daily recommended exhibitions

posted 09. Dec 2022

Regina José Galindo. Tierra

05. Nov 202226. Feb 2023
opening: 04. Nov 2022
05.11.2022 - 26.02.2023 Opening: 04.11.2022 **Regina José Galindo Tierra** Curated by Marco Scotini As part of Artissima, on Friday November 4, 2022, the PAV is pleased to announce the opening of Tierra, the solo exhibition of the artist Regina José Galindo, a Guatemalan artist who, for over twenty years, has been investigating the subject of social justice through the lens of performative practices whose expressive focal point is the relationship between the body and the environment. The exhibition, curated by Marco Scotini, follows on from those by the Indian artist, Navjot Altaf, and the Indonesian artist Arahmaiani in the investigation of the specific relationships that exist between environmental exploitation and oppressed peoples, decentralising the gaze as it goes beyond the geographical and cultural boundaries of the so-called West. The exhibition covers Galindo’s twenty-year-long career (Leone d’Oro at the 51st Venice Biennale as best young artist), focussing on the ways in which every one of her contacts with natural elements should be read in an intersectional and militant key. Amongst all the natural elements, the earth has a particular status of its own: Galindo’s approach avoids any essentialist description of the relationship between the earth and the female body. The itinerary displays the results of an approach that has evolved over the years, from an initial focus on Guatemalan socio-political problems, to a (site-specific) attention to the contexts and communities with which the artist has found herself interacting. Regina José Galindo uses the body as the preferred instrument of an intense artistic practice which began towards the end of the 1990s. Far from the formal type of research performed by the traditional art schools, Galindo immediately used art as a means of communication and political action. Born and brought up during the long Guatemalan military dictatorship, she was a witness from a very early age of the civil war characterised by repressive practices through to the ethnic cleansing of the indigenous populations. The physical and conceptual heart of the exhibition, Tierra (2013) testifies to the trauma that innervates the people’s memories. A trauma in which the earth is the barycentre of crimes carried out by attacking bodies—the mechanical digger that digs a ditch around Galindo’s body alludes to the mass graves into which the military threw both political opponents and indigenous people—on both political and economic levels. Equally, in Mazorca (2014), the predatory and violent act represented by the mechanical digger turns into four men with machetes who cut down the plants around the artist’s body as she stands in the middle of a field of maize. The military’s repressive strategies include precisely the destruction of the fields that are fundamental for sustaining the indigenous population. Furthermore, as part of the opening, the exhibition connects to the current humanitarian and energy crisis through a new performance based on fossil matter. With Galindo’s exhibition, the PAV Parco Arte Vivente states that sensitivity to ecological issues can in no way be separated from a radical analysis of the economic and political powers of contemporary capitalism. Regina José Galindo (1974) lives and works in Guatemala City. Winner of the Leone d’Oro at the Venice Biennale in the young artists category in 2005; she received the Prince Claus Award in Holland, the special award at the 29th Ljubljana Biennale and the Robert Rauschenberg Award. Her works are on display in numerous public collections, including the Centre Pompidou, Paris; MEIAC- the Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Badajoz; the Fondazione Galleria Civica, Trento; the MMKA, Budapest; the Castello di Rivoli, Turin; the Daros Foundation, Zurich; the Blanton Museum, Austin; the UBS Art Collection, Basel; the Miami Art Museum; the Cisneros Fountanal Art Foundation, Miami; and the Madco-Museum of Contemporary Art, Costa Rica. The exhibition has been realised with the support of the Compagnia di San Paolo, the Fondazione CRT, the Regione Piemonte, and the City of Turin.


Marco Scotini 
Parco Arte Vivente, Turin

PAV | Via Giordano Bruno 31
10134 Turin

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posted 08. Dec 2022

Ceremony (Burial of an Undead World) '

23. Oct 202230. Dec 2022
23. Oktober – 30. Dezember 2022 Eröffnung: Samstag, 22. Oktober 2022 **Ceremony (Burial of an Undead World)** Ausstellung mit Beiträgen von Leo Asemota, Shuvinai Ashoona, Richard Bell, Raymond Boisjoly, Gaëlle Choisne, Pauline Curnier Jardin, Alice Creischer und Andreas Siekmann, Mario Cresci, Abraham Cruzvillegas, Mariana Castillo Deball, Stan Douglas, Albrecht Dürer, Léon Ferrari, Jermay Michael Gabriel, Luigi di Gianni, Yervant Gianikian und Angela Ricci Lucchi, Leah Gordon, Nicolás Guillén, Ho Rui An, James T. Hong, Dapper Bruce Lafitte, Carlo Levi, Jane Jin Kaisen, William Kentridge, Will Kwan, Mary Reid Kelley und Patrick Kelley, Titina Maselli, Cecilia Mangini, Guadalupe Maravilla, Peter Minshall, Lemohang Jeremiah Mosese, Ernest Nash, Le Nemesiache, Rachel O’Reilly, István Orosz, Huang Yong Ping, Rosa von Praunheim, Tabita Rezaire, Elza Soares, Karlheinz Stockhausen, Jean-Marie Straub und Danièle Huillet, Kidlat Tahimik, Rosemarie Trockel, Joyce Wieland, Tania Willard, David Wojnarowicz, Xiyadie, Lawrence Paul Yuxweluptun und vielen mehr. Kuratorinnen: Anselm Franke, Elisa Giuliano, Denise Ryner, Claire Tancons, Zairong Xiang Wir leben – und überleben – in den Ruinen des modernen/kolonialen Weltsystems: in dessen Institutionen, Strukturen der Ungleichheit, Grenzregimen und Subjektformen. Diese untote Welt und ihre Weigerung zu sterben entladen sich mit zunehmender Gewalt. Es braucht ein Begräbnis, um andere Zukünfte möglich zu machen. Die Ausstellung Ceremony (Burial of an Undead World) spricht über Gemeinsamkeiten und Kontinuitäten in Kosmologien und Ursprungsmythen über Zeiten und Räume hinweg. Vor diesem Hintergrund erst wird es möglich, die vorherrschende (Selbst-)Erzählung von der Moderne als geschichtlicher Zäsur neu zu denken. Ceremony nimmt dabei Bezug auf die Arbeit der jamaikanischen Theoretikerin Sylvia Wynter, für die die „Kehrseitenkosten“ der Moderne eng mit den „Mutationen“ von der christlichen Kosmologie hin zu einem säkularen Diskurs der Moderne verbunden sind – von Enteignung und Sklaverei bis hin zu Extraktivismus und Klimawandel. Ceremony bringt Werke verschiedener Genres und Epochen sowie historische Dokumente mit vielen Gesprächspartnerinnen zusammen. Es beinhaltet ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm und eine Publikation.
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posted 07. Dec 2022


04. Nov 202215. Jan 2023
opening: 04. Nov 2022 06:00 pm
ARTHUR JAFA 4 November 2022 – 15 January 2023, OPENING: Friday, November 4th, 6 pm – 12 am In collaboration with Serpentine, London Curated by Judith Waldmann and Claude Adjil with Hans Ulrich Obrist OGR Torino announces the exhibition by Arthur Jafa, the first solo show dedicated by an Italian institution to the US-American artist, filmmaker and cinematographer, that will take place from November 4th 2022 to January 15th 2023.   Commissioned and produced by OGR Torino in collaboration with Serpentine in London, and curated by Claude Adjil and Judith Waldmann with Hans Ulrich Obrist, the upcoming show was originally developed with Amira Gad and is specifically conceived by the artist for the cathedral-like space of OGR Torino. The exhibition brings together some recent works that have never been shown in Italy before.   Arthur Jafa’s dynamic practice comprises films, installations and happenings, addressing Black culture and experience in the US with unprecedented intensity and complexity. In the 58th Venice Biennale (2019), his outstanding work was awarded the Golden Lion for best presentation. A recurring question underscores his multifaceted practice: how can visual media and objects embody "power, beauty and alienation” embedded within Black music in the United States.   The opening and the exhibition will be accompanied by a live programme, highlighting Arthur Jafa’s profound preoccupation with music and the cross pollination of disciplines and fields.


Arthur Jafa 
OGR Torino

Corso Castelfidardo, 22
10138 Turin

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posted 06. Dec 2022

Cemile Sahin - A Song of Tigris & Euphrates

05. Nov 202205. Mar 2023
Cemile Sahin A Song of Tigris & Euphrates 5 November 2022 – 5 March 2023 At the centre of her installation for Kunsthalle Osnabrück is the premiere of the first part of her film series Vier Balladen für meinen Vater [Four Ballads For My Father]. The film, entitled Frühling [Spring] combines her signature style of quick, bright shots and prominent text and graphics with a cinematic, plot-driven narrative. The film tells the story of the Kurdish family Bingöl, whose homeland was flooded by a Turkish water dam project and displaced its members between Istanbul, Paris and on the road. The family’s father was lost in the process, and his children vow to find him. Along the way, we learn through Sahin’s playful yet incisive direction about the politics of water in the region, a natural resource rivaling oil for its scarcity and power. Cemile Sahin (\*1990, Wiesaden) lives and works in Berlin. Most recently, Cemile Sahin's work has been shown in international solo and group exhibitions, including at the Lyon Biennale, the Bundeskunsthalle Bonn (both the Akademie der Künste Berlin (2021), the Kunstverein Hamburg (2020), the Galerie für Zeitgenössische Kunst Leipzig and the NS Dokumentationszentrum München (both 2019). She published the novels TAXI (2019, Korbinian Verlag) and ALLE HUNDE STERBEN [ALL DOGS DIE] (2020, Aufbau Verlag), which are an important part of her artistic practice. She is an ars viva award winner of Visual Arts (2020) and a laureate of the Alfred Döblin Medal (2020).


Cemile Sahin 
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posted 05. Dec 2022

André BUTZER. Xylon - Acquerelli, pitture, libri e poesie

22. Sep 202220. Dec 2022
Gió Marconi, Via Tadino 15, Milan 22.09.2022 – 20.12.2022 Opening: Thursday, September 22, 2022 **André BUTZER. Xylon - Acquerelli, pitture, libri e poesie** National and international are Mickey and Donald, the two Lambchicks and real friends, as always grafted fully with niiice ideas! What do they want? Here we now ’ve gotta world ball full of water and flesh hauled in. (2008) Happiness is always and our words come from the ears of God and turn into our language: and are our dialect! Wannsee-Wanderer Deathbringer Rangsdorf lake Totality America … be happy and liveth as always toward death. Lightbringer (we bring N-light) wherefrom where we have settled there’s light Amen André Butzer FRIEDRICH HÖLDERLIN (2021) transl. Alexander Serner Gió Marconi is pleased to announce Xylon – Acquarelli, pitture, libri e poesie 2008 / 2021, André Butzer’s sixth solo show with the gallery. The exhibition highlights a very important part of the artist’s practice – works on paper which Butzer has continued to produce concomitantly with his paintings. On display in the gallery will be a group of 11 large-scale, black and white figurative drawings from 2008 which will be exhibited for the first time and which will be shown in dialogue with more recent figurative and abstract works on paper. In conjunction with the show André Butzer – Alcune poesie, a selection of André Butzer’s poems dating from 1999 to 2021, will be published. On September 21, a book-signing of the artist’s just published André Butzer monograph by TASCHEN will take place from 6 pm to 8 pm at the TASCHEN shop in Via Meravigli 17, 20123 Milan. André Butzer (*1973, Stuttgart), lives in Berlin-Wannsee. Solo exhibitions have been held in international institutions, such as the Friedrichs Foundation, Weidingen (2022); YUZ Museum, Shanghai (2020); Museum of the Light, Hokuto (2020); IKOB Musée d’Art Contemporain, Eupen (2018); Växjö Konsthall, Växjö (2017); Bayerisches Armeemuseum, Ingolstadt and Neue Galerie Gladbeck (2016); Kunstverein Reutlingen (2015); Künstlerhaus – Halle für Kunst und Medien, Graz (2014); Kestnergesellschaft, Hanover and Kunsthistorisches Museum / Theseustempel, Vienna (2011); Kunsthalle Nuremberg (2009); Kunstverein Ulm (2005) and Kunstverein Heilbronn (2004).

 Works by André Butzer are in the collections of the Art Institute of Chicago; University of Chicago, Chicago; Children’s Museum of the Arts, New York; Faye G. Allen Centre for the Visual Arts, University of Washington, Seattle; Rubell Museum, Miami; LACMA Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles; Marciano Collection, Los Angeles; MOCA Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Pinakothek der Moderne, Munich; Contemporary Art Collection of the Federal Republic of Germany, Bonn; Friedrichs Foundation, Weidingen / Bonn; Deichtorhallen Hamburg – Falckenberg Collection, Hamburg; Paula Modersohn-Becker Museum, Bremen; Hall Art Foundation, Reading / Derneburg; Hamburger Bahnhof, Berlin; Nationalgalerie / Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin; Kupferstichkabinett, Berlin; Miettinen Collection, Berlin; Hölderlinturm, Tübingen; IKOB Musée d’Art Contemporain, Eupen; Collection of the Country Tyrol; Carré d’Art, Nîmes; Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid; MONA Museum of Old and New Art, Tasmania; YUZ Museum, Shanghai.


Andre Butzer 
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posted 04. Dec 2022

Albert Scopin. Schwarzes Licht

29. Oct 202215. Jan 2023
opening: 28. Oct 2022 05:00 pm
29.10.2022 - 15.01.2023 Vernissage: 28.10.2022, 17 Uhr **Albert Scopin. Schwarzes Licht** In den 1960er-Jahren studierte Scopin Fotografie in München, bevor er 1969 nach New York zog und renommierten Fotografen assistierte. In dieser Zeit lernte er Andy Warhol und seine Freunde kennen und wohnte und arbeitete im legendären Chelsea Hotel. Hier drehte er 1970 den Dokumentarfilm „Chelsea Hotel“, der die damaligen Bewohner des Hotels porträtiert, u. a. Patti Smith und Robert Mapplethorpe. Anfang der 1970er-Jahre gründete Scopin eine eigene Filmproduktionsfirma und drehte Dokumentarfilme im und über den New Yorker Kulturuntergrund. 1974 zog er zurück nach Deutschland, richtete sich ein Studio in Frankfurt am Main ein und widmete sich zunehmend der Fotografie. Zu Beginn der 1980er-Jahre begann er zu zeichnen und zu malen, primär in Grautönen der Schwarzweiß-Fotografie. Im Jahr 1985 folgte ein Umzug nach München. Von 1983 bis 1988 lehrte Albert Scopin als Dozent an der Fachhochschule für Gestaltung in Darmstadt, zog sich aber 1990 in sein Atelier in Seeshaupt am Starnberger See zurück, um ausschließlich künstlerisch zu arbeiten. Von der Fotografie wandte er sich gänzlich ab. Mal stand die Zeichnung im Vordergrund, mal war die Malerei im Zentrum seines Interesses. Seit 2012 arbeitet Scopin fast ausschließlich mit Asphalt. Der Künstler lebt und arbeitet in Lörrach und Riehen bei Basel. Seine Werke befinden sich in bedeutenden Museen wie dem Museum Ludwig in Köln. Großangelegte Werkschauen fanden 2016 in der Barlach Halle K in Hamburg sowie in der St.-Elisabeth-Kirche in Berlin statt. Zuletzt waren seine Arbeiten 2022 im Rahmen der 59. Biennale Arte in Venedig zu sehen und ab Ende Oktober im Bayerischen Nationalmuseum in München. Albert Scopin, 1943 in Freiburg im Breisgau geboren, hat sich einem im Bereich der Kunst eher ungewöhn- lichen Material zugewandt: dem Asphalt. Seit gut zehn Jahren schafft er aus und mit ihm zwei- und dreidimen- sionale Werke von starker Präsenz und Ausdruckskraft. Scopins Handwerkszeug sind Schmelzöfen, Gasbren- ner, Besen und anderes Gerät, mit dem er die auf über 200 Grad erhitzte zähflüssige Masse auf Holzplatten aufbringt und verteilt, ein Prozess, der langjährige Erfah- rung und höchste Könnerschaft verlangt. Seine Werke zeigen abstrakte, oft archaische Formen, andere erin- nern an asiatische Kalligrafie. Mit geübten Handgriffen legt er Schicht über Schicht, lässt sich von der zähflüssi- gen Masse leiten und verleiht seinen Werken damit eine reliefartige Gestalt. Da das Material schnell erkaltet und aushärtet, bleibt für den Malprozess wenig Zeit. Je nach Art des Auftrags und den verwendeten Werkzeugen ent- stehen Oberflächen von unterschiedlicher Struktur, die das Licht auf ganz verschiedene Weise reflektieren und dem Betrachter eine Vielzahl an Seherlebnissen bieten. Matte Flächen liegen neben seidig schimmernden oder auch hochglänzenden Partien. Bewegt man sich vor Scopins Arbeiten, scheinen sie sich unentwegt zu ver- ändern und changieren zwischen tiefem Schwarz und dunklem Anthrazit über unterschiedlichste Grautöne bis hin zu Weiß. In manchen Werken sorgen farbige Pigmen- te für kontrastierende Ebenen. Scopins Werke haben eine ruhige, geradezu meditati- ve Ausstrahlung und sind dennoch energiegeladen. Sie rücken ein Material in den Fokus, das uns im Alltag per- manent umgibt, das untrennbar mit unserer modernen Industriegesellschaft verbunden ist, aber dennoch kaum wahrgenommen wird: Ein Speicher von Jahrmillionen Erdgeschichte, Fluch und Segen zugleich, wird durch die Hand des Künstlers zu einem ästhetischen Erlebnis. Eine Ausstellung der Edition Minerva, kuratiert von Manfred Möller


Albert Scopin 


Manfred Möller 
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posted 03. Dec 2022


17. Jun 202230. Dec 2022
June 17–December 30, 2022 **SHRINE** Artists: Naomi Chambers, Renée Cox, Mary Martin, LaKeisha Wolf, Alisha B Wormsley, sarah huny young The Mattress Factory (MF), Sibyls Shrine and Pittsburgh-based artist and curator Jessica Gaynelle Moss present SHRINE, a tripartite program that uplifts and recognizes Black m/others, artists, creatives, and activists by honoring creation of sacred spaces as sites of resistance and liberation struggle. SHRINE, through December 30, 2022, includes new immersive installations by six artists who bridge ancient practices with technology, the spiritual and physical, and the artificial and natural worlds. SHRINE provides insight into each artist’s process and practice of resistance, self-love and preservation. MF’s Monterey Annex is transformed into a site of renewal, discovery and personal and collective healing. Naomi Chambers’ Mommies Vs. Aunties is playful, rooted in health, wellness and personal goal-building. A simulated soccer field, concrete cones and a television of Chambers coaching other Black mothers/aunts with life skills (juggling = balancing work/play) stand before an enormous goal, inviting the viewer to work through personal battles and celebrate accomplishments. Reneé Cox explores Black identity through photography, collage, and video, using the body to displace religious symbols from white-centric paradigms. With Soul Culture, Cox collaborated with SoulRounded, an interdisciplinary team of Carnegie Mellon University students. Working alongside Cox over 14 weeks, this collaboration designed and developed new works using Cox’s Soul Culture imagery, featuring projection mapping and other interactive technologies. Mary Martin’s A Constant Struggle for Reciprocity hosts a tea ceremony in a calming blue-hued room, full of small objects and vessels of clay, wood, fiber and glass. These serve as containers of spiritual and physical realms with abilities to both give and receive. This reciprocity is demonstrated through use of the double spouted vessels and intertwined weaving techniques. In LaKeisha Wolf’s How Deep Is Your Love, brightly colored cotton string takes up space, stretching across rooms as reminders of personal and spiritual growth. The environment is further charged by gemstones, crystals, salts and other natural elements that activate the senses. The centerpiece is Wolf’s medicine wheel, made up of sustainably harvested plant medicines. Alisha B Wormsley’s work focuses on a “thriving radical Black dimension.” Remnants, Portals and Power: The Afterlife is a portal to a meditative void; a point of departure to a safe Black realm. This piece offers glimpses into family dreamscapes, sister and m/other-hood and science fiction. Audiences are greeted by opera singer Li Harris’ “Pythia Is A Black Girl’s Name.” Wall projection and modified salon chairs feature excerpts from Wormsley’s “children of NAN” archive. sarah huny young’s 7 is a lush, grotto sanctuary blanketed with vines of ivy, eucalyptus, and wisteria housing photographs of six towering Black goddesses who live harmoniously where cultural lines are nonexistent. Each goddess ties into motherhood, fertility, vengeance and rage. “7”, a symbolic number, is used by the artist to remind “every Black woman who steps in this space that self-preservation begins with a worship within one’s self...” SHRINE also brings art to the community with two additional programs: –SANCTUARY, a free block-party, held on June 17, 2022 to honor local Black entrepreneurs and small businesses. Featured artists: Schereéya, Marietta Altenor, Dail Chambers, Nikki Delice, Chere Gordon, Desa Kishar, and Tiara LaShawna. –ALTAR, an experimental satellite gallery engages the broader public across display boards throughout Pittsburgh. Artists: Tara Fay Coleman, Olivia Guterson, Anqwenique Kinsel, Tsedaye Makonnen and janera solomon. Runs through August 31, 2022. SHRINE includes written contributions by poet Camille Posey, writer janera solomon and editor Gwendolyn Mitchell, and features Public Programs by artists Dail Chambers and Alecia Dawn Young. The exhibition’s visual branding was designed by artist and MF Designer, Cori Robinson.
Mattress Factory, Pittsburgh

500 Sampsonia Way
15212.4444 Pittsburgh

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posted 02. Dec 2022

À l’école de Ernest Barlach, le sculpteur - Georges Adéagbo

30. Oct 202219. Feb 2023
30. Oktober 2022 – 19. Februar 2023 **À l’école de Ernest Barlach, le sculpteur Georges Adéagbo** Hommage zum 80. Geburtstag Aus Anlass seines 80. Geburtstags widmet das Hamburger Ernst Barlach Haus dem aus Benin stammenden Installationskünstler Georges Adéagbo eine umfassende Einzelschau. Seit Jahrzehnten pendelt der 1942 geborene Georges Adéagbo zwischen Cotonou (Benin), Hamburg und Ausstellungsorten auf der ganzen Welt. In den 1990er Jahren wurde die europäische Kunstwelt auf ihn aufmerksam, heute zählt er zu den bedeutendsten Künstlern aus Afrika. Er war Teilnehmer der Documenta 11 (2002) und der Biennalen in Dakar (1996), Johannesburg (1997), Sidney (1998), São Paulo (1998), Venedig (1999 und 2009), Lyon (2000) und Shanghai (2016). Zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen in namhaften Institutionen machten ihn in den vergangenen drei Jahrzehnten in Europa, den USA, Afrika, Australien und Japan bekannt. Die Arbeiten von Georges Adéagbo sind raumgreifende, sich über Wände und Böden breitende Assemblagen. Jenseits westlich geprägter Ordnungsmuster und Hierarchien knüpfen sie ein dichtes Beziehungsnetz der Dinge, Bilder und Gedanken. Dabei sind Adéagbos Arbeiten so persönlich wie politisch. In ihren stets auf den jeweiligen Ausstellungsort bezogenen Arrangements verschränken sie die eigene Geschichte mit gesellschaftspolitischen Themen und Ereignissen von globaler Relevanz. Dem Wissen um weltweite Konflikte setzt Adéagbo eine Utopie universeller Verbundenheit entgegen, die sich in seinem grenzüberschreitenden Leben und Arbeiten spiegelt: Sein interkultureller Transfer ermöglicht die Transformation von Wertigkeit, Bedeutung und Ideen. In den letzten Jahren hat das Werk des Expressionisten Ernst Barlach (1870–1938) vielfältige Spuren im Schaffen Adéagbos hinterlassen – in Form von Bildbänden, Postkarten oder malerischen und plastischen »Übersetzungen«, mit denen Adéagbo Schildermaler und Kunsthandwerker in Benin beauftragt hat. Wir haben Georges Adéagbo eingeladen, diesen Dialog zu vertiefen und die Sammlung des Ernst Barlach Hauses aktiv in seine installative Arbeit einzubeziehen. Unter dem Motto »In der Schule von Ernest Barlach, dem Bildhauer« greift Adéagbo existenzielle Themen Barlachs wie Krieg und Gewalt, Macht und Ohnmacht, aber auch Nächstenliebe und Spiritualität auf und verwebt sie mit eigenen Perspektiven. Die Ausstellung wird in einem Katalog dokumentiert, der am 13. Dezember erscheint. Herausgegeben von Karsten Müller, mit Fotos von Andreas Weiss und Texten von Petra Lange-Berndt, Stephan Köhler und Karsten Müller. 80 Seiten mit 40 Farbtafeln, Großformat 36 x 27 cm, dreisprachig (Deutsch / Englisch / Französisch), broschiert, Verlag Kettler, Dortmund 2022. Das Ausstellungsprojekt entsteht in Zusammenarbeit mit Stephan Köhler, Kulturforum Süd-Nord e.V., Hamburg–Cotonou.
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posted 01. Dec 2022


15. Sep 202218. Dec 2022
GAM – Galleria d’Arte Moderna, Milan September 15 – December 18, 2022   FURLA SERIES 4 **ANDREA BOWERS** curated by Bruna Roccasalva Fondazione Furla and GAM – Galleria d’Arte Moderna of Milan announce the beginning of a long-term partnership in which the two institutions will work together on the upcoming events in the Furla Series cycle—annual exhibition projects in which contemporary art interfaces with the museum’s spaces and collection. This partnership, which consolidates the path first undertaken in 2021 with the Nairy Baghramian exhibition, confirms the desire to promote a form of public-private collaboration based on institutional synergies and shared planning. The next event in this renewed collaboration will be a solo exhibition by Andrea Bowers curated by Bruna Roccasalva. The exhibition—the first to be dedicated to the American artist by an Italian institution—will offer the chance to celebrate feminism and bodily autonomy, amplifying issues from the present and past. Andrea Bowers is an American artist and activist whose research combines aesthetic practices and political engagement from a feminist perspective. Bowers employs a variety of media, from drawing to video to neon installations, bringing together socially relevant content with a formal approach connoted by its strong visual impact. Her work is a perfect example of how, through the aesthetic power of its language, art can convey socially relevant messages. Furla Series 4. Andrea Bowers is part of the Furla Series, the project cycle that since 2017 has engaged Fondazione Furla in the creation of exhibitions in collaboration with major Italian art institutions, with an all-female program designed to valorize and showcase women’s fundamental contribution to contemporary culture.


Andrea Bowers 
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posted 30. Nov 2022

Art and Industry

06. Oct 202229. Jan 2023
06.10.2022 - 29.01.2023 **Art and Industry** The revolution of digital technology and the late capitalism at the end of the 20th century, have caused art and industry to merge in different ways; the accelerating socialization and industrialization of art have opened a new era where culture—not product—is being produced, and consumed in the economy. In the past, the main driving force of the industrial economy was capital, technology, and labor. Over the digital and post-digital age, information (big data) was added as the main force, and art has finally become the core element of economic growth. After passing the Third Wave, described by Alvin Toffler as an ‘information society,' now we are encountering the Fourth Wave which was noted by Jim Dator that art (dream) is centered in social and economic life. In fact, in contemporary times, we can find many companies that are merging actively fusing art into their administrative management, with the objective of creative administration. This exhibition is a research project to explore and describe, from a cultural history perspective, the cases of horizontal convergence between art and industry. It aims to present the successful collaboration cases that achieved two needs: the economic value of companies and the artistic one of art. Thus, this exhibition would like to unfold the past, present, and future of the horizontal convergence where art and industry are in symbiosis.
Ulsan Art Museum

72 Doseogwan-gil

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posted 29. Nov 2022

Massimo Bartolini. Hagoromo

16. Sep 202208. Jan 2023
16th September 2022 – 8th January 2023 **Massimo Bartolini. Hagoromo** curated by Luca Cerizza in partnership with Elena Magini With Hagoromo, the Centro per l'arte contemporanea Luigi Pecci in Prato dedicates a major exhibition to Massimo Bartolini (Cecina, 1962) running from September 16th 2022 to January 8th 2023. The exhibition will be a new chapter of the monographic exhibitions series that the Centro annually host to show audiences artworks by Italian artists. The exhibition, realized in partnership with Intesa Sanpaolo, will be showcasing a new installation - the largest the artist has ever created - specifically designed for the museum spaces, a sort of new ‘backbone’ guiding onlookers around the works created at different moments in his career. Avoiding the familiar retrospective layout based around a chronological/thematic display of works, the exhibition is like an unexpected sequence of surprising and revealing encounters. Hagoromo is the title of a well-known Japanese Noh theatre play, which tells the story of a fisherman who one day finds the hagoromo, the feathered cloak of the Tennin, a female celestial spirit of supernatural beauty that is part of Japanese mythology. When the spirit asks for her cloak back without which she cannot return to heaven, the fisherman replies that he will only give her back her cloak after seeing her dance. Hagoromo (1989) is also the title of what Bartolini considers to be his first mature work: inside his old studio on a well-illuminated stage, a musician improvises saxophone music. A female dancer reacts to the music, moving inside a parallelepiped on wheels that looks like a tiny home. This performance already anticipates some of the themes and distinctive traits still characterising his current experimental work: a story based around tributes, references, drawings of other stories, artworks and biographies; the relationship with architecture and space; the relationship with theatre and performance art, partly through the use of sound and music; the way the work brings together seemingly irreconcilable opposites. The exhibition is accompanied by Hagoromo: Massimo Bartolini, the most complete publication ever dedicated to this Tuscan artist. Edited by Luca Cerizza and Cristiana Perrella and published by NERO, the book is a project supported by the Italian Council (10th edition, 2021), program to promote Italian contemporary art on the world by the Directorate-General for Contemporary Creativity of the Italian Ministry of Culture. Over 400 pages long, the book presents a rich iconographic overview in chronological order of the artist’s entire career together with detailed bio-bibliographical notes and references; the publication includes contributions by the likes of Fiona Bradley, Luca Cerizza, Laura Cherubini, Carlo Falciani, Chus Martínez, Jeremy Millar, Cristiana Perrella, Marco Scotini, David Toop and Andrea Viliani.
Centro Pecci, Prato

Centro Pecci, | Viale della Repubblica 277
I-59100 Prato

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posted 28. Nov 2022

Michel Majerus – gemälde, 1994

08. Nov 202214. Jan 2023
opening: 06. Nov 2022
08.11.2022 – 14.01.2023 Eröffnung: Sonntag, 6. November 2022 **Michel Majerus – gemälde, 1994 neugerriemschneider** Am 20. Todestag von Michel Majerus, dem 6. November 2022, eröffnet neugerriemschneider die Ausstellung Michel Majerus – gemälde, 1994. gemälde wurde 1994 als erste Zusammenarbeit der Galerie mit Michel Majerus gezeigt. Für die Ausstellungsreihe Michel Majerus 2022 wird diese Präsentation bei neugerriemschneider rekonstruiert. Die maßstabsgetreue Nachbildung des historischen Ausstellungsraums beinhaltet die damals gezeigten Werke und vergegenwärtigt damit den Ausgangspunkt von Majerus’ innovativem künstlerischen Ansatz, der sich auf neue Art und Weise mit Malerei auseinandersetzte und diese installativ erfahrbar machte. gemälde war 1994 in den erst kürzlich eröffneten Räumen von neugerriemschneider, damals noch in der Goethestraße 73 in Berlin-Charlottenburg, zu sehen. In seiner Ausstellung reagierte Majerus auf die räumlichen Rahmenbedingungen der Galerie und sprengte diese zugleich – er integrierte einen Türdurchgang in seine Wandmalerei, füllte eine weitere Wand mit einem monumentalen Leinwandformat aus und verortete die Betrachtenden innerhalb des Bildraumes. Dabei verwendete der Künstler Zitate aus der Populärkultur und kombinierte diese mit Textfragmenten sowie kunsthistorischen Anspielungen. Ergänzend zu den Wandarbeiten, holte Majerus mit dem Straßensegment den Außenraum in die Galerie hinein und zeigte damit metaphorisch wie auch buchstäblich einen Weg auf, entlang dessen sich seine Installation erschließt. In dieser Kombination unterschiedlicher Techniken und Stile finden sich bereits alle konzeptuellen Ansatzpunkte, die für Majerus’ künstlerische Praxis charakteristisch werden sollten.
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posted 27. Nov 2022

Territories of Waste

14. Sep 202208. Jan 2023
opening: 13. Sep 2022 06:30 pm
Territories of Waste Über die Wiederkehr des Verdrängten 14. September 2022 – 8. Januar 2023 Eröffnung: Dienstag, 13.09.2022, 18:30 Uhr Territories of Waste zeigt vom 14. September 2022 bis 8. Januar 2023 Auseinandersetzungen mit Waste, den verdrängten Hinterlassenschaften unserer Zivilisation. Die Künstler:innen der Aus- stellung machen die globalen und ökologischen Folgen unseres Konsums sichtbar. Die rund 25 künstlerischen Positionen – unter anderem Julien Creuzet, Agnes Denes, Hira Nabi beschäftigen sich mit jenen Auswirkungen unserer Güter- und Müllproduktion, die sich unserem Blick entziehen. Neben Abfällen, die in anderen Ländern anfallen, steht auch die Verschmutzung der Umwelt im Zentrum ihrer Arbeiten. Romy Rüegger, Eric Hattan und andere Künstler:innen präsentieren neue Arbeiten, die sich direkt auf den Basler Kontext beziehen. Mit Installationen, Videos, Skulpturen, Fotografien und Performances geht die Ausstellung von unserer Gegenwart aus, während historische Arbeiten zeigen, dass sich Künstler:innen schon seit den 1960ern mit Verschmutzung und der Zerstörung der Umwelt beim Rohstoffabbau beschäftigten. Der Künstler Jean Tinguely äußerte in seinen Arbeiten Kritik an der Konsumgesellschaft. Sie stellten für das Museum Tinguely den Ausgangspunkt dar, sich aus einer heutigen, geopolitischen Perspektive mit dem Übriggebliebenen, mit Waste zu befassen. Die Arbei- ten der Ausstellung rücken das Verdrängte in den Mittelpunkt, zeigen die Narben der Landschaft und machen unser Verwoben-Sein miteinander, mit anderen Lebewesen und mit der Erde über Bilder und Geschichten erfahrbar. Sie vermitteln damit nicht nur Wissen über Zusammenhänge, sondern haben viel mehr noch die Kraft unser Denken zu öffnen. Die Beschäftigung mit Müll intensivierte sich nach dem Zweiten Weltkrieg, als zum ersten Mal der Begriff der geplanten Obsoleszenz auftauchte und als Ökologie allmählich ins globale Bewusstsein rückte. Die Zoologin Rachel Carson schrieb über die zunehmende Verschmutzung durch Pestizide, gleichzeitig wurden Müllberge zu Zeichen der westlichen Überflussgesellschaft: ein weithin sichtbares Zuviel. Die Abfallproduktion ist indes nicht geringer geworden, im Gegenteil. 2020 wurden in der Schweiz pro Kopf durchschnittlich 700 Kilogramm Müll verursacht, eine der höchsten Raten der Welt. Eine ausdifferenzierte Abfallwirtschaft sorgt aber dafür, dass der Müll weniger sichtbar geworden ist, zumindest in Europa und in Nordamerika. Doch sind Schwermetall, Feinstaub und Mikroplastik in der gesamten Ökosphäre verteilt. Zugleich zeichnet sich eine Verschiebung in der gesellschaftlichen Auseinandersetzung mit dem Übriggebliebenen ab: Das Verdrängte kehrt unweigerlich zurück, denn Müll verschwindet nie, er wandert nur im Kreis, wie die Biologin Lynn Margulis erläuterte. Während früher Abfall vielfach als lokales und technisch zu lösendes Problem behandelt wurde, rückt die globale Bedrohung durch Verschmutzung und Umweltzerstörung zunehmend ins Bewusstsein. Der englische Begriff Waste spiegelt diese Perspektivverschiebung im Nachdenken über das Übriggebliebene. Das Nachdenken über Waste wird nicht nur in der zeitgenössischen Kunst aufgegriffen, sondern wurde von dieser auch initiiert und geprägt. Künstlerinnen und Künstler fragen in der Ausstellung in Basel nach den versteckten und verdrängten ökologischen Bedingungen unseres Konsums und machen sie sichtbar: Die Künstlerin Pinar Yoldaş stellt sich vor, wie Lebewesen aussähen, die aus unseren mit Mikroplastik angefüllten Ozeanen hervorgehen könnten. Weniger Science-Fiction wendeten das Duo Tita Salina & Irwan Ahmett an: Ihr Video erzählt von Plastikverschmutzung und der Vermüllung von Flüssen in Jakarta. Anca Benera & Arnold Estefán haben Proben von jenen Stränden in der französischen Normandie gesammelt, an denen im Sommer 1944 die Alliierten landeten. Sie stellten fest, dass der Sand noch immer Schwermetall enthält. Julien Creuzets Installation behandelt mit filigranen Skulpturen und einem Film im Stil eines Musikvideos die Verschmutzung durch Pestizide auf den Französischen Antillen. Was Waste unsichtbar macht, ist nicht nur seine mikroskopische Grösse, sondern auch die Tatsache, dass Müll heute entlang (neo-)kolonialer Geografien global verschoben wird. Davon erzählt zum Beispiel Hira Nabi, deren dokufiktionaler Film von Frachtschiffen handelt, die an der Küste Pakistans ausgeschlachtet werden. Auch stehen die durch Bergbau und Rohstoffgewinnung zerstörten Landschaften im Zentrum künstlerischer Praktiken. Die Künstlerin Otobong Nkanga präsentiert ihre Recherchen zu einer Kupfermine in Tsumeb, Namibia in einer Installation mit Objekten, Bildern und Video. Sie erinnert damit an die Orte, die zum Zweck der Rohstoffgewinnung unter anderem unter deutscher Kolonialherrschaft ausgebeutet wurden. Zerstörte Landschaften und wastelands entstehen vor allem im Globalen Süden – weit weg, verdrängt und unsichtbar, aber durch Konsum und Abfallexport mit Europa verbunden. Die zeitgenössischen Arbeiten stehen in der Ausstellung im Dialog mit ikonischen historischen Werken: So färbte der argentinische Künstler und Umweltaktivist Nicolás García Uriburu 1981 das Rheinwasser bei Düsseldorf grün. Der Rhein war damals einer der am stärksten verschmutzen Flüsse Europas. Joseph Beuys schloss sich ihm an, und sie füllten das Wasser in Flaschen und verkauften es. Schon etwas früher beschäftigte sich die Performancekünstlerin Mierle Laderman Ukeles auf der anderen Seite des Atlantiks mit der Arbeit, die nötig ist, um eine Wohnung, ein Museum oder eine Großstadt sauber zu halten, sie definierte diese Kunst als Maintenance Art. Auch die Museumsarbeit selbst ist ein Faktor, wenn es um Abfall geht. Das zeigt Eric Hattans Arbeit in der Ausstellung. Der Schweizer Künstler baut aus alter Ausstellungsarchitektur, die in diesem Jahr angefallen ist und gesammelt wurde, im Zentrum der Schau eine temporäre Installation. Sie regt auch zu kritischem Nachdenken über den Ressourcenverbrauch der Ausstellungsgestaltung an. Sein humorvoller Umgang mit Materialien aus Kunst und Alltag erinnert an die Arbeiten Tinguelys. Die Ausstellung ist wie eine Landschaft konzipiert, in der zeitgenössische und historische Werke sowie eigens realisierte Arbeiten Vielstimmigkeit erzeugen, ohne dem Publikum einen didaktischen Parcours vorzugeben. Territories of Waste knüpft an Jean Tinguelys Haltung an: «Wir hätten so gerne Ewigkeit, Sicherheit, Dauerhaftigkeit und Unvergänglichkeit im Besitz, im Denken oder im Sein. Doch unser einziger Besitz ist Veränderung.» Das Museum will anregen, sich mit solchen wichtigen gesellschaftlichen Wandlungen auseinanderzusetzen. Deshalb bietet die Ausstellung eine Plattform, die das Bewusstsein für das (neo-)koloniale Ausbeutungssystem, die Zusammenhänge unterschiedlicher Lebensformen, für Kreisläufe auf unserem Planeten und die Endlichkeit von Ressourcen schärft. Nachhaltigkeit und die Grenzen des Wachstums sind auch im Kunstbetrieb dringende Themen. Territories of Waste nimmt sich dieser Themen an und bietet Raum für Diskussion und kritisches Nachdenken. Die Ausstellung wird begleitet von einem Programm mit Künstler:innengesprächen und Workshops, die gemeinsam von Museumspädagog:innen und teils von Mitarbeitenden des Tiefbauamt Basel durchgeführt werden (u. a.). Das Angebot lädt ein, die Themen der Ausstellungen zu vertiefen. Künstler:innen: Arman, Helène Aylon, Lothar Baumgarten, Anca Benera & Arnold Estefán, Joseph Beuys, Rudy Burckhardt, Carolina Caycedo, Revital Cohen & Tuur Van Balen, Julien Creuzet, Agnes Denes, Douglas Dunn, Julian Aaron Flavin, Eric Hattan, Eloise Hawser, Fabienne Hess, Barbara Klemm, Diana Lelonek, Hira Nabi, Otobong Nkanga, Otto Piene, realities:united, Romy Rüegger, Ed Ruscha, Tita Salina & Irwan Ahmett, Tejal Shah, Mierle Laderman Ukeles, Nicolás García Uriburu, Raul Walch, Pinar Yoldaş. Kuratorin Dr. Sandra Beate Reimann
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posted 26. Nov 2022

Dana Washington-Queen: Resume At the Point of Interruption

09. Sep 202208. Jan 2023
Sep 9, 2022 – Jan 8, 2023 **Dana Washington-Queen: Resume At the Point of Interruption** Lens-based artist dana washington-queen (b. 1985) uses writing and video-making as an inquiry into freedom and escape. What are freedom’s possibilities? Where can it be found; what does it feel like? These questions, among others, animate the video installations, collages, and sculptures that constitute Resume at the Point of Interruption. The title of this exhibition is taken from the National Basketball Association rulebook, section XIV, which stipulates that officials can suspend a game for unusual circumstances. The game must then resume where the basketball was at the point of interruption. washington-queen, who grew up playing sports, situates the iconography of basketball in histories both deep and personal to see how the laboring, spectacularized, and surveilled Black body functions for different gazes—and performs minor, fugitive, and creative acts of freedom at the same time. washington-queen’s text “The Black Noetic” (on view here) is the conceptual springboard for all of the presented works. This text was inspired in part by poet Kevin Young’s statement that “the fabric of black life has often meant its very fabrication, making a way out of no way, and making it up as you go along.” Ultimately, the exhibition is an experimental portrait of improvisatory Black life, a moving portrait that traces a continuum of interruption, suspension, and possible recovery. Documentation of all works and select videos will also be accessible on thepointofinterruption.com. Resume at the Point of Interruption was curated by Enjoli Moon. This exhibition is supported by the Ellsworth Kelly Award, made possible by the Ellsworth Kelly Foundation and the Foundation for Contemporary Arts.


Enjoli Moon 
ICA Richmond

601 W Broad St
VA 23220 Richmond

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posted 25. Nov 2022

Kingdom of the Ill

01. Oct 202205. Mar 2023
1. Oktober 2022 – 5. März 2023 Eröffnung 30. September 2022 **Kingdom of the Ill Das zweite Kapitel von TECHNO HUMANITIES (2021-2023)** Kingdom of the Ill, von Sara Cluggish und Pavel S. Pyś kuratiert, ist eine internationale Gruppenausstellung, die das gesamte MUSEION bespielt und am 30.September 2022 eröffnet. Die Ausstellung markiert das zweite Kapitel des vom Museion-Direktor Bart van der Heide lancierten Langzeitprojekts TECHNO HUMANITIES. Kingdom of the Ill, untersucht die Beziehung zwischen dem Individuum und zeitgenössischen sozialen, betrieblichen und institutionellen Systemen, die auf das Erleben von Pflege und Wohlbefinden einwirken. Die Ausstellung reagiert auf aktuelle Debatten über Krankheit und Gesundheit, Verschmutzung und Sauberkeit sowie Pflege und Vernachlässigung und stellt sich die Frage, wie und von wem festgelegt wird, ob ein Körper krank oder gesund ist. Wie bestimmen öffentliche Sozialsysteme und betriebliche Sozialeinrichtungen das Gesundheitswesen, und wie können wir gängige Definitionen von guter gesundheitlicher Verfassung in Frage stellen? Kann man in Zeiten einer globalen Pandemie, zunehmender sozialer Ängste, steigender Gesundheitskosten, zunehmender Überwachung medizinischer Informationen und wachsender Prekarisierung der Kreativbranche überhaupt wirklich gesund sein? Kingdom of the Ill, zeigt unter anderem Werke von Enrico Boccioletti, Brothers Sick (Ezra and Noah Benus), Shu Lea Cheang, Heather Dewey-Hagborg & Phillip Andrew Lewis, Julia Frank, Sharona Franklin, Barbara Gamper, Nan Goldin, Johanna Hedva, Ingrid Hora, Adelita Husni-Bey, Ian Law, Carolyn Lazard, Lynn Hershman Leeson, Juliana Cerqueira Leite & Zoë Claire Miller, Mary Maggic, Mattia Marzorati, Prescription Addiction Intervention Now (P.A.I.N.), Erin M. Riley, P. Staff, und Lauryn Youden. Von der in Berlin lebenden Künstlerin Ingrid Hora stammt die anlässlich der Ausstellung in Auftrag gegebene Skulptur Collective Effort für die MUSEION Passage. Das Werk zeigt Ton-Abdrücke von Freiwilligen und Fachleuten in der regionalen Pflegearbeit. Collective Effort wurde von Frida Carazzato kuratiert und verweist auf immaterielle Netzwerke bürgerlichen Engagements und Zeichen des Vertrauens, die Initiativen wie das mehrjährige Forschungsprojekt CHRIS (Cooperative Health Research in South Tyrol) vorantreiben. CHRIS entstand als Zusammenarbeit zwischen dem Institut für Biomedizin des Forschungszentrums Eurac Research in Bozen und den Südtiroler Gesundheitsbehörden. CHRIS umfasst eine wachsende DNA-Bank, mit der die Präventivmedizin in der alternden Bevölkerung des Vinschgaus gestärkt und ausgebaut werden soll, um das Auftreten und das Entstehen von Volkskrankheiten besser verstehen zu können Kingdom of the Ill, kodifiziert einen signifikanten Moment, in dem Ungleichheiten offensichtlich werden, die dazu geführt haben, grundlegende Methoden von Gesundheitsversorgung, Hilfsnetzwerken, Wohlbefinden und Freundschaft neu zu überdenken. Kingdom of the Ill. Das zweite Kapitel von TECHNO HUMANITIES (2021-2023) Kuratiert von Sara Cluggish und Pavel S. Pyś Ausstellungsgestaltung Diogo Passarinho Studio
Museion, Bozen/Bolzano

39100 Bolzano

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posted 24. Nov 2022

Life Between Buildings

02. Jun 202216. Jan 2023
02.06.2022 - 16.01.2023 **Life Between Buildings** Inspired by the history of community gardens in New York City, Life Between Buildings explores how artists have engaged the city’s interstitial spaces—“vacant” lots, sidewalk cracks, traffic islands, and parks, among others—to consider the politics of public space through an ecological lens. Bringing together select archival materials and artworks from the 1970s through the present day, the exhibition looks beyond a history of artists transforming buildings (such as MoMA PS1) to how they have engaged the spaces in between, turning negative spaces into sites for common life: gardens, installations, performances, and gatherings. Beginning in the 1970s, at a moment when New York City faced a severe fiscal crisis, grassroots groups across New York City began converting lots into community gardens. This coincided with artists’ efforts to think beyond the confines of the studio, gallery, and museum as sites for their work. At certain moments, these histories intertwined: artists made work in conversation with, and sometimes directly joining, community efforts to rethink the cityscape, recovering space towards creative, communal, and ecological ends. By repurposing liminal and overlooked sites, these groups and artists ask us to rethink how life—human and non-human—can grow in a city where space has become increasingly scarce and nature progressively imperiled. Life Between Buildings is organized by Jody Graf, Assistant Curator, MoMA PS1.


Jody Graf 
MoMA PS1, Long Island City

MoMA PS1 | 22-25 Jackson Ave. at 46 Ave., Queens
NY 11101 Long Island City Queens

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posted 23. Nov 2022

Reminder_Grenzen der Freundschaft

26. Jun 202230. Apr 2023
opening: 26. Jun 2022 02:00 pm
Reminder_Grenzen der Freundschaft Tourismus zwischen DDR, ČSSR und Polen 26.06.2022-30.04.2023 Eröffnung 26.06.2022, 14 Uhr Durch Europa verlief im Kalten Krieg der „Eiserne Vorhang“, doch auch die Grenzen zwischen den sozialistischen „Freundesländern“ waren ein Politikum und nur beschränkt passierbar. In den sechziger Jahren wurden sie zwar etwas durchlässiger, einen wahren Aufbruch markiert jedoch das Jahr 1972: In der DDR, ČCSR und Polen traten Regelungen in Kraft, die den wechselseitigen Grenzübertritt ohne Pass und Visum erlaubten. Millionen von Menschen nutzten dies bereits im ersten Jahr. Sie unternahmen Urlaubsreisen, Tagesausflüge oder Einkaufstouren in die Nachbarländer. Die Ausstellung beleuchtet die vielschichtigen Reiseerfahrungen hinweg über die „Grenzen der Freundschaft“. Zu sehen sind touristische Sachzeugnisse aus dem Museum Utopie und Alltag, aus weiteren Sammlungen und Archiven sowie von privaten Leihgeber\*innen: von Reisekatalogen, Plakaten, Kartenmaterial bis zu Urlaubssouvenirs, Ansichtskarten, Fotoalben und Kleinbildfilmen. Eine Ausstellung des Museum Utopie und Alltag, in Kooperation mit dem Zentrum für Interdisziplinäre Polenstudien der Europa-Universität Viadrina Frankfurt (Oder) und gefördert durch die Bundesstiftung zur Aufarbeitung der SED-Diktatur. Die Ausstellung beleuchtet die vielschichtigen Reiseerfahrungen hinweg über die „Grenzen der Freundschaft“. Zu sehen sind touristische Sachzeugnisse aus dem Museum Utopie und Alltag, aus weiteren Sammlungen und Archiven sowie von privaten Leihgeber\*innen: von Reisekatalogen, Plakaten, Kartenmaterial bis zu Urlaubssouvenirs, Ansichtskarten, Fotoalben und Kleinbildfilmen. Besucher\*innen sind eingeladen, die Ausstellung durch ihre persönlichen Reiseandenken und Erinnerungen zu ergänzen! Die Ausstellung ist ein Kooperationsprojekt des Museum Utopie und Alltag und des Zentrums für Interdisziplinäre Polenstudien der Europa-Universität Viadrina Frankfurt (Oder). Studierende haben unter Leitung von Dr. Mark Keck-Szajbel, der umfangreiche kulturwissenschaftliche Forschungen zu den „Grenzen der Freundschaft“ vornahm und hierüber seine Dissertation verfasste, die Schau seit Sommer 2021 maßgeblich erarbeitet. Gefördert ist das Projekt durch die Bundesstiftung zur Aufarbeitung der SED-Diktatur. Das Museum Utopie und Alltag ist Teil der Initiative Stadt der Brückenbauer und unterstützt damit die Bewerbung von Frankfurt (Oder) als Standort für das Zukunftszentrum für Europäische Transformation und Deutsche Einheit.
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posted 22. Nov 2022

THE 1970s: _____ Video and film pioneers in the 1970s in Belgium / Alexander Kluge: Minutenfilme #5

24. Sep 202218. Dec 2022
September 24–December 18, 2022 Opening night: September 24, 6–9pm **THE 1970s: _____ Video and film pioneers in the 1970s in Belgium Alexander Kluge: Minutenfilme #5** argos is excited to present two new exhibitions: THE 1970s: _____ and Alexander Kluge: Minutenfilme #5. THE 1970s: _____ THE 1970s: _____ highlights a remarkably prolific era of artistic production in Belgium that saw the acceleration of audiovisual experimentation with artists fully exploring the creative and technological possibilities of video and film. Played out predominantly across the geo-cultural axis of Liège—Antwerp, with important digressions in Brussels, Aalst, Namur, and Knokke, it marks a period during which artists developed new forms of production that were often collaborative, immaterial, and interdisciplinary in nature. THE 1970s: _____ is the first public manifestation of a long-term research project launched by argos in 2018. The exhibition divides the findings of this research into four main themes: means of production, events, artist collectives, and the interdisciplinary. There is also special emphasis on the utopian potential of video and film, as the exhibition recreates a selection of key installations from the era besides presenting digitised artworks originally shot on U-matic, Sony Open Reel, 16mm, and Super 8. Artists: Lili Dujourie, Marc Verstockt, Jacques Charlier, Daniël Dewaele, Frank Van Herck, Filip Francis, Raoul Van Den Boom, Daniël Weinberger, Barbara & Michael Leisgen, Jacques Lennep, Groupe CAP, Edith Dewitt, Gary Bigot, Hubert Van Es/Flor Bex, Chris Goyvaerts, Robert Stéphane, Guy Jungblut, Jan Debbaut, Luc Deleu, Leo Copers, Roger D’hondt, Joëlle de La Casinière, Philippe Van Snick, Philippe Incolle, Yves De Smet, De Nieuwe Coloristen, Guy Schraenen, Maurice Roquet, Bernard Queeckers, Pierre Courtois, ... Curators: Dagmar Dirkx with Niels Van Tomme * Alexander Kluge: Minutenfilme #5 Minutenfilme #5 is the fifth chapter of a year-long, rotating exhibition presenting five sequential constellations of eight films each by Alexander Kluge. Compiled by the eminent German filmmaker especially for this occasion, this presentation features selections of recent Minutenfilme—short, hybrid films that typically run from one to eight minutes. Ranging from the theoretical to the operatic, from the cosmic to the mathematical, these short films spring from the filmmaker’s ever-curious and critical mind to enter into dialogue with contemporary and historical events. Kluge’s idiosyncratic editing technique—influenced by both the classic editing style of Hollywood and the dialectic editing theories of Soviet cinema—allows him to condense complex, and oftentimes highly absurd, ideas into a few minutes. The result is ironic, sharply biting social commentary that imagines an active role for the viewer: “The viewers are the medium, what they cannot imagine neither can exist in the medium.” Alexander Kluge: Minutenfilme is organised in cooperation with Literaturhaus Berlin and Goethe-Institut Brüssel. Curator: Niels Van Tomme
ARGOS, Brussels

Werfstraat 13 Rue du Chantier
B-1000 Brussels

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posted 21. Nov 2022

Richard Long

16. Nov 202221. Jan 2023
16 November 2022 – 21 January 2023 at 27 Bell Street, London **Richard Long** Richard Long has been in the vanguard of conceptual art since he created the iconic work, A Line Made by Walking (1967), while still at Saint Martin’s School of Art. By transforming a journey – or physical intervention – within the landscape into an object in its own right, Long changed the way art was perceived. Long has since walked the earth through mountains and deserts, from shorelines to grasslands and from rivers to snowscapes. He mediates his experience of these places through photographs, maps and text works, where measurements of time and distance, place names and phenomena are vocabulary for both original ideas and powerful, condensed narratives.


Richard Long 
Lisson Gallery, London

27 Bell Street
NW1 5DA London

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posted 20. Nov 2022

Gormley /Lehmbruck - Calling on the Body

23. Sep 202226. Feb 2023
Gormley/Lehmbruck - Calling on the Body” 23. September 2022 bis 26. Februar 2023 Das Lehmbruck Museum zeigt die bislang größte Ausstellung des britischen Bildhauers Antony Gormley in Deutschland. Gormley, international bekannt als einer der wichtigsten und einflussreichsten Bildhauer der Gegenwart, ist ein langjähriger Bewunderer der Werke Wilhelm Lehmbrucks, ihrer Innerlichkeit, Ausgeglichenheit, Ruhe und ihres reflexiven Potenzials. Die Ausstellung ist als Dialog zwischen den beiden Künstlern angelegt und zeigt Schlüsselwerke, die mit fast einem Jahrhundert Abstand voneinander geschaffen wurden. Sie zieht Parallelen zwischen Gormley und Lehmbruck, die beide den Körper als Ort der Transformation hin zu einem Zustand des reinen Seins und der stillen Kontemplation begreifen. „Calling on the Body” bezieht den auratischen Lehmbruck-Flügel und das gesamte Museum mit ein. Verteilt über 3000 Quadratmeter Ausstellungsfläche, setzen Gormleys Skulpturen dabei im ganzen Gebäude Interpunktionszeichen. Die ausgewählten Arbeiten spiegeln die große Bandbreite seines Schaffens, von den bahnbrechenden frühen Bleiarbeiten zu der neueren Serie „Slabworks”, die den Körperraum in Architektur verwandelt. Mit den 300 lebensgroßen Betonbunkern von „Allotment II” (1996) wird zudem eine raumgreifende Installation präsentiert. Im Atrium des Museums schließlich scheint „Drift VI” zu schweben, ein Energiefeld, das einen Hohlraum in Form eines Körpers umschließt. Das Werk Antony Gormleys (geb. 1950 in London) wurde vielfach ausgestellt, in Großbritannien wie auch international, zuletzt im Museum Voorlinden, Niederlande (2022), in der National Gallery Singapore, Singapur (2021), der Royal Academy of Arts, London (2019), auf der Insel Delos, Griechenland (2019) und im Philadelphia Museum of Art (2019). Er wurde unter anderem ausgezeichnet mit dem Turner Prize 1994, dem South Bank Prize for Visual Art 1999, dem Bernhard Heiliger Award for Sculpture 2007, dem Obayashi-Preis 2012 und dem Praemium Imperiale 2013. 2014 wurde er in der Neujahrsliste zum Ritter geschlagen, seit 2003 ist er Mitglied der Royal Academy. Begleitend zur Ausstellung erscheint ein reich bebilderter Katalog im Hatje Cantz Verlag mit Texten von Söke Dinkla, Jon Wood und Ronja Friedrichs sowie einem Interview des Journalisten Tobias Haberl mit Antony Gormley. Die Ausstellung wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, dem Landschaftsverband Rheinland (LVR), der Kulturstiftung der Länder, der Sparkasse Duisburg, der Sparkassen-Kulturstiftung Rheinland und der duisport – Duisburger Hafen AG.
Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg

Friedrich-Wilhelm-Str. 40
47051 Duisburg

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