mit einem Gespräch zwischen Johanna Burton, Wade Guyton und Achim Hochdörfer.


Wade Guyton 
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posted 11. Jan 2017

Susanne Paesler. Retrospektive

19. Jun 2016 22. Jan 2017
Eröffnung der Ausstellung am Sonntag, 19.06.2016, um 11:30 Uhr (Einlass ab 11:00 Uhr) Das SCHAUWERK zeigt eine in Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum Bonn entstandene Retrospektive der Künstlerin Susanne Paesler (1963-2006). Mit rund 40 Werken gibt die Schau einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen von den Anfängen in den 1990er Jahren bis zu Arbeiten, die erst kurz vor ihrem frühen Tod entstanden. In ihrem Schaffen diskutiert Paesler den Stellenwert des Kunstwerks in einer Welt bereits existierender Bilder und reproduzierbarer ästhetischer Strukturen. Dies zeigt sich bereits in frühen Gemälden, in denen die Künstlerin vordergründig an die geometrische Formensprache des Konstruktivismus anknüpft, dabei jedoch Muster und Farben wählt, die zugleich auf Alltägliches wie Karo- oder Spitzenstoffe verweisen. Indem sie diese Vorbilder nicht als Readymade direkt in ihr Kunstwerk integriert, sondern malerisch auf die Leinwand überträgt, verschwimmt die scharfe Trennung zwischen Kunst, Kunsthandwerk und Design. Ähnlich verfährt Susanne Paesler dann um die Jahrtausendwende mit Werken berühmter Künstlerkollegen wie Lucio Fontana oder Jackson Pollock. Deren Handschrift eignet sie sich an und verwendet sie in ihren eigenen Gemälden wie zuvor die Stoffmuster, so zum Beispiel in der Arbeit „Gepixelte Gesten“ aus dem Jahr 2003. Ästhetische Kategorien wie das Authentische und das Subjektive als Inbegriff der Kunst werden hinterfragt und so zeigt Susanne Paesler die Malerei auf der Suche nach sich selbst. In Zusammenarbeit mit dem Kunstmuseum Bonn Mit freundlicher Unterstützung der Galerie Barbara Weiss, Berlin


Susanne Paesler 
SCHAUWERK Sindelfingen

SCHAUWERK SINDELFINGEN | Eschenbrünnlestraße 15/1
71065 Sindelfingen

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posted 10. Jan 2017

Francis Alÿs. Le temps du sommeil

18. Nov 2016 22. Jan 2017
opening: 17. Nov 2016 19:00
FRANCIS ALŸS Le temps du sommeil Eröffnung: Donnerstag, 17. November 2016, 19 Uhr Francis Alÿs ist für unauffällige Interventionen und perform ative Handlungen ebenso bekannt wie als Initiator und Koordinator großangelegter kollektiver Aktionen voll allegorischem Gehalt. Viele dieser Aktionen, sowohl die, welche den Künstler als Akteur zeigen, als auch die Massenaktionen, bei denen Alÿs als Perso n im Hintergrund bleibt, haben inzwischen Kultstatus erlangt. In Re -enactments (2000, Mexiko City) spazierte Alÿs mit einer geladenen Pistole durch die Stadt, bis er von einem Polizisten aufgehalten wurde, den er schließlich dazu überredete, die ganze Akti on zu wiederholen und auf Video aufzuzeichnen – daher der Titel Re- enactments. Der Prozess des Verhandelns und die Interaktion (mit dem Polizisten) sind charakteristisch für die Herangehensweise des Künstlers, dessen ortsspezifische Projekte sich über den Dialog mit Menschen mit den spezifischen lokalen und politischen Situationen befassen, diese aber als solche nie direkt ansprechen. When Faith Moves Mountains, 2002 in Lima, Peru, ausgeführt, war ein Projekt von fast biblischem Ausmaß: die Versetzung einer 500 Meter langen Sanddüne um zehn Zentimeter, ausgeführt von 500 Freiwilligen, reflektierte die aussichtslose Stimmung in einem Land, das von einer Diktatur beherrscht war, und wurde zu einer symbolischen Geste der Hoffnung. Im Zentrum der gleichnamigen Ausstellung in der Secession steht Le temps du sommeil (Die Zeit des Schlafes, 1996 –), ein Werk, das in seiner Subtilität und Unergründlichkeit paradigmatisch für das gesamte Oeuvre ist. Die kleinformatigen, auf Holz gemalten Bildwerke (11,5 x 15,5 cm) zei gen miniaturhafte Szenen und wirken häufig wie Momentaufnahmen einfacher Bewegungen und Tätigkeiten, die sich bei genauerem Hinsehen als ziemlich absurd herausstellen. Le temps du sommeil ist eine Serie von 111 Gemälden, die innerhalb der letzten beiden Jahrzehnte entstanden, aber nicht abgeschlossen ist. Anstatt die Serie quantitativ zu erweitern, überarbeitet, verändert, ergänzt Alÿs die Bilder und mitunter übermalt er sie auch vollständig. Manche Tafeln bleiben über Jahre unberührt, andere unterliegen häufigeren Überarbeitungen. Seit der letzten Präsentation der Arbeit wurde rund ein Viertel der Bilder übermalt, allein 16 Bilder tragen einen Datumsstempel aus 2016. Einzig fotografische Dokumentationen geben Aufschluss über die Transformationen dieses Werkes, das sich gewissermaßen mit dem Künstler weiterentwickelt: Die Arbeit verdeutlicht einerseits die Beständigkeit und das Fundament, auf dem Alÿs’ künstlerische Arbeit ruht, andererseits veranschaulicht sie auch sich verändernde Interessen und die Verschiebung von Prioritäten. Die Bilder sind in jeder Weise anspruchsvoll: Das kleine Format entzieht sie dem schnellen Blick – sie fordern Zeit. Die BesucherInnen, die sich darauf einlassen, das lange Band von Bildern abzuschreiten, werden mit einem einzigar tigen Bilduniversum vertraut: Die meisten Darstellungen entstammen den Notizbüchern des Künstlers, dessen malerisches Werk seit Beginn seiner künstlerischen Tätigkeit parallel zu den Aktionen und kollaborativen Großprojekten entsteht. Es zeichnet sich aus durch wiederkehrende oder ähnliche Charaktere, die wie die Figuren eines Romans immer wieder in Erscheinung treten. Auffallend sind seine mit Anzug bekleideten Protagonisten, die aus anderen Malereiserien als „the Liar“, „the Prophet“, „the Clown“ u.a. b ekannt sind und die entweder zuerst in Le temps du sommeil skizziert und von hier aus in weiteren Arbeiten entwickelt wurden oder umgekehrt. Die Stilfiguren von Spiegelung und Umkehrung finden sich bei Alÿs häufig, sowohl in seinen Texten als auch seinen B ildern. Le temps du sommeil ist Archiv, Fundus und Ideensammlung in einem. Die Verschränkung von Wort und Bild – häufig über die Titel der Arbeiten – ist ein weiterer wichtiger Aspekt seiner Arbeit. Dass die Bilder der Serie gemeinsam mit Konzepttexten un d Ideen für Interventionen und Werke gezeigt werden, sollte nicht in die Irre führen. Die Texte sind nicht als Erläuterung zu den Bildern zu verstehen, sie treten vielmehr in einen Dialog und verweisen auf das komplizierte Verhältnis von visueller und verb aler Kommunikation – und das nicht ohne Humor. Im Grafischen Kabinett werden die Filme Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing) (1997) und Paradox of Praxis 5, Ciudad Juárez, México (Sometimes we dream as we live and we live as we dream) (2013) gezeigt, die einen Bogen von seinem frühen Werk zu einer ganz neuen Videoarbeit schlagen. FRANCIS ALŸS Francis Alÿs, geboren 1959 in Belgien, lebt und arbeitet in Mexiko -Stadt. Einzelausstellungen (Auswahl) : 2016 Story of Negotiation , M useo Nacional de Bellas Artes, Havanna; 2015 Story of Negotiation , Malba, Buenos Aires, Argentina; Beyond the River. Afghan Projects 2010- 2014 , The Sergey Kuryokhin Centre for Contemporary Art, St. Petersburg, Russia; Hotel Juarez , Proyecto Siqueiros: Sala de Arte Público, Mexico City, Mexico; A Story of Negotiation , Museo Tamayo, Mexico City, Mexico 2014 Reel Unreel (Afghan Projects, 2010 -2014) , CCA Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland; Reel -Unreel (Afghan Projects, 2010 -2014) , Madre, Naples, Italy; Fabiola, Museo de Arte Zapopan, Zapopan, Jalisco, Mexico; Seven Walks , Art Exchange, University of Essex, UK; 2012 Guards, University of Michigan, Museum of Art, Ann Arbor, US; 2011; A Story of Deception , The Museum of Modern Art, New York; BACA 2010 Biennial Award Contemporary Art , Bonnefanten Museum, Maastricht, Netherlands; A Story of Deception , Wiels, Brussels; A Story of Deception, Tate Modern, London, UK; Le Temps du Sommeil , Irish Museum of Modern Art, Dublin, Irland; 2009 Politics of Rehersal , Museo de Arte del Banco de la Republica, Bogota, Colombia; Fabiola , National Portrait Gallery, London; 2008 Bolero (Shoe Shine Blues) and Politics of Rehearsal , The Renaissance Society, Chicago, US; Gruppenausstellungen (Auswahl ): 2016 32nd São Paulo Biennial , São Pau lo, Brazil; While you are here , Museum of Fine Arts, Boston; Esma’/Listen , Beirut Art Center, Beirut, Lebanon; The Gap: Selected Abstract Art from Belgium , Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen, Antwerp, Belgium; 2015 Saltwater , Istanbul Biennial, Istanbul, Turkey; The Revenge of the Common Place , Flemish Pavillon, 56th Venice Biennale , Venice, Italy; 2014 Zero Tolerance , MoMA PS1, Long Island City, New York, US ; Pure Water , Lentos Kunstmuseum Linz, Austria; Manifesta 10 , The State Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia; Under the Same Sun: Art from Latin America Today , Solomon R. Guggenheim Museum, New York, US; 2013 América Latina 1960-2013 photographs , La Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, France; The Floating Admiral , Palais de Tokyo, P aris, France; Fail Better , Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Germany; 2012 Documenta 13 , Kassel, Germany; PUBLIKATION Francis Alÿs Le temps du sommeil 184 Seiten Details: Hardcover, 195x145 mm, dreiseitiger Farbschnitt Texte: Francis Alÿs, Catherine Lamper t 112 Abbildungen Secession 2016 Vertrieb: Revolver Verlag EURO 39,- Das Ausstellungsprogramm wird vom Vorstand der Secession zusammengestellt. Kuratorin: Bettina Spörr Ausstellungsgespräch Donnerstag, 17. November 2016, 18 Uhr Francis Alÿs im Gespräch mit Catherine Lampert Eine Veranstaltung der Freunde der Secession (in englischer Sprache)


Francis Alÿs 


Bettina Spörr 
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

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posted 09. Jan 2017

House of Commons

03. Dec 2016 29. Jan 2017
Anfang Dezember zeigt der Portikus die Ausstellung House of Commons mit Werken von jungen aufstrebenden und international etablierten Künstlerinnen und Künstlern. House of Commons wird sich über ihre Laufzeit kontinuierlich verändern und versteht sich in diesem Sinne weniger als statische Gruppenausstellung, denn als dynamisches Projekt. Wöchentlich werden Kunstwerke hinzugefügt, ausgetauscht und neu arrangiert. Jede dieser Präsentationen wird durch Werkbesprechungen, Filmvorführungen und Performances erweitert. Den Auftakt bildet die Gegenüberstellung zweier Werke: Danh Vos Skulptur WE THE PEOPLE (2011), einer Eins-zu-eins-Replik der Freiheitsstatue, verteilt auf 225 Fragmente, von denen im Portikus ein Teil des Fußes zu sehen sein wird, sowie Passer en Angleterre, Accès terminal transmanche, Calais, juillet 2007, einer Fotografie von Bruno Serralongue, die den Moment des Wartens im Leben Geflüchteter an der französischen Küste festhält. Ausgehend von dieser dualen Präsentation wird die Ausstellung weiterwachsen und in ihren folgenden Kapiteln Fotografien, Malereien, Skulpturen und Videoarbeiten zeigen. House of Commons ist als Reaktion auf die politischen Ereignisse der vergangenen Monate in Europa und den Vereinigten Staaten entstanden. Begleitet von einem allgemeinen Stimmungswandel stellen Ereignisse wie das Brexit-Referendum und die Wahl Donald Trumps die Grundfeste demokratischen Denkens und Handelns in Frage und zeigen auf, wie wichtig die konstruktive Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Meinungen und Ansichten ist. Vor diesem Hintergrund werden in der Ausstellung sowohl künstlerische Arbeiten gezeigt, die sich explizit mit politischen oder sozialen Fragestellungen beschäftigen, als auch Werke, die auf abstrakter Ebene grundsätzliche Fragen der Kunst behandeln. So positioniert sich der Portikus mit House of Commons politisch, argumentiert aus der Kunst heraus und hebt mit der simplen Geste der Gegenüberstellung, die Wichtigkeit des Gesprächs und der Toleranz gegenüber unterschiedlichen Meinungen für das gemeinsame Zusammenleben hervor. Titelgebend für die Ausstellung ist die Architektur des Britischen Unterhauses, welche dadurch gekennzeichnet ist, dass die Mitglieder der Mehrheitspartei den Vertretern der Opposition einander gegenübersitzen. Diese Idee, die erstmals 29 v. Chr. in der Curia Iulia des Römischen Senats umgesetzt wurde, greift der Frankfurter Architekt Paul Bauer auf und installiert im Portikus zwei einander gegenüberliegende Tribünen, die als Sitzgelegenheit und als Display für Kunstwerke gleichermaßen funktionieren. So spiegelt die Ausstellungsarchitektur die direkte Konfrontation zweier Positionen, Meinungen und Ansichten wider und schafft einen Raum, in dem Kunstwerke und Körper miteinander in Beziehung treten können. House of Commons versteht sich als eine Ausstellung, die ein Abbild aktuellen künstlerischen Schaffens skizziert und als eine Plattform der Auseinandersetzung, Konfrontation und kritischen Reflektion. Schließlich verweist der Portikus mit dieser Schau darauf, dass es heute wichtiger denn je ist, sich dem Betrachten, Zuhören, Hinterfragen und der offenen Diskussion zu widmen.
Portikus, Frankfurt

Alte Brücke 2 / Maininsel
60594 Frankfurt

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posted 08. Jan 2017


03. Dec 2016 12. Feb 2017
opening: 02. Dec 2016 19:00
Eröffnung: Fr, 2. Dezember 2016, 19 Uhr Die Galerie im Taxispalais zeigt erstmals in Österreich eine umfassende Einzelpräsentation der tschechisch-kanadischen Künstlerin Jana Sterbak (*1955 in Prag, lebt und arbeitet in Montreal). Im facettenreichen OEuvre Sterbaks nimmt die Auseinandersetzung mit Körper und Identität, Materialität und Prozesshaftigkeit eine zentrale Rolle ein. In ihren skulpturalen, performativen, fotografischen und filmischen Werken stellt sie mittel- und unmittelbare Bezüge zu Konflikten des Menschen in der zeitgenössischen Gesellschaft her und lotet den Übergang von der Sphäre der Intimität zur Sphäre der Öffentlichkeit aus. Der Wahl des Materials kommt dabei entscheidende symbolische Bedeutung zu. Beispielhaft dafür steht Sterbaks viel diskutiertes Werk Vanitas: Flesh Dress For An Albino Anorectic (1987), für das sie Fleischstücke zu einem Kleid vernähte – eine eindringliche Metapher für körperliche, aber auch gesellschaftliche Prozesse. Die Ausgangsmaterialien ihrer Werke sind mit Alltagserfahrungen verknüpft und vermögen den Betrachter dadurch auf einer explizit persönlichen und empfindsamen Ebene zu erreichen. Zugleich schwingen in Sterbaks Arbeiten subversive und ironisch- humorvolle Anklänge mit, mittels derer sie gesellschaftliche Konventionen, Zwänge und Rollenklischees offenlegt. Kurator/innen: Beate Ermacora, Michael Krajewski In Kooperation mit Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg


Jana Sterbak 
Galerie im Taxispalais, Innsbruck

A-6020 Innsbruck

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posted 07. Jan 2017


03. Dec 2016 12. Feb 2017
opening: 02. Dec 2016 19:00
Remise TIRIL HASSELKNIPPE – Station Exhibition: 3 December 2016 – 12 February 2017 Press tour: 2 December 2016, 11 am Opening: 2 December 2016, 7 pm Artist talk IT’S NOT LATE IT’S EARLY #14: 7 December 2016, 7 pm On the occasion of her first institutional solo exhibition in Germany, the Norwegian artist Tiril Hasselknippe presents a site-specific installation that deals with the post apocalyptical vision of a survival station amidst a wayless desert landscape. The project’s formal and conceptual starting point is a research trip of the artist to the North American Mojave desert. In her examination of this isolated situation and the characteristic materials and surfaces on site she created an installation consisting of three sculptures, which hints at an interior space, which is not suggesting any explicit functions of the individual segments. Coated with a layer of concrete, the shapes of the individual sculptures melt into one joined ensemble, which is grouped around a kind of fire pit representing the basic archaic motive of human cohabitation. The overall assembly is carried by a visible wooden structure, which influences the spatial proportions and the perception of the observers within the exhibition space. By entering this stage-like setting, the observer unexpectedly advances to be a protagonist in an otherwise uninhabited scenario. The vast expense and the solitude of the desert panorama are juxtaposed by the seemingly domestic intimacy of the suggested shelter. This way the artist creates a place of retreat, which concisely captures in a nutshell the popular drop-out fantasies of a “Generation Angst” and other existing protectionist tendencies in societies. A newly developed film project is shown alongside the large-size concrete installation, thus casting a cinematically distorted gaze on the situation. Tiril Hasselknippe (*1984, Arendal, Norway) lives in Oslo. After her studies at Malmö Art Academy and Cooper Union School of Art, New York, her works have been presented in exhibitions at the Malmö Konsthall (2013), at the Kunstverein Dortmund, at Swimming Pool, Sofia and at Galeria Foksal, Warsaw (all in 2016). She regularly creates elaborate exterior sculptures and curates her own exhibitions.
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posted 06. Jan 2017

Robert RAUSCHENBERG. Salvage

14. Oct 2016 14. Jan 2017
opening: 20. Oct 2016 18:30
Paris Marais Robert RAUSCHENBERG. Salvage Opening: Thursday, October 20, 2016: 6.30-8.30pm Galerie Thaddaeus Ropac is pleased to present the first solo exhibition of American artist Robert Rauschenberg at their Marais gallery. The gallery has represented the artist’s estate since April 2015. The exhibition will showcase paintings from the Salvage series (1983-1985), the artist’s last series on canvas. Consisting of canvases painted and silkscreened with photographs either collected in magazines or taken by himself, Salvage recalls the topics and compositions of his iconic Silkscreen Paintings from the early sixties. Although they use commercial printing processes and focus on mass-media imagery, they remain expressionistic, painterly, and multipart in organization. Rauschenberg likes wordplay and the exact meaning of the title remains ambiguous. Historically borrowed from the lexicon of maritime terms, salvage designates the act of rescuing debris from a disaster like a shipwreck and, by extension, defines the act of collecting the rescued goods themselves. As such, the title teasingly recalls the artist’s longstanding use of found objects and images in his work. It also plays on the word selvage, which means a fabric edge intended to be cut off and discarded. In this specific case, it might refer to “salvaged” drop cloths that the artist used when silk-screening costumes for Set and Reset (1983), Trisha Brown’s choreographic piece he collaborated on, just before he started the series. Rauschenberg believed that painting related to “both art and life. Neither can be made. I try to act in the gap between the two” - as famously stated in 1959. Following from this belief, he created artworks that move between these realms, in constant dialogue with the viewers and the surrounding world, as well as with art history. Merging silkscreened photographs with gestural abstraction was a way to incorporate elements from reality into the field of painting. Considering the world as a gigantic painting, the process of cropping artfully from it and then clustering the actuality and materials of the real world in and onto his art remained his central project. Spanning a variety of themes, the Salvage series counts amongst his finest achievements. It presents recurrent motifs (bicycles, cars, farm animals and architectures) that reflect Rauschenberg’s renewed bond to photography in the early 1980s. His photographs signified a specific approach to the archaeology of the present times, which his paintings forcefully carry out to this day. A fully illustrated catalogue will accompany the exhibition with essays by Hervé Vanel and Mark Ormond. As Hervé Vanel explains in his essay: “What the Salvage series was attempting to rescue is not reducible merely to fragments of personal memory mingled with clever quotations. The series, to borrow something Rauschenberg said, keeps inviting ‘a constant change of focus and an examination of detail.’ It is essentially as if, whatever the cost, the vocabulary and the visual grammar should never be pinned down in a way that might make them easy to decode.” Born in 1925 in Port Arthur, Texas, USA, Robert Rauschenberg has been a major influence in the art world. Stepping away from defined models of practice towards new modes that integrated the signs, images, and materials of the everyday world, his quest for innovation was fuelled by his boundless curiosity and enthusiasm for new ways of working. Over the span of six decades, he worked in a wide range of mediums including painting, sculpture, prints, photography, and performance, always questioning the ways the deluge of images in modern media culture could be transmitted and transformed. In 1964, he became the first American artist to win the Golden Lion at the Venice Biennial. The exhibition of the Salvage series in Paris comes ahead of the first comprehensive retrospective of the artist to be organized since his death in 2008. Robert Rauschenberg will be on view at Tate Modern, London (30 November 2016–2 April 2017), the Museum of Modern Art, New York (21 May 2017–4 September 2017) and the San Francisco Museum of Modern Art (4 November 2017–25 March 2018).
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posted 05. Jan 2017


20. Dec 2016 22. Apr 2017
Works by four pioneering artists who, though active in different places and periods, developed similar visual languages, are brought together for the first time to shed new light on 20th-century abstract art. Otto Freundlich – theoretician, political activist, painter, and sculptor – belonged to the first generation of abstract artists, working alongside Braque and Picasso; Len Lye, a multi-disciplinary artist from New Zealand, was a pioneer of animated film-making; Brazilian painter and installation artist Lygia Clark created innovative interactive works; and Blinky Palermo was known for his “fabric paintings.” For all four, form, color, and shadow lay at the heart of their work, blurring the boundary between two-dimensional and three-dimensional art.

artists & participants

Lygia Clark,  Otto Freundlich,  Len Lye,  Blinky Palermo 


Rita Kersting 
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posted 04. Jan 2017

Sue Williams

05. Nov 2016 21. Jan 2017
Galerie Eva Presenhuber Löwenbräu Areal Sue Williams Galerie Eva Presenhuber is pleased to present the 5th exhibition with the New York-based artist Sue Williams. Since Sue Williams' pictoral and sculptural work came into public in the 90s, it has underwent great changes. At the beginning of her career, Williams painted figures that were heavily influenced by comic-books and the pictoral language of advertisment. These paintings often show domestic violent and explicit sexual contents, which were mostly understood as a feminist critique of the patriachic society and of war. Over the years, Williams' sometimes rawly applied figurative scenes changed into more casual and extended compositions that took over large-scale canvases – until they grew into almost or total abstractions, into interwined swirling compositions consisting of bodyparts, orifices, and betokened organs. Starting with her raw lining, which was often accompanied by handwriting, Williams increasingly employed classical techniques of 20th century painting: Smudge, drip, expressionistic brushstroke, or abstract lines – techniques which, in the male-dominated world of painting, are associated with male painters like Jackson Pollock or Willem de Kooning. In Williams' recent works, which seem abstract at first glance, forms and painting gestures emerge which refer to her earlier work: Forms create figures, and finally leave the viewer with the question if they really exist on the canvas or not. The exhibition presents two groups of works which Williams created in two different decades: Paintings on fabric taken from patternbooks from the late 90s, and large-scale paintings which the artist created recently. In combination, the different works allow an amazing insight into the development of Williams' oeuvre, revealing both differences and continuities. Fabric-patterns can be understood as an embodiment of a crusted, petty-bourgeois community, perpetuating structures like the nuclear family, patriarchy and thus the devaluation of women. Williams employs these fabric-patterns, still recognizable through their characteristic toothing and perforation, as a ground for her painting. The pastose primer, reacting with the fabric, fringes at the rims and thus creates the impression of holes being ripped into the material – or of visions emerging from the patterns. The figurative scenes, applied with the characteristic aggression and wildness of William's works from the 90s, show the proverbial backside of the fabric-patterns: Anti-erotic images in which female figures are treated object-like. Both the fabric itself and the scenes can be understood as a social satire of treatment of woman – sometimes sad, sometimes with a very dark sense of humor. Williams' new large-scale paintings show the latest development of her work: Compositions in oil – which seem to be totally abstract at first glance – extended over large canvases combine the different techniques the artist developed during her career: Clear lines bundling or building patterns, colour fields, fringing at the rims, and clear drawings which are neither figurative nor totally abstract. Figures or organs seem to emerge, a clear reference to Williams' signature style. It’s not the paintings' subjects, being represented violently subjected by the structures – it’s the painting subject itself that breaks ground in these images. At first glanze, the exhibion shows two groups of works as different as the decades they were created in. But the figurative scenes are showing up again inside and all over mixed in with the abstract 20 years later. Yet the tension between the works only proofs the continuity in the development of Sue Williams pictoral work. Sue Williams was born 1954 in Chicago Heights, Illinois (USA), and lives and works in New York. Her first solo exhibition with Eva Presenhuber took place in 1999. Her work is represented in major museums and private collections worldwide, including the Museum of Modern Art, New York; Whitney Museum of American Art, New York; Hirschhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; the Art Institute of Chicago; Sammlung Goetz, Munich. In the fall of 2015, her retrospective monograph has been released by JRP|Ringier. Solo shows in public museums include Vienna Secession; IVAM Valencia, Spain; Geneva Center for Contemporary Art, and Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Germany, and participated in 3 consecutive Whitney Biennials. Major Museum group shows include Comic Abstraction, Museum of Modern Art New York (2007); Rebelle, Museum voor Moderne Kunst Arnhem (2009); Keeping it Real, Whitechapel Gallery, London (2010); Figuring Color, The Institute of Contemporary Art, Boston (2012); Take it or leave it, Hammer Museum, Los Angeles (2014); America is Hard to See, Whitney Museum of American Art New York (2015); Painting 2.0, Museum Brandhorst, Munich (2015-16). Tillmann Severin


Sue Williams 
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posted 03. Jan 2017

Guerrilla Girls. Not Ready To Make Nice

10. Nov 2016 19. Feb 2017
opening: 09. Nov 2016 19:00
Opening: November 9, 7–9pm This fall, the Guerrilla Girls’ breath of inquisitive air sweeps over the Grand Est. More active than ever, invariably politically incorrect, the American collective takes over the spaces of 49 Nord 6 Est for a show orchestrated by Xabier Arakistain, a staunch supporter of the feminist cause. An opportunity to (re)discover their work: books, films and archive photographs of their actions undertaken in the public space. As well as their emblematic posters from the 49 Nord 6 Est Collection, Not ready to make nice, the title of this exhibition, which traces 30 years of artistic insurrection, says it all. Concerned with the lack of equality—whether gender, race, or class—in international museums, the Guerrilla Girls have taken up arms. Becoming the “conscience of the art world,” anonymous behind their gorilla masks, these activists have relentlessly denounced all forms of discrimination, exposing the under-representation of women and minorities in our society. The sheer magnitude of the task has inspired countless avenging activists to put on masks and join their ranks. This unifying energy has been the driving force behind the creation of activist collectives around the world. Veritable 21st century Robin Hoods, the Guerrilla Girls continue to galvanize the cultural sphere with their famous posters and the lacerating wit of their provocative actions. They sound an urgent call to arms. Join us at 49 Nord 6 Est for creative action workshops, a self-defense course, and intersections between art and activism. Like the Guerrilla Girls, become super-hero.ine.s, whether you like wearing tights or not. Guerrilla Girls are a collective of anonymous artists founded in 1985. Determined to give precedence to the political dimension of their work and to denounce the systematic oblivion to which women are subjected in contemporary societies, the members of the collective decided to remain anonymous by wearing gorilla masks and taking the names of illustrious women who were already deceased. The collective use facts, humor and outrageous visuals to expose gender and ethnic bias as well as corruption in politics, art, film, and pop culture undermining the idea of a mainstream narrative by revealing the understory, the subtext, the overlooked, and the downright unfair. They believe in an intersectional feminism that fights discrimination and supports human rights for all people and all genders. The group has done over 100 street projects, posters and stickers all over the world, including New York, Los Angeles, Minneapolis, Mexico City, Istanbul, London, Bilbao, Rotterdam, and Shanghai, to name just a few. The Guerrilla Girls also do projects and exhibitions at museums, attacking them for their bad behavior and discriminatory practices right on their own walls, including their 2015 stealth projection about income inequality and the super rich hijacking art on the façade of the Whitney Museum in New York or the celebrated project for the Venice Biennale 2005. They have also have retrospective exhibitions in Bilbao and Madrid, Guerrilla Girls 1985-2015 and have done a number of specific projects, like Is it even worse in Europe? (October 2016–March 2017) at the Whitechapel Gallery or the week-long major public project at Tate Modern (October 4–9, 2016). Xabier Arakistain (Madrid, 1966) is a feminist curator based in Bilbao. He incorporated the category of sex as a curatorial criterion since his first exhibition, Trans Sexual Express (Bilbao Arte, 1999). Between 2001 and 2003 he introduced gender parity into the exhibition programme at Fundación Bilbao Arte Fundazioa. In 2005 he launched Manifiesto Arco 2005 demanding that public administrations adopt practical measures to implement equality between the sexes in the field of art, which inspired article 26 of Spain’s Equality Act. He was Director of Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Vitoria-Gasteiz, from 2007 to 2011, making it a pioneering institution in the development and application of feminist policies in the fields of contemporary art, thought and culture. In 2008, concerned about hurdles to the transmission of feminist knowledge between generations and the shortage of feminist texts in translation, he initiated, in collaboration with feminist anthropologist Lourdes Méndez, the yearly interdisciplinary, international and intergenerational course Feminist Perspectives in Art Production and Theories of Art that since 2012 is held at Azkuna Zentroa, Bilbao. Xabier Arakistain has also curated retrospective shows devoted to Feminist Art pioneer Judy Chicago and to the US collective Guerrilla Girls as well as the shows What I see Susan Hiller (co-curated with Beatriz Herráez), Living Together (co-curated with Emma Dexter) and Kiss Kiss Bang Bang, 86 steps in 45 Years of Art and Feminism. Thanks to: Amy Harrison, Azkuna Zentroa, Alhóndiga Bilbao, Matadero Madrid


Xabier Arakistain 
Frac Lorraine, Metz

1 bis rue des Trinitaires
F-57000 Metz

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posted 02. Jan 2017


12. Nov 2016 22. Jan 2017
Eröffnung der Ausstellung am Freitag 11. November 2016, 19 Uhr There are so many varieties of Germanic culture here in Bregenz thatare not mixable, and I see that as a kind of geyser, like anything that builds up enough pressure, you have to lance it or pop it, that’s a geyser, that’s a pimple, a pimple popper. You know, that’s what it is. That’s what philosophy is. Philosophy is a popped pimple. All of these simultaneous cultures are teutonic (of a sort) and if you read tectonic as teutonic plates, one can understand the allusion to the geyser. Lawrence Weiner, Bregenz, September 2016 Eine Linie zieht eine elegante schwarze Bahn über ein weißes Feld. Sie formt eine weich geschwungene Kurve. Zuvor verzweigt sie sich, die Striche bleiben wie lose Enden. Die Linien sind wie eine Strudelbewegung, eine rasche Geste, eine souveräne Unterstreichung, flankiert von zwei Pfeilen, die in den markanten Farben Gelb und Rot aufwärtstreibende Kräfte darstellen. Schwarz konturiert und optisch robuster, stoßen sie auf die gezogene Spur, auf deren begrenzendes Territorium und in den leeren Raum. Sie bezeichnen ein Kraftfeld und enden dennoch im Nirgendwo. Es geht um Andeutung und Unterlassung, um Reihung, irritierende Begegnung, optische Nähte und die Fluchtbewegung von Wörtern und Zeichen. Über den Pfeilen ist der Ausstellungstitel zu lesen, WHEREWITHAL in weißen, schwarz konturierten Großbuchstaben. In blauer Farbe steht eine deutsche Übersetzung des englischen Begriffs: WAS ES BRAUCHT. Es geht um das Nötigste, das letzte Auskommen. Ein Werk über die Sprache und nach Weiners Auskunft ein Gedankenbild über den Zustand von Gesellschaft, der Menschen und der Welt heute. Kunst muss Fragen stellen, so Lawrence Weiner bei seinem ersten Besuch im Kunsthaus Bregenz. Wenn sie sich mit Antworten begnügte, geriete sie in die Fallen von Gefälligkeit und einfacher Bebilderung. Es gehe vielmehr darum, Werte zu hinterfragen durch Überblendungen, durch überraschende Wort-Sinn-Beziehungen, visuelle Knappheit und pointierte Zeichen. 1942 in New York geboren, zählt Lawrence Weiner zu den bekanntesten Künstlern weltweit und den Begründern der amerikanischen Conceptual Art. Diese in den 1960er Jahren entstandene Kunstrichtung dachte grundlegend über die Voraussetzungen eines Kunstwerks nach. Sie erörterte die Voraussetzungen für die Möglichkeit von Malerei und Fotografie, für die Beständigkeit der Gattungen, nicht zuletzt die Grenzen der Kunst. Ist es notwendig, dass ein Kunstwerk realisiert wird? Genügt nicht die Idee des Werks, um bestehen zu können? Ist für die Idee eines Werks ein besonderer Autor Voraussetzung? Gewinnt das Werk nicht erst in der Wahrnehmung seine unverwechselbare Einmaligkeit?


Lawrence Weiner 
Kunsthaus Bregenz

Karl Tizian Platz
A-6900 Bregenz

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posted 01. Jan 2017

Maurizio Cattelan. Not Afraid of Love

21. Oct 2016 08. Jan 2017
“This exhibition is the very first, after the Guggenheim show, that has more than three of my works altogether: it is a special editing of things I’ve done before retiring. Let’s say it is a post-requiem show, where, like in a Poe’s novel, I’m pretending to be dead, but I can still see and hear what happens around." –Maurizio Cattelan Monnaie de Paris houses Maurizio Cattelan’s largest European exhibition ever. From October 21, 2016 to January 8, 2017, Not Afraid of Love, curated by Chiara Parisi, director of Cultural Programs, sets Maurizio Cattelan’s “comeback at work” in one of the most beautiful Palaces on the river Seine. “Not Afraid of Love, it's a contradiction in terms: love might be the solution of every problem in the world, but there’s no love in exhibition. The lack of love, or the quest for love, is the engine that moves every creature, and the cause of every war, probably.” At 56 years old, Maurizio Cattelan has almost no fear of anything, nor love, nor death, nor to tell a little more. The exhibition comes together with the publication of an artist book entirely conceived by Maurizio Cattelan and published by Monnaie de Paris, also some special coin editions are created by the artist in the engraving workshops of Monnaie de Paris. The work of Maurizio Cattelan provokes debates, reactions, thoughts. On the occasion of Not Afraid of Love at Monnaie de Paris, more than 40 personalities from contemporary life present their argued reaction, for and against, about one work presented in the show.
Monnaie de Paris

MONNAIE DE PARIS | 11, quai de Conti
75270 Paris

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posted 31. Dec 2016

Hyperrealism. 50 Years of Painting

25. Feb 2017 04. Jun 2017
‘Hyperrealism. 50 years of painting’ presents three generations of US and European artists in a unique survey of Hyperrealist painting. Hyperrealism sprang up in the 1960s in the USA as a reaction to the dominant trend of Abstract, Minimal and Conceptual Art. Taking their lead from Pop Art, a group of young American painters made their lives and objects, the product of the emerging consumer society, the theme of their work. They used photography as a source for their paintings by transferring existing images faithfully onto canvas. The paintings of everyday scenes and blown-up consumer commodities – from sweets and shiny car bumpers to ketchup bottles – attracted a lot of attention from both admirers and critics. The works of these artists, including Chuck Close, Robert Bechtle, Richard Estes, John Salt and Franz Gertsch, are painted with such meticulousness and precision that they look like photographs. With more than seventy works by a good thirty artists, this survey presents the history of a fascinating artistic movement. It follows the Kunsthal’s programmatic line of exhibitions connected with realism, such as Chuck Close, Duane Hanson, The Adventure of Reality | International Realism and Painting Now! Back to Figuration.
Kunsthal Rotterdam

Westzeedijk 341
3015 AA Rotterdam

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posted 30. Dec 2016

Take Me (I’m Yours)

16. Sep 2016 05. Feb 2017
In this highly unconventional exhibition, visitors are encouraged to participate, touch, and even take home works of art by 42 international and intergenerational artists, many of whom are creating new and site-specific works for the exhibition. In a conventional museum experience, you, the visitor, may consume art only by looking at the paintings, sculptures, or photographs on view. You are not allowed to touch the works, and certainly not able to take them home. In defiance of this well-established standard, Take Me (I’m Yours) extends an invitation. Featuring works by more than forty artists from different generations and from all over the world, the exhibition asks you not only to get into close contact with the artworks, but to take them away and keep them for good. Take Me (I’m Yours) aims to create a democratic space for all visitors to take ownership of artworks, and curate their personal art collections, by subverting the usual politics of value, consumerism, and the museum experience. Visitors constantly transform the landscape of the galleries, bit by bit, through direct engagement. This presentation builds upon an iconic exhibition of the same name that took place in 1995 at the Serpentine Gallery in London. Conceived by the curator Hans Ulrich Obrist and the artist Christian Boltanski, it included works by twelve artists, several of whom are participating again here. Obrist and Boltanski took inspiration from a host of histories and ideologies related to possession, from the anarchist idea that “ownership is theft” to the post-1960s dematerialization of the object in conceptual art. Restaging this exhibition at the Jewish Museum, a collecting institution with holdings that span centuries, offers occasion to rethink the role of the museum as an archive. Instead of collecting works and preserving them for all eternity, we are giving them away. Sharing pervades Jewish life, beginning in the home and extending out to the community. Here the exhibition is the home, and the works are what we share with you, our visitors. Jens Hoffmann Director of Special Exhibitions and Public Programs, the Jewish Museum Hans Ulrich Obrist Artistic Director, Serpentine Galleries, London Kelly Taxter Associate Curator, the Jewish Museum Participating Artists aaajiao , Kelly Akashi , Uri Aran , Dana Awartani , Cara Benedetto , Christian Boltanski , Andrea Bowers , James Lee Byars , Luis Camnitzer , Ian Cheng , Heman Chong , Maria Eichhorn , Hans-Peter Feldmann , Claire Fontaine , Andrea Fraser , General Sisters , Gilbert & George , Felix Gonzalez-Torres , Matthew Angelo Harrison , Yngve Holen , Carsten Höller , Jonathan Horowitz , Jibade-Khalil Huffman , Alex Israel , Koo Jeong A , Alison Knowles , Angelika Markul , Adriana Martinez , Daniel Joseph Martinez , Jonas Mekas , Rivane Neuenschwander , Yoko Ono , Sondra Perry , Rachel Rose , Martha Rosler , Allan Ruppersberg , Tino Sehgal , Daniel Spoerri , Haim Steinbach , Rirkrit Tiravanija , Amalia Ulman , Lawrence Weiner Gallery Performances James Lee Byars, Be Quiet, 1980 Saturdays, noon – 4 pm Alison Knowles, Shoes of Your Choice, 1963 Saturdays, noon – 4 pm Sondra Perry Date and time to be announced
Jewish Museum, New York

1109 Fifth Avenue at 92nd Street
NY-10128 New York

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