daily recommended exhibitions

posted 28. Jan 2022

#118: IC-98

28. Jan 202228. Jan 2022
opening: 28. Jan 2022
Friday, January 28th, 2022, 24:00 | midnight BABYLON, Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin, big cinema hall Eintritt frei | admission free **#118: IC-98 (Patrik Söderlund and Visa Suonpää)** We are pleased to start our 2022 program with a neighborhood cooperation: on the occasion of the exhibition “Abgründe, die durch das Leben unter borealen Bedingungen verursacht werden” (until January 28th, 2022) at the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz we welcome the Finnish artist duo IC-98 (Patrik Söderlund and Visa Suonpää). Though their practice is essentially conceptual, IC-98 has been best known for animations, which combine classical drawing and digital effects, depicting landscapes shaped by long time durations, natural and human histories and climate. Mythical, material, factual and fictional elements are weaved together into visual stories, which – though deeply political and meticulously researched, scripted and executed – are presented as open-ended poetic narratives. The mood of the works alternates between a sense of crisis, melancholy, acceptance and resigned optimism. IC-98 (Patrik Söderlund and Visa Suonpää) will show: Realms, 2018, 19:38 min (dir. Patrik Söderlund) Realms is a voyage through time, evolution and the kingdoms of life towards the natural destruction wrought upon the planet by the human species. As Ovid writes in Metamorphoses, everything changes but nothing perishes. Things change shape, energy becomes matter and matter becomes energy. Realms is a film about this constant metamorphosis, a succession of states, epochs, species, kingdoms and realms, a journey through past and future strata, organic and inorganic phases and spheres of our planet. The story unfolds on a remote fisherman’s farm, where we begin our journey hundreds of millions of years ago in the depths of the primeval ocean. We reach the shore, make our way through to the farm-yard, through the house to the garden in the rear and onwards to the nearby forest, followed by a swidden, a rocky ridge and the sand dunes beyond. Finally, millions of years into the future, we stand on the shore again, animate and inanimate nature levelled to black dust. Grounded on the building blocks of life, carbon and water, we gaze towards the stars of the Milky Way. And so the cycle begins again. All that time, we have stayed within the perimeter of the farm and seen versions of how the same landscape has appeared at different times – how it was before humans and how it will look after we are long gone. Though our own era is just a blink in the eye of the long continuum of epochs, this blind moment with its reliance on energy provided by fossil fuels and the wholesale exploitation of nature threatens the future of the entire planet. A View from the Other Side, 2011, 70:00 min Already considered by many as a classic piece of contemporary Finnish art, A View from the Other Side shows Gylich’s Doric colonnade in Turku, built in 1836, and its transformations across the centuries. Originally, stalls operated behind the columns selling produce caught by the local fishermen. Subsequently, the space has served, amongst other things, as a bazaar, a restaurant, a café, and a petrol station. In the early 2010s the city sold the property to private owners. The portico was modelled on the ancient Greek stoa, the only public building in the agora, which had no predefined use. The stoa could thus be seen as a model for free civil society. The work is based on this interconnection between architecture and politics. The portico, the river, and the street between them, form a stage without dramatis personae. The idea was to create a play with time, weather and nature as its protagonists. In this narrative, in which multiple temporal rhythms are overlaid to form a seamless moving image, humans are only a fleeting presence – even though humanity’s imprint on the environment is constantly visible. The ceaseless flow of time is a central theme in the work, alongside the persistent presence of history. Here, the present and the future of the city are intertwined with the diverse ecologies of the built environment and nature. The conditions underlying public space are also revealed here as they relate to migration and homelessness. IC-98’s work since 2010s addresses the environmental crisis and artistic-political methods of finding solutions to it. The projects seek to replace anthropocentric worldview with modes better suited to take into consideration the interrelationships, dependencies and myriad temporal rhythms of all animate and inanimate nature. With backgrounds in visual arts and cultural studies, IC-98’s 24-year collaboration has produced artist publications, site and context specific projects and interventions, animated moving image installations, short films and various public commissions. IC-98 received the Finnish State Art Prize in 2009 and represented Finland at the Venice Biennale in 2015. Their work has been showed extensively at museums, biennials and festivals in Europe, Asia and the Americas. They often collaborate with scientists and other arts professionals. The animations Nekropolis (2016), Epokhe (2017) and Lands of Treasure (2021), as well as the film Realms (2018), are allegorical descriptions of time, climate, and how environmental and cultural histories merge in different eras. On the other hand, the site-sensitive projects House of Khronos (2016-), Mare tranquillitatis (2020), IÄI (2020) and the ongoing Misi-Raaka Park of Wounded Earth (2019-) have instead of mere artistic depiction sought to create tools – free zones, novel languages, new founding myths – to help this community of all organisms emerge from the crisis. The artists, Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz and Videoart at Midnight are looking forward to seeing you!

artists & participants

IC-98,  Patrik Söderlund,  Visa Suonpää 
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posted 27. Jan 2022

Lydia Ourahmane & Alex Ayed laws of confusion

11. Dec 202130. Jan 2022
11.12.2021 - 30.01.2022 **Lydia Ourahmane & Alex Ayed laws of confusion** Sealed off from the outside, the gallery space of the Renaissance Society is filled with haze and muted light, becoming a closed environment where objects from disparate places are scattered throughout. These materials–gathered or made by the artists– bring out a number of conceptual undercurrents: blocked or interrupted communications, and hints of ancient pasts and pending futures, embodied in a mix of primordial elements, like water, clay, and wind, or newer technologies. Laws of Confusion is the second collaboration of Lydia Ourahmane and Alex Ayed, whose individual practices converge for this exhibition in a choreography of movements. Taking psychogeography as one of their methods and accepting the hurdles of chance or luck, they see what arises out of journeying together and leaning into unplanned situations. To some degree, everything is always a roll of the dice. The show is the momentary culmination of a sustained, ever-evolving, and at times chaotic process. The artists utilize the mechanisms of failed attempts and present their material traces, the results unfolding and changing almost up to the last minute. Earlier this year, Ourahmane and Ayed took the surroundings of Cairo in Egypt as a starting point, gathering materials like clay, papyrus hay, and water from the Nile River, along with other things that might carry the long-dissolved knowledge of ancient civilizations. Only a portion of what they found there, however, has actually made it into the exhibition space, such as Nile water contained in a slender glass vessel. Other efforts proved impossible. Organic material was blocked from traveling across borders; other items raised ethical concerns and were abandoned; and others yet met practical limitations. “The model of a thing is just as good as the thing itself ” became a motto for the exhibition and offered Ourahmane and Ayed a way to make “failed objects” appear. Within the show, certain things that weren’t possible to bring to Chicago have been remade–such as soil from the Nile being weighed on a scale for shipping. Other elements conjure current states of communication or gesture to the near future. Lithium, a highly reactive metal, is a chemical element capable of efficiently storing energy, widely used in batteries and held out as a key to a green future. And yet it still faces limits around safe usage and sustainability. Within the show, a couple of objects stand in for conversations Ourahmane and Ayed had with a University of Chicago molecular engineering lab that is exploring new forms of these technologies. Here, raw lithium metal appears safely sealed in its original package, joined at a distance by black gloves like the ones used in an argon glove box to manipulate reactive materials in an inert environment. A number of other interventions in the space disrupt communications in either obtrusive or more invisible ways. On a table, an “ultrasonic microphone defeater” scrambles the sound on any audio or video recordings captured nearby. And every few minutes, four large industrial fans roar to life in the corners of the space, an intermittent distortion field that makes talking difficult and rouses the surrounding air. In this exhibition, as in much of their collaborative work, Ourahmane and Ayed contend with the friction between individual paths and wider narratives–geopolitical, mystical, speculative, technological. With its rising undercurrents of distortion or confusion, the room is charged with various intangible energies—carried within and beyond these objects—and left with a residue of failure. The materials are haunted by their own potential: what could have happened, or what might happen still. Curated by Myriam Ben Salah and Karsten Lund. Special thanks to the Amanchukwu Laboratory at the University of Chicago; the Arts, Science + Culture Initiative at the University of Chicago; and particularly to Chibueze Amanchukwu, Peiyuan Ma, and Julie Marie Lemon. Alex Ayed (b. 1989, France) lives and works between Paris and Tunis. His recent solo exhibitions include Transumanza, ZERO…, Milan; Roaring Forties, Balice Hertling, Paris; Soap Opera, B7L9 Art Station, Tunis; Exhibition 3: Alex Ayed, Institute of Arab and Islamic Art, New York. Ayed has participated in various group exhibitions including the 2021 New Museum Triennial, Soft Water Hard Stone; La psychologie des serrures at Centre d’art Neuchâtel, Neuchâtel, Switzerland; Risquons-tout at WIELS Centre d’Art Contemporain, Brussels (with Lydia Ourahmane); Children Power, at Frac Ile-de-France; and Jaou Tunis. Lydia Ourahmane (b. 1992, Saïda, Algeria) lives in Barcelona, and studied at Goldsmiths University in London. She has recently had solo exhibitions at Portikus, Frankfurt; Kunsthalle Basel; De Appel, Amsterdam; CCA Wattis, San Francisco; and Chisenhale, London, among others. Her work has also been exhibited in the 34th Sao Paulo Biennial; Manifesta 12 in Palermo, Sicily; and the 2018 New Museum Triennial, Songs for Sabotage; as well as group exhibitions at WIELS Centre d’Art Contemporain, Brussels (with Alex Ayed); Louisiana Museum, Denmark; and the fifth edition of Jaou Tunis.

artists & participants

Alex Ayed,  Lydia Ourahmane 
Renaissance Society, Chicago

The University of Chicago | Cobb Hall, 5811 S. Ellis Ave.
60637 Chicago

United States of Americashow map
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posted 26. Jan 2022

Debi Cornwall. Wellcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay

12. Dec 202113. Mar 2022
12.12.2021 - 13.03.2022 **Debi Cornwall. Wellcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay**   Die US-Marinebasis in Guantánamo Bay, Kuba, ist einer der berüchtigtsten Orte der jüngsten amerikanischen Geschichte. 2002 errichtete das amerikanische Militär dort im Rahmen des globalen „Kriegs gegen den Terror“ ein Gefangenenlager. Bilder von Insassen in orangefarbener Häftlingskleidung, die in der prallen Sonne in Drahtkäfigen ausharren, gingen um die Welt und sorgten zusammen mit Berichten über die Anwendung von Folter für weltweite Kritik und Diskussionen über die Menschenrechtssituation vor Ort.   Die neue Stadthaus-Ausstellung zeigt Fotografien der amerikanischen Künstlerin und früheren Bürgerrechtsanwältin Debi Cornwall. Sie untersucht die persönlichen Erfahrungen von Guantánamo aus verschiedenen Blickwinkeln und berücksichtigt sowohl die Perspektiven von Gefangenen und Wachen als auch von ehemaligen Insassen.  


Debi Cornwall 
Stadthaus Ulm

Münsterplatz 50
89073 Ulm

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posted 25. Jan 2022

Günter Brus und Alfons Schilling um 1960

19. Nov 202113. Feb 2022
Bruseum Günter Brus und Alfons Schilling um 1960 Ausstieg aus dem Bild 19.11.2021‒13.02.2022 Günter Brus und Alfons Schilling lernen sich Ende der 1950er-Jahre in der Klasse für Malerei an der Akademie für angewandte Kunst in Wien kennen. Gemeinsam verbringen die beiden ab Jänner 1960 mehrere Monate auf Mallorca, wo sie über die amerikanische Künstlerin Joan Merrit die explosive Energie des abstrakten Expressionismus kennenlernen. Zurück in Wien entwickeln sie eine gestische Malerei, die den Bildraum völlig ignoriert. Man trifft sich beinahe täglich, diskutiert die Herausforderungen der Malerei und wie man Jackson Pollock überwinden könne. Beide Künstler streben nach einer sich in alle Richtungen gleichwertig entwickelnden, expansiven Malerei. Ihre gemeinsame Ausstellung 1961 in der „Galerie Junge Generation“ in Wien ist der Höhepunkt dieses malerischen Ringens. Schilling löst sich in der Folge vom Problem der konventionellen Tafelmalerei durch die Erfindung seiner Rotationsbilder. Mit dem drehbaren Bild gelingt ihm die Aufhebung der Malerei in Form von zu Licht werdenden optischen Farben und Formen. Brus legt den Fokus hingegen auf die Bewegung des Körpers vor der Leinwand, löst die Geste von der Malerei und entwickelt seine Aktionskunst. Die Ausstellung im BRUSEUM widmet sich jener kurzen Zeit um 1960, in der die beiden Künstler über die Malerei des Informel zu ihrer international bedeutsamen Neuausrichtung der Kunst finden.

artists & participants

Günter Brus,  Alfons Schilling 


Roman Grabner 
Neue Galerie Graz / Bruseum

NEUE GALERIE / BRUSEUM Joanneumsviertel, Kalchberggasse
8010 Graz

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posted 24. Jan 2022


12. Nov 202128. Jan 2022
12.11.2021 - 28.01.2022 **ANNA EHRENSTEIN feat. DNA, FADESCHA, REBECCA-POKUA KORANG THE ALBANIAN CONFERENCE: HOME IS WHERE THE HATRED IS** Manchmal zeigt die Kunst, wie Fortschritt gehen könnte, weil sie – ausprobierend – etwas tut, was in großen gesellschaftlichen, politischen oder wirtschaftlichen Skalen nicht so einfach ist, auch wenn es dringend angeraten scheint oder zumindest von progressiven Stimmen längst gefordert wird. Zum Beispiel? Faire globale Kollaboration, entkolonialisierte Verhältnisse, Solidarität über angestammte Wir-Bezüge hinaus, ein Kümmern um Belange, die nicht unbedingt die eigenen sind, aber wichtig für Einzelne wie auch fürs Ganze. Hat da jemand Commons-Diskurs gesagt? Ja, auch das. Und wer das Wort noch nicht kennt, möge sich bitte daran gewöhnen: Commoning (als gelebte Praxis der Gemeinwohlorientierung und -ökonomie, auch in der Kunst) wird uns in den kommenden Jahren noch reichlich beschäftigen. Klingt kompliziert? Nur ein bisschen. Anna Ehrensteins Ausstellung probiert aus – tut und macht–, was dringend angeraten scheint. Sie schafft Anlass, Bühne und Ökonomie für ein kulturelles Kollaborationsmodell der Gemeinstimmigkeit und Koproduktion, das politische Forderungen von verschiedenen Flecken der Erde miteinander verbindet. Sie tat sich zusammen mit Fadescha, eine*r einflussreichen Kunst- und Kulturaktivist*in aus Delhi, DNA, einem Musiker-Duo aus Lagos alias Blair Opara und Clint Opara, und Beccy-Pokua Korang, einer afro-deutschen Performerin. Gemeinsam arbeiteten die fünf in Ehrensteins Heimat Albanien an der Produktion von vier Videos, die den Kern der Ausstellung bilden. Ausgangspunkt der Zusammenarbeit: Die Erfahrungen, die alle Beteiligten während öffentlicher Proteste machten, die sie jeweils aktiv unterstützen. Proteste gegen die Polizei- und Behördenwillkür und Korruption in Nigeria, Proteste gegen die Kastenhierarchie, die heteropatriarchale Gewalt und die reaktionäre Regierung in Indien, Proteste gegen genderdiskriminierende Gesetze in Ghana, antirassistische Proteste in Deutschland. Ausgangspunkt auch: Gemeinsame Forderungen nach LGBTQ-Akzeptanz, besserer Grundversorgung der Bevölkerung, Entkolonialisierung. Forderungen, die lange schon erhoben werden. Und so waren ein weiter, historischer Ausgangspunkt des Projektes die afro-asiatischen Schriftstellerkonferenzen, die zuerst 1958 in Tashkent abgehalten wurden und als Forum für ebensolche Forderungen Geschichte schrieben, ohne viel zu erreichen, wie es so oft der Fall ist. In antiker Kulisse findet das Kollektiv um Anna Ehrenstein in Albanien vor der Kamera zusammen, um ihrerseits eine an Occupy-Methoden geschulte Konferenz in den Raum zu stellen und Forderungen zu erheben, die teils utopisch sind, teils schon Erreichtes und Erkämpftes reklamieren. Zwei Musikvideos von DNA aus Lagos rücken Staatskorruption und digitale Formen der Nachbarschaftsdenunziation („Community Policing“) ins Rampenlicht. Ein vierter Film führt Zitate vor, die wir lesen sollten, um voranzukommen. Dass die vier Videoproduktionen der Arbeitsgemeinschaft im Galerieraum auf Fitnessgeräten zu sehen sind, geht zurück auf Fadeschas Überzeugung, dass Protest nicht nur inhaltlich, sondern auch als ein Trainingsprogramm für den Körper zu begreifen sind, der sich im öffentlichen Raum stark zu machen hat. Dass weitere Bilder und Skulpturen in hybrid knirschender Ästhetik den Diskurs des Projektes in Form bringen, ist Teil der Ambition, kollektive populäre Bildsprachen zu nutzen (und zu überprüfen), um progressive Inhalte vermittelbar, ja künstlerisch attraktiv und gestaltbar zu machen. Da mag auch ein Sandsack aus der Boxwelt eine plausible Metapher sein, denn das Ganze könnte auch damit zu tun haben: Mit der Wut, mit der Lust und der Not, zuzuschlagen. Denn wie sollte man nicht wütend sein, oder? Wie sollte, alles oben Gesagte reflektiert, nicht Wut das Ergebnis sein? Das in der Ausstellung Gezeigte kennt und integriert diese Wut, bricht sie aber um in eine positive Sprache der Aktivität, der Kollaboration, des Gemeinsinns, auch der Musik und der körperlichen Äußerung von Emotion, ja, auch der körperlichen Äußerung von politischer Haltung und von gelebter, lebender Veränderung des Bekannten (das auch Produkt kolonialer, rassistischer und sexueller Gewalt ist, damals wie heute). Und so ist diese Ausstellung nicht trotz, sondern gerade angesichts ihrer Themen, im Grunde heiter. Sie spricht vom Leiden, ohne die Sprachen einer Kunst zu sprechen, die gerne Profit aus diesem Leiden schlägt, wenn sie Opfer in ihren Darstellungsformen ein zweites Mal zu Opfern macht, anstatt zu Handelnden (hat jemand Dokumentarismus gesagt?). Sie spricht von dem, was wehtut, ohne selber wehzutun, und inspiriert dazu – und sei es nur versuchshalber – das Gemeinsame zu ermächtigen.
KOW Berlin

KOW | Lindenstraße 35
10969 Berlin

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posted 23. Jan 2022

Staple: What’s on your plate?

06. Dec 202130. Apr 2022
Staple: What’s on your plate? December 6, 2021–April 30, 2022 Hayy Arts opens with Staple: What’s on your plate?, co-curated by Art Jameel’s Rahul Gudipudi and Delfina Foundation’s Dani Burrows. The exhibition features 21 works, including seven new research-based commissions developed in a “food lab” that has run for the past year. Spanning a broad range of material, media and enquiry, the exhibition explores themes of trade, exchange, coloniality, labour, tradition, myth and neo-imperial food production. Participating artists include Leen Ajlan, Moza Almatrooshi, Bricklab x Misht Studio, CATPC (Cercle d’Art des Travailleurs de Plantation Congolaise), Annalee Davis, Mohammad Al Faraj, Asunción Molinos Gordo, Mariam Al Noaimi, Pratchaya Phinthong, Sancintya Mohini Simpson, Fatima Uzdenova, Munem Wasif and Lantian Xie, with films by Jonathas de Andrade, Florence Lazar, Franziska Pierwoss, Suha Shoman and Zina Saro Wiwa. An accompanying robust and interactive public programme includes talks, cooking and planting workshops, food tours and pop-ups, led by artists, performers and researchers including Bricklab, Mariam Al Noaimi, Cooking Sections, Salma Serry, Slavs and Tatars and Raed Yassin together with Ute Wassermann.
Jameel Arts Centre Dubai

Al Jaddaf Waterfront

United Arab Emiratesshow map
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posted 22. Jan 2022


16. Jan 202213. Mar 2022
opening: 16. Jan 2022 11:00 am
**ort: AKADEMIE DER KÜNSTE, PARISER PLATZ** ERICH WONDER – T/RAUMBILDER FÜR HEINER MÜLLER Ausstellung 16. Januar – 13. März 2022, Pariser Platz am Eröffnungstag, Sonntag 16. Januar 2022, 11 – 19 Uhr Eintritt frei Mitte der 1970er-Jahre trafen Erich Wonder und Heiner Müller am Schauspiel Frankfurt zum ersten Mal aufeinander. Zwischen dem österreichischen Bühnenbildner und dem ostdeutschen Dramatiker und Regisseur entstand eine Arbeits- und Lebensfreundschaft, die bis zu Müllers Tod 1995 andauern sollte. Geprägt waren beide Künstler von unterschiedlichsten politischen und ästhetischen Erfahrungen, eine Fremdheit, die produktiver Motor ihrer Zusammenarbeit wurde. Ihre Begegnung führte zu Theaterarbeiten, die Maßstäbe setzten, weil sie die politische Entwicklung im geteilten und im wiedervereinigten Deutschland auf ästhetisch atemberaubende Weise spiegelten. Zu den gemeinsamen Projekten gehörten Inszenierungen, die Theatergeschichte schrieben: Der Lohndrücker (1988) und Hamlet/Maschine (1990) am Deutschen Theater in Berlin oder Tristan und Isolde bei den Bayreuther Festspielen (1993). Die Ausstellung „ERICH WONDER – T/RAUMBILDER FÜR HEINER MÜLLER“ macht diese Arbeitsprozesse sichtbar. Sie präsentiert zum ersten Mal Gemälde und großformatige Aquarelle von Erich Wonder, Texte von Heiner Müller, Fotografien von Sibylle Bergemann, Kostüme von Yohji Yamamoto und originale Requisiten aus den gemeinsamen Aufführungen. Film-Ausschnitte geben Einblicke in die legendären Inszenierungen Der Lohndrücker und Hamlet/Maschine. Die Ausstellung wird kuratiert von Stephan Suschke. Der Regisseur und Autor war von 1987 bis 1995 Mitarbeiter von Heiner Müller. Anlass für die Schau ist die Übernahme des Archivs von Erich Wonder in die Akademie der Künste. Ausstellungsdaten ERICH WONDER – T/RAUMBILDER FÜR HEINER MÜLLER Ausstellung 16. Januar – 13. März 2022 am Eröffnungstag, Sonntag 16. Januar 2022, 11 – 19 Uhr Eintritt frei


Erich Wonder 


Stephan Suschke 
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posted 21. Jan 2022

Yves Laloy, Visions

08. Jan 202212. Mar 2022
Jan 08 - Mar 12, 2022 Opening on Jan 08, 2022 **Yves Laloy, Visions** Perrotin is dedicating its first monographic exhibition on Yves Laloy (born in Rennes in 1920; died in Cancale in 1999). Some fifty works will be on view in both gallery spaces on avenue Matignon and rue de Turenne. Yves Laloy’s work has not been featured in a major exhi- bition since 2004, in a retrospective at the Musée des Beaux-Arts in Rennes. Two of his emblematic works from that museum’s collec- tions will be exceptionally presented here. Yves Laloy began his career as an architect, before turning definitively to painting in 1950. From the start, he began exhibiting in Parisian galleries devoted to Surrealism, which resonated with the wordplay and irony nestled in his work. In 1958, André Breton orchestrated an exhibition for him at the Galerie La Cour d’Ingres, and wrote a laudatory preface to the catalog. A few years later, Breton selected his painting Les Petits pois sont verts, les petits poissons rouges... (1959) as the cover image for his book Le Surréalisme et la peinture. Laloy himself was never part of the Surrealist movement; he developed his work around a multifaceted ‘plastic’ vocabulary, ranging from rigorous geometric compositions to undulating, cosmogonic worlds. His works have been exhibited in Paris, Milan, Basel, and within larger exhibitions devoted to Surrealism, including the 1991 homage to André Breton at the Centre Pompidou. His independent nature and the rarity of his work have bestowed him with a fairly discreet artistic status, known mainly amongst lovers of Surrealism. The polyphony of this hard-to-classify œuvre and its unconventional curiosity invite us to look at these paintings today in a different light. They are replete with the mysteries of the cosmos and the unconscious.


Yves Laloy 

PERROTIN | 76 Rue de Turenne
75003 Paris

Franceshow map
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posted 20. Jan 2022

Den Steinen zuhören / Listening to the Stones

20. Nov 202106. Mar 2022
20. Nov 2021 – 6. Mär 2022 Eröffnungswochenende SA 20.11.2021 / SO 21.11.2021, 11-19 Uhr, Eröffnung: SA 20.11.2021, 14:00 Uhr Annekatrin Klepsch (Bürgermeisterin für Kultur und Tourismus), Gisbert Porstmann (Direktor Museen der Stadt Dresden), Christiane Mennicke-Schwarz und Kerstin Flasche (Kunsthaus Dresden), Miya Yoshida (Kuratorin) und Svea Duwe (Künstlerin). Musikalische Interventionen von Viktoria Leléka. **Den Steinen zuhören / Listening to the Stones** Eine Ausstellung anlässlich des Jubiläums 30 Jahre Kunsthaus Dresden 2021 Yoav Admoni, Maria Thereza Alves und Jimmie Durham, Marie Athenstaedt, Alice Creischer & Andreas Siekmann, Lucile Desamory, Hatakeyama Naoya, Horikawa Michio, Hsu Chia-Wei, Koike Teruo, Alicja Kwade, Miyakita Hiromi, Munem Wasif, Sybille Neumeyer, Kadija de Paula & Chico Togni & FELL, Mathis Pfäffli, Erika Richter, Shitamichi Motoyuki, Suzuki Akio, Tang Han, Zhou Xiaopeng, Stephanie Zurstegge Wie alt ist die Menschheit und wie alt der Planet, der sie trägt? Im Verhältnis zum Alter von Steinen relativiert sich die menschliche Zeitmessung radikal. Die Ausstellung ist dem Material gewidmet, das in vielfacher Hinsicht die Basis unserer Existenz darstellt. Aus Anlass seines 30-jährigen Bestehens zeigt das Kunsthaus Dresden eine Ausstellung zeitgenössischer Kunst zum Thema Steine. Die Ausstellung reagiert auf die zu feiernden Jubiläen – 2021 ist auch das Jahr von 160 Jahren Deutsch-Japanischer Freundschaft – provokativ, aber auch nachdenklich und stellt diesen Anlässen künstlerische, aber auch ethische und spirituelle Fragen entgegen: Was wissen wir eigentlich über Zeit? Wie müssen wir unser Leben, aber auch unsere kulturelle Perspektive verändern, um unseren Planeten und unsere Existenz zu retten? Die künstlerischen Arbeiten ermöglichen einen Blick von sehr unterschiedlichen Positionen auf diesem Globus auf Steine, die hier nicht nur als Ressource, spröde, ereignis- und machtlos, sondern als Träger geologischen und planetarischen Wissens betrachtet werden. Den Steinen zuhören / Listening to the Stones beinhaltet auch die Hoffnung auf einen symbolischen Neuanfang durch das „Hören“ auf Steine als Berater:innen und Begleiter:innen, das ermöglichen soll, Perspektiven auf Vergangenheit und Zukunft neu zu erlernen und neu zu denken. Kuratiert von Miya Yoshida in Zusammenarbeit mit Kerstin Flasche und Christiane Mennicke-Schwarz / Kunsthaus Dresden Gefördert durch die Stiftung Kunstfonds Bonn, die Japan Foundation, die Homann Stiftung und das ifa Institut für Auslandsbeziehungen
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posted 19. Jan 2022

Ibrahim Mahama

18. Sep 202123. Jan 2022
18.09.2021 - 23.01.2022 **Ibrahim Mahama** Ibrahim Mahama (*1987) ist durch großformatige Arbeiten bekannt geworden, für die er Jutesäcke verwendet. Seine Materialien erhält der in Tamale (Ghana) geborene Künstler im Tausch. So tauscht er neue Säcke für gebrauchte ein, in denen ursprünglich Waren – überwiegend Kakao, Kaffee und Bohnen – in die Häfen von Ghana gelangten. Die Näharbeit wird anschließend von lokalen Arbeiterinnen und Arbeitern erbracht. Tausch und gemeinschaftliche Neuproduktion sind für das Werkverständnis von Ibrahim Mahama bedeutsam. Die Jute-Flächen erinnern an die zugehörigen Waren. Sie thematisieren aber ebenso die Spuren der Menschen, die in Asien die Jute produzieren, sowie jener, die in Afrika am Verpacken und Transportieren der Waren Anteil haben. Schließlich verbinden sie sich mit den Menschen, die Mahama in die Fertigung seiner Kunst einbezieht – und somit auch mit uns hier in Europa. Die Säcke haben ihren ursprünglichen Kreislauf verlassen. Ihre Spuren, die im Materialverschleiß eigentlich verloren gehen, erhalten jetzt Bedeutung und dürfen Erzählung werden. Diese einfache wie kraftvolle Geste ist Aufforderung, den globalen Handel und seine Mechanismen, an denen auch wir Anteil haben, ins Bewusstsein zu rufen. Zugleich erinnert Mahama damit an die Kolonialgeschichte seines Landes, das wegen seiner Rohstoffe bis zur Unabhängigkeit als „Goldene Küste“ bekannt war.
Museum der Bildenden Künste Leipzig

Katharinenstraße 10
04109 Leipzig

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posted 18. Jan 2022

Poetry and Performance. The Eastern European Perspective

25. Nov 202112. Feb 2022
25.11.2021 - 12.02.2022 **Poetry and Performance. The Eastern European Perspective** Dnipro Center for Contemporary Culture will host an international exhibition dedicated to the poetry and performance of Eastern Europe An international exhibition Poetry and Performance. The Eastern European Perspective will be presented at the Dnipro Center for Contemporary Culture from 25th November 2021 to 12th February 2022. It will feature more than 100 works on the intersection of poetry and performance by artists from different countries of Eastern Europe, including Ukraine. The exhibition's main focus is on a combination of poetry and performance in artistic reflections and research on language in the dimension of political and ideological influence. The works of poets and artists of the second half of the 20th century and contemporary artists refer to the issues of censorship and artificiality of language, its subordination to ideologies and policies, fragility and vulnerability to various socio-cultural transformations — both in the past and today. Poetry and Performance. The Eastern European Perspective is the result of a study conducted by researchers and curators Sabine Hänsgen and Tomáš Glanc with the support of the University of Zurich and the European Research Council. The exhibition was first shown in Zurich at the end of 2018, then the collection in its various formats traveled to Dresden, Wroclaw, Liberec, and Budapest. At the Dnipro Center for Contemporary Culture, the permanent part of the exhibition will be joined by works of Ukrainian artists. The curators have aimed for a dialogue between past and present so the exhibition in Dnipro will feature well-established examples of Ukrainian poetic performances like ones by Yuri Leiderman, Vlodko Kaufmann, and LuHoSad group as well as younger voices such as Yaroslav Futymskyi, Anita Nemet, Nikolay Karabinovych, Stanislav Turina, Dana Kavelina, Ksenia Hnylytska. "The political-ideological dimension of language usage and its instrumentalization is a prominent aspect of the exhibition. With its showcase of performative appropriations of language, the exhibition appears particularly timely for the Ukrainian context. By bringing the historical examples of poetry and performance in one context with contemporary Ukrainian poets/performers, the exhibition offers an opportunity to re-actualize the relation between poetry, performance, and politics in Eastern Europe," Kateryna Rusetska and Yuri Birte Anderson, the co-curators of the exhibition, have said. The show is composed of various types of coexisting exhibits: text scores, interactive objects, sound and video recordings, films and installations of performance documentation. Together, they present authors from subcultures in socialist states along with contemporary positions that continue the legacy of combining poetry and performance, showing the efforts of poets and artists to break free from controlled language and normative communication. The exhibition is divided into several parts, each of them representing one of the formats of poetic performance in Eastern Europe: Writing-Reading Performance, Audio Gestures, Interventions in Public Space, Cinematographic Poetry, Body Poetry, Language Games. The full list of artists: Milan Adamčiak, Akademia Ruchu, Nikita Alekseev, Gábor Altorjay, Pavel Arsenev, Damir Avdić, Bosch+ Bosch (Attila Csernik Slavko Matković László Szalma), Collective Actions Group, Coro Collective, Ľubomír Ďurček, Exterra XX, Else Gabriel/ Via Lewandowsky, Rimma Gerlovina, Jelena Glazova, Tomislav Gotovac, Group of Six Artists / Grupa šestorice autora (Boris Demur, Željko Jerman, Vlado Martek, Mladen Stilinović, Sven Stilinović, Fedor Vučemilović), Bohumila Grögerová / Josef Hiršal, Gino Hahnemann, Tibor Hajas, Václav Havel, Jörg Herold, Semyon Khanin (Orbita), Vladimir Kopicl, Dávid Koronczi, Katalin Ladik, Yuri Leiderman/ Andrey Silvestrov, Via Lewandowsky/ Durs Grünbein, Vlado Martek, Kirill Medvedev, Jan Měřička, Andrei Monastyrski, Ladislav Novák, Pavel Novotný, NSRD - Workshop for the Restoration of Unfelt Feelings/ Nebijušu Sajūtu Restaurēšanas Darbnīca (Hardijs Lediņš, Juris Boiko, Imants Žodžiks), OHO Group (Nuša & Srečo Dragan Naško Križnar), Orange Alternative, Roman Osminkin, Ewa Partum, Bogdanka Poznanović, Dmitri Prigov, Pussy Riot, Lev Rubinstein, Mladen Stilinović, Gabriele Stötzer, Tamás Szentjóby, Bálint Szombathy, Slobodan Tišma, Dezider Tóth (Monogramista T.D), Raša Todosijević, Jaromír Typlt, Jiří Valoch, Liberec Radio Studio, Henri Chopin, Gerhard Rühm, Jiří Kolář, Bálint Szombathy, Tesla Sonet Duo, Laszlo Szalma, Young Girl Reading Group (Dorota Gawęda i Eglė Kulbokaitė), Stanislav Turina, Ksenia Hnylytska, Lubomyr Tymkiv, Petro Ryaska, Dana Kavelina, Anita Nemet, Yaroslav Futymskyi, Yuriy Sokolov, Nikolay Karabinovych, Leonid Voytsehov, Vlodko Kaufman, Fedir Tetianych, LuHoSad, Bu-Ba-Bu, group Abstract Finger, Vasyl Lozynsky. Curators of the exhibition: Sabine Hänsgen and Tomáš Glanc, Yuri Birte Anderson, Kateryna Rusetska. In cooperation with Yaroslav Futymskyi. The official opening will take place on November 25th at 7 pm at the Dnipro Center for Contemporary Culture. Except for the exhibition itself, a wide range of public events is planned as a part of the Poetry and Performance. The Eastern European Perspective project in Dnipro. A detailed schedule of events will be announced later on the DCCC's Facebook page. The exhibition will take place following current quarantine restrictions in Dnipro. Admission is free. The show was created in collaboration with the Dnipro Center for Contemporary Culture, the NGO Kultura Medialna, the Artsvit Gallery, the University of Zurich, the European Research Council, the Department of Humanitarian Policy of the Dnipro City Council, and the Capital of Culture program. Exhibition organizers: Dnipro Center for Contemporary Culture (DCCC) dniproccc@gmail.com
DCCC Dnipro

Krutohirnyi Descent, 21А
49000 Dnipro

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posted 17. Jan 2022

HANS SCHABUS - der lange Morgen

10. Nov 202129. Jan 2022
opening: 10. Nov 2021 07:00 pm
Hans Schabus Der lange Morgen GALERIE KRINZINGER, MAIN GALLERY - Seilerstätte 16 - Vienna 10 Nov 2021 – 15 Jan 2022 (verlängert bis 29.1.) Eröffnung: 10. November, 2021, 19h Es spricht: Seamus Kealy, Direktor, Salzburger Kunstverein Ausstellungsdauer: 11. November 2021 - 15. Januar 2022 Galerie Krinzinger, Seilerstätte (Main Gallery) Eröffnungsrede von Séamus Kealy, Direktor Salzburger Kunstverein Every life is in many days, day after day. We walk through ourselves, meeting robbers, ghosts, giants, old men, young men, wives, widows, brothers-in-love. But always meeting ourselves. – James Joyce. Ulysses. Hans Schabus schafft Kunstwerke, die auf merkwürdige Weise mit seinen kosmischen Erfahrungen spielen. Oft bezieht er sich auf seine Umgebung, wenn er z. B. aus spärlichen oder alltäglichen Materialien Ideen entwickelt. Wie ein Besessener hat er riesige Löcher unter sein Atelier gegraben, unter Museen gegraben, um neue Durchgänge für Besucher zu schaffen, ist mit einem selbstgebauten Boot durch unterirdische Tunnel gesegelt, mit dem Fahrrad um und durch riesige Landstriche gefahren und hat 2005 den österreichischen Pavillon auf der Biennale in Venedig in einen hölzernen, labyrinthischen Berg verwandelt. Seltsamerweise führten all diese mühsamen Unternehmungen, die jede einen scheinbaren Anfang und ein scheinbares Ende hatte, in Wirklichkeit nirgendwo hin. Dieses Element einer Reise oder eines Übergangs zu einem anderen Ort wird absichtlich vereitelt, oft durch die erschöpfende Unmöglichkeit und dem Gewicht des Kontextes, den Hans seiner Arbeit auferlegt, oder durch Wiederholung, die das Gefühl der Neuheit der Erfahrung untergräbt. Nachdem er nirgendwohin gegangen ist, er vielmehr einen Kreislauf durchlaufen hat, der nur in sich selbst zurückkehren kann, ist dennoch etwas geschehen. Man könnte sagen, dass Hans oft aus Nichts etwas macht. Es gibt Werke von Hans Schabus, die aus diesen selbst auferlegten Barrieren oder Negativen entstehen, oder sie könnten, wie in neueren Arbeiten, aus dem Ungesehenen, dem Unrealisierten oder dem Vernachlässigten entstehen. Das kann ein negativer Raum sein, wie seine hartnäckige Neigung, Löcher zu graben, oder immer wieder in sein leeres Atelier als Muse zurückzukehren, um nun die Spektralität nicht vorhandener Ereignisse und des „Ausgelöschten“ einzusetzen. Wir alle haben das in letzter Zeit erlebt. ABGESAGT! GESCHLOSSEN! BIS AUF WEITERES GESCHLOSSEN! AUFGRUND DER UMSTÄNDE WERDEN KEINE NEUEN STELLEN GESCHAFFEN. KNEIPE GESCHLOSSEN. Hier sind wieder die auferlegten Bedingungen ... und es scheint, dass sie Hans tatsächlich dazu verleitet haben, irgendwie einzugreifen. Dachten wir nicht alle, dass wir während der Pandemie etwas Neues, Kühnes und Produktives tun könnten? Doch für die meisten von uns ... die große Mehrheit von uns ... mich eingeschlossen, entstand nichts oder fast nichts. Oder waren wir nicht in der Lage, uns auf etwas Neues einzulassen, als sich die Gelegenheit bot? Natürlich gibt es Ausnahmen. Einige von euch werden jetzt vielleicht schmunzeln, weil es jetzt einen üppigen Garten in eurem Hinterhof gibt oder ihr eine neue Sprache gelernt habt. Es gibt sicher jemanden unter uns, der im letzten Jahr ein mathematisches Genie geworden ist. In meinem Fall habe ich drei Bilder gemalt. In einem Jahr. Ich hätte wahrscheinlich dreißig machen können. Nun, Hans stand vor dem gleichen Problem, als er mit der Abwesenheit der vertrauten Welt konfrontiert wurde. Es gab eine Art Nichts, mit dem er konfrontiert war, aber daraus ist etwas entstanden. Ich werde darauf zurückkommen, wenn ich über die Kunstwerke in dieser Ausstellung spreche. In der Zwischenzeit hoffe ich dieses Paradoxon, von etwas, das aus dem Nichts entsteht, mit einem Satz erklären, den ich kürzlich zu Hans in seinem Atelier gesagt habe. Ich glaube, es hat ihm gefallen. Es war: Hans fucks around with things. Und in diesem Fall fummelt er an Nicht-Dingen herum. Die Arbeiten von Hans Schabus haben eine Einfachheit und eine alltägliche Eleganz, die ich seit 18 Jahren, in denen ich den Mann und seine Arbeit kenne, bewundere. Ohne zu nostalgisch zu werden, erlaubt mir zu sagen, dass sich unsere Wege in diesen Jahren mehrmals beruflich gekreuzt haben. Natürlich neigte ich in all diesen Jahren dazu, einen roten Faden in seiner Arbeit zu finden. Und das habe ich, ich habe es gerade gesagt, und ich hoffe, ihr könnt es mir nachsehen: Hans fucks around with things. Und an dieser Aussage ist nichts Abwertendes. Ich wage zu behaupten, dass auch Samuel Beckett ein Künstler war, der mit den Dingen gefuckt hat. Ich werde vielleicht nicht unverletzt aus einer Beckett-Konferenz herauskommen, wenn ich diese Behauptung wiederhole (und vielleicht auch nicht unverletzt aus dieser Galerie), aber wenn wir darüber nachdenken, können wir feststellen, dass Beckett aus einem scheinbaren Nichts heraus mit ein paar eleganten Gesten und unter minimalen Bedingungen tiefgründige Literatur und Theater geschaffen hat. Dieser Erfindungsreichtum mit bloßen Knochen und Staub ist für mich erstaunlich und ehrfurchtgebietend. Beginnen wir mit meiner ersten Begegnung mit Hans’ Arbeit, als er 2003 seine Ausstellung Astronaut (Komme gleich) in der Secession zeigte. Ich schlug dem Flash Art Magazine einen Artikel über diese Ausstellung vor und schrieb somit meinen ersten Text über Hans’ Arbeit. In Hans’ Ausstellung ging es im Wesentlichen um den Versuch, Wien zu entkommen, entweder in einem selbstgebauten Boot in der Wiener Kanalisation (in Western, der brillanten Filmparodie von Der dritte Mann) oder durch einen halb ausgegrabenen Gang im Secessionsgebäude selbst. Diese Arbeit hatte etwas Beklemmendes, aber auch Ungeheuerliches. Der Künstler und Astronaut kommt nämlich nicht raus. Die Mission geht schief. Oder doch nicht? Er ist auf dem Weg, komme gleich, sagt er, aber dann kommt er wieder an den Ort zurück, an dem er gestartet ist. Es scheint ein bisschen sinnlos, aber er tut es trotzdem. Es ist, als könne er nicht anders. Haben Sie sich nicht auch schon über seine Radreisen durch Amerika oder neuerdings während der Pandemie vom nördlichsten bis zum südlichsten Teil des europäischen Kontinents gewundert? Was treibt er da? Man könnte sagen, dass er seine Arbeit aus dieser scheinbar trügerisch banalen Auseinandersetzung mit der nackten Realität heraus entwickelt. Ich meine, schaut euch das Video an, das er gemacht hat, es ist nicht spektakulär. Natürlich will ich nicht behaupten, dass diese Arbeit langweilig oder es gar banal ist, durch einen Kontinent zu radeln. Nein, das ist eine große Geste. Aber die Art und Weise, wie es zu einem Kunstwerk wird, könnte als trocken und banal interpretiert werden. In seinem Fall ist das nicht so – obwohl es dem gefährlich nahe kommt. Lasst es mich erklären, indem ich noch einmal kurz auf eine andere Zeitspanne zurückkomme. 2016 zeigten wir im Salzburger Kunstverein seine Ausstellung The Long Road from Tall Trees to Tall Houses. Diese Ausstellung zeichnete Tag für Tag seine 42-tägige Fahrradroute von Kalifornien (wo die hohen Bäume stehen) nach New York City (wo die hohen Häuser sind) auf. Eine Serie von Bildern wurde im Großen Saal präsentiert, jedes mit einer Postkarte und einem Foto vom Hotelzimmer jeder seiner Stationen. Manchmal sehen wir seine dicken, behaarten Waden und seine geschwollenen, stinkenden Füße vom Blickwinkel seines Bettes. Sein Blog zu dieser Reise und zu diesem Projekt schließt mit der Aussage: The Long Road from Tall Trees to Tall Houses turned out to be: distance: 5.352 km / 3.325 mi, elevation gain: 36.490 hm / 119.717 ft. Es scheint alles logisch und mechanisch. Aber nein, da ist noch etwas anderes. Als er diese Ausstellung plante, sagte er zu mir: Seamus, ich würde gerne ein verdammt großes Loch durch die alten Mauern des Ausstellungsraumes hinaus in den Gang bohren. Ich hielt ein paar Sekunden lang inne. Und dann sagte ich: Ok, lass es uns tun. Wenn das kein fucking around ist, weiß ich nicht, was es sonst ist. Natürlich waren hier Gesten im Spiel. Es war nicht so, dass Hans und ich zu viele Biere getrunken hatten und ich am Ende des Abends gesagt habe, ja Hans, toll, scheiß drauf, lass uns einfach ein riesiges Loch in das historische Gebäude bohren... Nein, ich habe dem vertraut, was er vorhatte. Er hat dadurch den Innenraum mit dem Außenraum verbunden, als Fortsetzung seiner Reise. Auch in der Ausstellung selbst waren Zeit und Raum immer noch in Bewegung. Sie waren ständig in Bewegung, vielleicht waren sie hinter ihm hergereist und hatten ihn eingeholt, aber sie waren auch im Kontext der Ausstellung nicht anzuhalten oder festzulegen und dennoch ein maßgeblicher und entscheidender Faktor. Seine Neigung, die Zeit in Einheiten einzuschreiben, unterstreicht diese Geste. Etwas musste immer noch die Möglichkeit haben, der Ausstellung zu entkommen, sich in ihr zu bewegen oder sie zu verlassen. Hans hat vorgefundenes Material neu bearbeitet. Das Material ist die Zeit und der Raum seiner Reise. Hans’ Projekt war von Natur aus eine Untersuchung von Sein und Zeit. Das ist in seiner Einfachheit ein tiefgründiges Kunstwerk. Aber das „fucking around“ in diesem Werk ist das, was das Werk pulsieren lässt. Ich betone das, weil in der Tat immer die Gefahr besteht, dass Hans oder ein anderer Künstler mit einer ähnlichen Taktik ein Werk schafft, das seinem Material so sehr ähnelt, dass es verschwindet. Wir alle haben das in zeitgenössischen Kunsträumen schon erlebt, oder? Das ist der Teil des fucking about... auf Englisch würden wir auch sagen, das ist das „to mess around with our heads“ Element, das, was seiner Arbeit eine besondere Note verleiht. Ich spürte dieses Aufgeladen sein, als ich seine Arbeit zum ersten Mal in der Secession sah, und es bestätigte sich, als ich Hans damals traf und interviewte. Und es wurde erneut bestätigt, als ich ihn zweimal nach Kanada einlud, um auch dort seine Arbeiten zu präsentieren. Und dann in Salzburg. Und nun ist diese Aufladung wieder hier in dieser Ausstellung in der schönen Galerie Krinzinger spürbar. Wohin führt uns also sein neues Werk? Eine Zusammenfassung: Eine Pandemie passiert. Wir sind alle, großteils, voneinander isoliert. Einige begeistern sich für neue Aktivitäten. Viele sehen fern. Andere leiden darunter, dass sich die Weltwirtschaft dramatisch verlangsamt. Einige sterben an Covid, viele andere sterben unter schlechten, unerträglichen Bedingungen. Eine kleine Minderheit profitiert in hohem Maße. Eine andere Minderheit, aber größer, findet Zeit, ihren Individualismus zu vertiefen, indem sie neuen Aktivitäten nachgeht. Eine weitere exzentrische Minderheit erweitert ihren Glauben an verrückte Ideen. Viele andere tun sich zusammen, um sich gegenseitig zu unterstützen. Die Pandemie nimmt zu und nimmt ab, verbessert sich an manchen Orten, verschlechtert sich an anderen, bleibt bestehen, wo Ressourcen knapp sind. Wir sind immer noch mittendrin. Es gab und gibt immer noch große Wellen des Leidens. Es gab Spaltung und Erneuerung durch die Pandemie. Es gab diejenigen, die nichts daraus gemacht haben. Und es gab diejenigen, die aus dem Nichts etwas gemacht haben. Hans ist einer von ihnen. Ein Punkt der obigen Zusammenfassung bleibt: Veranstaltungen werden abgesagt. Leere Bühnen. Ich kann euch sagen, dass das in Irland besonders hart war. 18 Monate lang gab es dort keine legalen Gigs. Pubs ohne Musik sind wie Flüsse ohne Fische. Das Nichtstattfinden dieser Ereignisse – diese Abwesenheit in Raum, Zeit und Erfahrung – ist eines der Materialien, die Hans in dieser Ausstellung verwendet. Man könnte hier eine verschwindende Handlung sehen, die sich wie eine kaputte Schallplatte oder eine Störung wiederholt. Dazu kommen die Assoziationen und Erinnerungen, die wir vielleicht haben, wenn wir nicht nur daran denken, wann wir das letzte Mal Live-Musik gesehen und gehört haben, sondern auch an die Referenzen, mit denen Hans spielt: die kinky-kitschige Apokalypse von Iron Maiden (Apokalypse ist abgesagt, Jungs!), Dua- Lipas Zukunfts-Nostalgie-Tour (eine ironische Wendung einer bereits groovigen, aber verwirrenden Ironie) und natürlich Guns N’ Roses (welcome to the jungle baby), Pet Shop Boys und Patti Smith, all diese nostalgische Musik, die nie verschwindet, nie verschwinden kann, wird auseinandergeschnitten und wieder zusammengesetzt. Es gibt eine Art visuelles Wortspiel, in seinem Zerlegen und wieder Zusammensetzen dieser Plakate, bestehend aus popkulturellen Assoziationen, unseren individuellen und kollektiven Erinnerungen und Erfahrungen und unserem individuellen und kollektiven Vergessen. Die Arbeit wird durch das Ausbleiben dieser Ereignisse angeheizt, wie individuelle Formen von Zeitreisen im Kopf oder ein plötzlicher Ausbruch in ein Paralleluniversum, das aus Fragmenten verschiedener verlorener oder möglicher Zeiten besteht. Und dann präsentiert er uns eine Bühne, die aus diesen Plakaten oder bessergesagt aus Plakatvorlagen besteht. Deshalb sehen wir manchmal einen einfachen Text, manchmal gespiegelten oder manchmal gespiegelten und auf den Kopf gestellten Text. Hans nutzt die Mechanismen der Plakatherstellung so, wie sie sich darstellen. Figuren aus Aluminiumschablonen und das Gerüst der Bühnentechnik erscheinen wie unbeholfene Geister, die eine nicht vorhandene Menschenmenge widerspiegeln. Als ich diese Bühne sah, erinnerte sie mich sofort an die Außenskulptur, die der Künstler Kristan Horton 2008 für die Nuit Blanche in Toronto geschaffen hatte. Nuit Blanche ist das Äquivalent zur Langen Nacht der Museen. Von weitem hörte man eine jubelnde, manchmal auch johlende Menge, und wenn man sich näherte, sah man den Bühnenapparat und die Scheinwerfer. Aber dann war da niemand. Aus den Lautsprechern dröhnte ein aufgezeichneter Sprechgesang der Menge. Kristan parodierte eindeutig das Spektakel der Nuit Blanche (die bis zu 1 Million Besucher in einer Nacht zählt) mit dieser tautologischen Art der Präsentation einer Bühne im Dunkeln, bei der wir uns aufgeregt versammeln, um zu beobachten, nur um dann festzustellen, dass wir ausgetrickst wurden. Auch Hans beschäftigt sich mit diesem Aspekt des Spektakels und der Bedeutungslosigkeit, wenn auch vielleicht weniger pointiert. Er überlässt es uns, darüber nachzudenken und uns mit den Ideen der „neuen Normalität“ oder der „Rückkehr zu guten alten Zeiten“ auseinanderzusetzen, die vor allem in Bezug auf Kunst und Unterhaltung im Umlauf sind. Vielleicht will er uns damit auch sagen, dass wir uns vor der Gefahr hüten sollten, dass das Spektakel wieder an die Stelle der kontemplativen Beschäftigung tritt. Wir können ihn später bei einem Bier fragen. Zu guter Letzt möchte ich noch das klemmende Garagenschiebetor erwähnen. Shut the Fuck Down, so heißt es, und der Umstand, dass ich das F-Wort vorhin benutzt habe, scheint gerechtfertigt. Hans hat die Schiebetür seines Ateliers nachgebaut und es als Eingriff in die elegante Architektur dieser schönen Galerie mitgebracht. Es ist eine weitere Erinnerung daran, dass wir hier Betrachtungen über das Universum, quasi aus dem Handgelenk heraus, präsentiert bekommen. Das heißt, das Universum windet sich spiralförmig von ihm aus, und hier wieder der Verweis, zurück zu seinem Atelier. Allerdings ist dies keine explizit egoistische oder solipsistische Erfahrung, sondern eher eine kollektive, jedermenschliche Geste des Teilens, da wir auf seine Reise eingeladen sind und nicht von ihm belehrt werden, was das alles zu bedeuten hat. Er leistet die Vorarbeit, manchmal sogar ziemlich schwindelerregend, und wir können mitmachen, wie es uns gefällt. Einer meiner Lieblingsaspekte an Hans’ Arbeit ist ihre Zugänglichkeit. Das spiegelt sich sicherlich auch in seiner skurrilen Verwendung eines halbindustriellen Garagentors in dieser Ausstellung wider. Hans’ Arbeit bietet uns durch ihre Präsenz, ihre Ähnlichkeit und ihr Echo auf das Alltägliche einen poetischen Blick auf unsere gemeinsamen Wahrnehmungen; auf das, was geschehen ist, auf das, was nicht geschehen ist, obwohl es hätte sein können, und auf das, was jetzt vor uns liegt. Hans Schabus (geb. 1970 in Watschnig, Österreich) lebt und arbeitet in Wien. 1991–1996 Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Wien, seit 2014 Professur für Skulptur und Raum an der Universität für angewandte Kunst Wien. Auswahl Einzel- und Gruppenausstellungen: Museum der Moderne Salzburg, Rupertinum, Salzburg, AT, (2019) GA, Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, AT (2018) GA, Kunsthalle Wien, Wien, AT (2018), GA, Cafe Hansi (Aufstellung), mumok – museum moderner kunst stiftung ludwig, Wien, AT (2017), EA, The Long Road from Tall Trees to Tall Houses, kuratiert von León Krempel, Kunsthalle, Darmstadt, DE (2017), EA und im Salzburger Kunstverein, Salzburg, kuratiert von Séamus Kealy, (2016) EA, Vertikale Anstrengung, kuratiert von Bettina Steinbrügge, Belvedere 21, Wien, AT (2012), EA, Daily Mirror, kuratiert von Ursula Krinzinger, one world foundation, Ahungalla, LK (2012), EA, Revolutions – Forms that Turn, kuratiert von Carolyn Christov-Bakargiev, Biennale of Sydney, AU (2008), EA, Innere Sicherheit, kuratiert von Bernhard Balkenhol, Kasseler Kunstverein, Kassel, DE (2006), EA, Das letzte Land, kuratiert von Max Hollein, 51. La Biennale di Venezia, Österreich Pavillon, Venedig, IT (2005), EA, Das Rendezvousproblem, kuratiert von Eckhard Schneider, Kunsthaus Bregenz, Bregenz, AT (2004), EA, Transport, kuratiert von Harald Uhr, Bonner Kunstverein, Bonn, DE (2003), EA, Astronaut (komme gleich), Secession, Wien, AT (2003), EA; Ausstellungen in der Galerie Krinzinger und Krinzinger Projekte: Bruno Gironcoli, Hans Schabus, NÄCHSTE TÜRE LÄUTEN!, Galerie Krinzinger, Wien, AT (2018), EA, AiR Sri Lanka, Krinzinger Projekte, Wien, AT (2012), GA, Joint Venture, Galerie Krinzinger, Wien, AT (1996), GA; Preise: International Video Art Prize, Hamburg, DE (2011), Arnold Bode Award, Kassel, DE (2006), Fine Arts Award of the City of Vienna, Wien, AT (2006), Kardinal König Art Award (Erster Preisträger), Salzburg, AT (2005), Professor Hilde Goldschmidt Preis, Kitzbühel, AT (2001)


Hans Schabus 
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posted 16. Jan 2022

The Purple House

11. Oct 202127. Feb 2022
11.10.2021 - 27.02.2022 **The Purple House** A celebration of leading Pintupi artists and their enduring legacy Alongside the major exhibition Papunya Tula: Genesis and Genius in 2000, the Art Gallery of New South Wales worked with a number of organisations to realise the Western Desert Dialysis Appeal. Leading Pintupi artists were the driving force behind the appeal, creating and donating large-scale collaborative canvases to raise significant funds leading to the establishment of the Purple House. This exhibition celebrates these artists and their enduring legacy. The Purple House is a non-profit Aboriginal, community-controlled health service whose mission is ‘Making all our families well’. It began in response to the increasing number of Pintupi/Luritja people with chronic renal disease from the Western Desert region who were forced to leave their Country and families to access dialysis – a situation which was fracturing families and disrupting important knowledge transfer and community leadership. To keep families together and culture strong, the Purple House was conceived to provide dialysis care to patients on Country and within their remote communities. In 2000, alongside the major exhibition Papunya Tula: Genesis and Genius, the Art Gallery of New South Wales worked with several organisations to realise the Western Desert Dialysis Appeal. Leading Papunya Tula artists including Turkey Tolson Tjupurrula, Naata Nungurrayi, Bobby West Tjupurrula and Patrick Tjungurrayi were the driving force behind the appeal and more than $1 million was raised through an art auction held at the Gallery. This money led to the establishment of Western Desert Nganampa Walytja Palyantjaku Tjutaku Aboriginal Corporation, which is now called the Purple House. Most of the funds raised at the auction came from four major collaborative works created by artists of Papunya Tula at Walungurru, NT, and Kiwirrkurra, WA, in 1999: two men’s and two women’s canvases. Three of these special paintings will be on display in The Purple House exhibition celebrating 21 years since the Purple House’s inception, where they will feature alongside major works and archival material drawn from the Gallery’s collection.
Art Gallery NSW, Sydney

Art Gallery NSW | Art Gallery Road
NSW2000 Sydney

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posted 15. Jan 2022

KÖPFE, KÜSSE, KÄMPFE. Nicole Eisenman und die Modernen

02. Oct 202109. Jan 2022
02.10.2021 - 09.01.2022 **KÖPFE, KÜSSE, KÄMPFE Nicole Eisenman und die Modernen** Nicole Eisenmans (*1965, lebt in New York) Werk besticht durch seine Faszination für die Conditio humana, Fragen nach zwischenmenschlicher Interaktion und die präzise Beobachtung zivilisatorischer Entfremdungsprozesse. In ihrem zeichnerischen, malerischen und skulpturalen Werk verbindet Eisenman Elemente aus popkulturellen Zusammenhängen (politische Satire, Comic) mit tradierten kunsthistorischen Referenzen zu einer neuen Einheit. Die Ausstellung «Köpfe, Küsse, Kämpfe» führt Werke aus allen Schaffensperioden Eisenmans zusammen und fokussiert Gesellschaftsbilder, in denen angesichts der großen Umwälzungen wie Globalisierung und Digitalisierung Entfremdungsprozesse, Vereinzelung, aber auch neue gemeinschaftliche Lebensentwürfe im Zentrum stehen. Vor dem Hintergrund der künstlerischen Praxis Eisenmans, in der neben popkulturellen Einflüssen auch unterschiedliche Stil- und Kompositionselemente historischer Malerei sichtbar werden, kombiniert die Ausstellung die Arbeiten der Künstlerin mit Werken der klassischen Moderne aus den Sammlungen der Kooperationsmuseen. Über diese punktuell eingeführten historischen Werke eröffnet die Ausstellung gemeinsam mit dem Werk Eisenmans einen Resonanzraum über ein Jahrhundert hinweg, in welchem gesellschaftliche Umwälzungen in ihrer Dringlichkeit, aber auch mit Hoffnung und Zuversicht vor Augen geführt werden. Nicole Eisenmans Werk war 2019 auf der Whitney Biennale und auf der Venedig Biennale ausgestellt, in den letzten Jahren war sie mit Einzelausstellungen u. a. in der Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, der Secession in Wien und im The Contemporary Austin präsent. In der Ausstellung Skulptur Projekte Münster war sie 2017 mit «Sketch for a Fountain» prominent vertreten. Die Brunnenskulptur konnte 2020 für die Stadt Münster angekauft werden. Die Ausstellung entsteht in Kooperation mit dem Aargauer Kunsthaus, Aarau, der Fondation Vincent van Gogh, Arles, und dem Kunstmuseum Den Haag, Den Haag. Die Ausstellung wird gefördert von der Kunststiftung Nordrhein-Westfalen und der Stiftung der Sparkasse Bielefeld.
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posted 14. Jan 2022

Depot oder Deponie

12. Nov 202118. Feb 2022
opening: 11. Nov 2021 01:00 am
Abendführung durch die aktuelle Ausstellung ‚Depot oder Deponie‘ – Doppelpass V: Christoph und Sebastian Mügge Donnerstag, 13. Januar 2022, 18 Uhr Dr. Hanne Borchmeyer Leseverrichtung mit Ruth Geiersberger und musikalischem Programm Mittwoch, 26. Januar 2022, 19 Uhr Arabella Purucker (*1997 in Kulmbach), Klarinette Carmen Rodriguez Hitschfeld (*1997 in Concepción, Chile), Klarinette in Kooperation mit der Hochschule für Musik und Theater München Klasse Prof. Georg Arzberger * **Depot oder Deponie Doppelpass V: Christoph und Sebastian Mügge** 12.11.2021 - 18.02.2022 Ausstellungseröffnung am Donnerstag, den 11. November 2021, von 18 bis 21 Uhr Christoph und Sebastian Mügge präsentieren im DG Kunstraum eine ortsspezifische und prozessorientierte Rauminstallation, die christliche Totenrituale sowie Fragestellungen rund um das Sterben reflektiert. Der dauerhafte Verlust einer geliebten Person ist nicht nur an sich schmerzlich, sondern es gilt auch Abschied zu nehmen von Dingen, zu denen über Jahre hinweg eine enge emotionale Bindung aufgebaut worden ist. Der Tod der eigenen Großmutter und das Auflösen ihres Haushalts gaben für die Brüder Mügge den Anlass, sich auch künstlerisch mit dem Thema der Vergänglichkeit auseinanderzusetzen. Untersucht werden sowohl die sentimentale Wirkung von persönlichen Gegenständen im physischen Raum, als auch die schnelllebige Entwicklung unserer Speichermedien. Das moderne digitale Erbe, die Erinnerungskultur 2.0, konfrontiert Angehörige mit neuartigen Fragen: Wie soll man sich zu Spuren, die in sozialen Netzwerken hinterlassen wurden, verhalten, wenn kein Zugang zu deren Passwörtern vorhanden ist? Wie sollen wir das digitale Lebenswerk in Form von Selfies, Blogs, Einträgen, Filmen, Musiksammlungen, Mitteilungen, E-Mail-Korrespondenz und ähnlichem verwalten? Was möchten wir überhaupt hinterlassen? Und welche Rolle kann eine bewusste Entrümpelung spielen? Diesen Fragen gehen die beiden Künstler nach und nehmen uns mit auf eine Reise, die früher oder später jeden von uns betreffen wird. Die Künstler haben sich in der Vorbereitung auf die Ausstellung intensiv mit der Bestattungskultur der Stadt München und der Geschichte unseres knapp 130 Jahre alten Kunstvereins auseinandergesetzt. So ist es ihnen auch gelungen, Leihgaben des Bestattungsinstituts ‚w e i s s über den tod hinaus‘ für die Präsentation im DG Kunstraum zu erhalten. Durch die Integration graphischer Arbeiten verstorbener Künstlermitglieder der DG ist die Installation eng mit dem Verein verbunden. Während Christoph Mügge in Form von Keramik, 3D-Drucken, Holzskulpturen und Druckgrafik eher skulptural arbeitet, ist bei Sebastian Mügge das Medium Zeichnung besonders stark ausgeprägt, sowohl auf Papier, als auch großformatig, in Form von ausufernden Wandzeichnungen. Beide Künstler verbindet, dass sie große Materialsammlungen anlegen, anhand derer sie – in Kombination mit diversen anderen Medien – in Ausstellungen immersive Erlebnisse schaffen.

artists & participants

Christoph Mügge,  Sebastian Mügge 


Benita Meißner 
DG Kunstraum, München

DG Deutsche Gesellschaft für christliche Kunst e.V. | Finkenstraße 4
80333 Munich

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posted 13. Jan 2022


27. Aug 202120. Feb 2022
WALTER DE MARIA Vom 27. August bis zum 20. Februar 2022 zeigt das Kunsthaus Zürich eine der grössten Bodenskulpturen für den Innenraum – die 1992 für den grossen Ausstellungssaal im Kunsthaus entworfene, 500 Quadratmeter grosse «The 2000 Sculpture» des amerikanischen Künstlers Walter De Maria. «The 2000 Sculpture» von Walter De Maria (1935–2013) ist eine der grössten für Innenräume konzipierten Bodenskulpturen weltweit. Sie besteht aus insgesamt 2000 weissen Gipsbarren von je 50 cm Länge und 18 cm Höhe. Die einzelnen Elemente sind trotz ihrer einheitlichen Grösse verschieden und weisen fünf, sieben oder neun Kanten auf. Sie werden auf einer Fläche von 500 Quadratmetern ausgelegt, in insgesamt 20 Reihen à einhundert Barren. Die Anordnung folgt einem spezifischen Rhythmus: 5–7–9–7–5–5–7–9–7–5. So ergibt sich eine Art Fischgrätmuster, und je nachdem, wo sich die Besucher befinden, scheinen sich die Barren auf sie zu oder von ihnen wegzubewegen. Es entsteht eine Spannung zwischen durchschaubarer Gesetzmässigkeit und individueller Wahrnehmung, unterstützt durch Licht und Raum um die Anordnung herum. LICHT, RAUM UND MUSIKALITÄT. «The 2000 Sculpture» ist für das Kunsthaus entstanden und befindet sich im Besitz der Walter A. Bechtler-Stiftung, die es dem Kunsthaus erneut als Leihgabe zur Verfügung stellt. Der Künstler hatte sich intensiv mit den spezifischen Raum- und Lichtverhältnissen im grössten stützenlosen Ausstellungssaal der Schweiz auseinandergesetzt, der durch eine Glasdecke komplett mit Tageslicht versorgt wird und an beiden Längsseiten Fensterbänder aufweist. Dieses Vorgehen, das heute völlig normal erscheint, war damals ungewöhnlich und neu. Der legendäre freie Ausstellungsmacher Harald Szeemann, der regelmässig als «fester freier Gastkurator» am Kunsthaus Projekte initiierte und umsetzte, pries Walter De Marias Werk als eine «neue Qualität heutiger Skulptur (…), die nicht mehr Objekt sein soll, sondern den Umraum prägendes, erfüllendes Subjekt». «The 2000 Sculpture» wurde 1992 erstmals und 1999/2000 erneut im Kunsthaus Zürich gezeigt. Die riesige Installation vereint vieles, was für Walter De Marias Arbeiten grundlegend war: Die Auseinandersetzung mit mathematischen Grundformen, dem Licht, der Weite und dem Raum. «Gerade das Licht spielt in «The 2000 Sculpture» eine ganz entscheidende Rolle», sagt Ausstellungsmacherin Mirjam Varadinis, die die aktuelle Reinszenierung kuratiert: «Je nach Wetter oder Tageszeit verändert sich das Werk, und es entstehen endlose Variationen von Weissschattierungen, Brechungen und Linien». Ursprünglich wurde das Werk auch ganz ohne Kunstlicht und nur bis zum Eindunkeln gezeigt. Folgt man der bisherigen Rezeption, so wird deutlich, dass «The 2000 Sculpture» auch viel mit Rhythmus zu tun hat. In der 1999 zur Ausstellung erschienenen Publikation wurde die Skulptur als «riesengrosse Partitur mit sichtbaren ‹Takten›» beschrieben. Der sonnenverwöhnte Kalifornier De Maria, der lange zwischen einer Karriere als Musiker oder Künstler geschwankt hatte, wurde zu einem bedeutenden Vertreter der Land Art, der Konzeptkunst und des Minimalismus. Im Jahr 2001 war er mit dem höchstdotierten europäischen Kunstpreis, dem Roswitha Haftmann-Preis, für sein Lebenswerk ausgezeichnet worden. Nachdem die minimalistische Plastik zuletzt in den USA gezeigt worden war, findet sie nun parallel zur Eröffnung des Erweiterungsbaus von David Chipperfield wieder an ihren Ursprungsort zurück und verwandelt den grossen, 1958 erbauten und lichtdurchfluteten Ausstellungssaal in eine Oase der Ruhe, Stille und Schönheit. Wer «The 2000 Sculpture» in der Gruppe und unter Anleitung erkunden möchte, hat dazu an öffentlichen Führungen Gelegenheit: Im August und September jeden Mittwoch um 18 Uhr, im Oktober jeden Freitag um 15 Uhr und von November bis Februar jeweils am Sonntag um 11 Uhr.
Kunsthaus Zürich

Heimplatz 1
CH-8024 Zurich

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posted 12. Jan 2022

The Modern Exorcist

27. Nov 202106. Mar 2022
The Modern Exorcist November 27, 2021–March 6, 2022 Exhibition preview: November 26, 4–5:30pm “What is human?” In 1966 Michel Foucault published The Order of Things: An Archaeology of the Human Sciences, surveying history to undertake an archeological study of knowledge, and he arrived at a disturbing conclusion: “the end of Man” (la fin de l’Homme). He declared that “man” was an idea created a half-century before, and that it could soon vanish: “Whence all the chimeras of the new humanisms, all the facile solutions of an ‘anthropology’ understood as a universal reflection...It is comforting...to think that man is only a recent invention...and that he will disappear again... [O]ne can certainly wager that man would be erased, like a face drawn in sand at the edge of the sea.” In his book Technics and Time, 1: The Fault of Epimetheus, the French philosopher Bernard Stiegler systematically examined the myth of Epimetheus, describing humanity’s default of origin: Humans are only that which they produce. Indeed, Stiegler declared that human beings have progressed through technology, not through gradual biological evolution. This process of externalized humanization implies that human beings are a technological life form. In 2002 Natasha Vita-More posted a conceptual design on an online forum hosted by the futurist Ray Kurzweil, envisioning the human body of the future, which she called Primo 3M+. Her design aimed to achieve superlongevity. She declared that biotechnology and artificial intelligence will provide our bodies with extended performance and modern style, with such features as a customized metabrain and a nano-engineered, AI-guided spinal communication system... Primo promised to be the prototype of a customizable, changeable, upgradeable future body, complete with enhanced senses. So what is “human”? In this age that is mediated by technology and founded on the deployment of technological industry, the progression of history gives one the impression of a jumbled gallimaufry. Humankind has developed multiple waves of technology, each one ever more complex, from cyborgs and genetic modification to digitalized body systems and informational networks of incorporeal entities. The new technology of the 21st century has not only deconstructed the human subject, causing humanity to lose its central position, but has handed the power of control over to algorithms, biotechnology, and artificial intelligence, presenting a terrifying, unsettling projection of the posthuman state. This generation of artists has perceived the current chaotic, indeterminate state of change, and has thus shifted to the form of new technology. All the installations in the exhibition are based on the underlying idea of techno-animism, evoking the constantly escalating influence of the central premises of posthumanism. These ideas include prosthetic or virtual bodies such as the digital forms of Second Life, networks of informationized economic systems generated by high-speed algorithms, and the chain of connections joining people to objects and other species. Today, if technology plays the role of exorcist, completely “optimizing” humanity, will “human nature” in its traditional sense still exist? If we imagine a situation in which humans replaced all the organs in their bodies with artificial devices, would there be any essential difference between these modified cyborgs and “pure humans”? Or to put it a different way, if technology replaced God, would the concept of humanity’s divine creation collapse? “The Modern Exorcist” blends objects, sound and images, including static displays and live exhibition: Yin-Ju Chen, Kate Cooper, Cécile B. Evans, Sidsel Meineche Hansen, Pakui Hardware, Po-Chih Huang, Stefan Kaegi / Rimini Protokoll, Lawrence Liu, Su-Yuan Wu, Slow Geng and the M-Exo Con Production Committee will collectively interpret the new vantage points of interdisciplinary aesthetics. This exhibition ponders the meaning of posthumanity in order to pose a series of questions, rather than opposing either human or artificial life forms. The Modern Exorcist will be presented on the ground floor of Taipei Fine Arts Museum from November 27, 2021 to March 6, 2022. For more information, please visit the TFAM official website or Facebook.
Taipei Fine Arts Museum °

No. 181, Sec. 3, Zhongshan N. Rd., Zhongshan Dist.
10461 Taipei City

Taiwan, Province of Chinashow map
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posted 11. Jan 2022

Sébastien de Ganay - paradoxical structures_system_mode

11. Nov 202129. Jan 2022
Sébastien de Ganay paradoxical structures_system_mode 11 November 2021 – 15 Januar 2022 (verlängert bis 29.01.2022) max goelitz präsentiert die erste Einzelausstellung des französischen, in Österreich lebenden, Künstlers Sébastien de Ganay. In paradoxical structures_system_mode kombiniert de Ganay abstrakte, gegenständliche und funktionale Elemente, um Sinneswahrnehmungen zu aktivie- ren und Grenzen zwischen Gattungen, Traditionen, Kategorien und Klassifikationen in Frage zu stellen. Er verortet seine Arbeiten bewusst zwischen künstlerischen Genres und schafft somit Kunstwerke, die sich einer eindeutigen Kategorisierung in Bild, Relief, Objekt oder Möbelstück entziehen. Die in der Ausstellung präsentierten Arbeiten aus sechs Werkgruppen verdeutlichen die Vielfalt de Ganays Œuvre, wobei Verbindungen untereinander über gemeinsame Strukturen, Systeme und Modi deutlich werden, derer sich der Künstler im Prozess bedient. Dabei spielt das Paradoxe in seiner Herangehensweise eine zentrale Rolle und scheinbar Widersprüchliches wird in de Ganays innovativem und experimentellem Werk vereint. Andreas Hofer, Kurator der Kunsthalle Krems, fasste im Rahmen von Sébastien de Ganays Einzelausstellung 2017 präzise die Gemeinsamkeiten seiner Werke, wie sie auch in paradoxical structures_systems_mode präsentiert werden, zusammen: „Jedes Objekt, das de Ganay [...] entworfen hat, zeugt von seiner Auseinandersetzung mit Zeit, Material und Materie, mit Abstrak- tion und Alltag, mit den Grenzen zwischen Kunst und Leben; oder auch mit deren Aufhebung, die bei den Betrachterinnen und Betrachtern zwangsläufig zu Verwirrung führt.“ In der aus Betonstahl gefertigten Werkserie der Museum Grids überträgt der Künstler die architektonischen Grundrisse bzw. Blueprints bekannter Museen maßstabsgetreu in eine eigene, räumlich-rasterähnliche Formensprache. Während sich de Ganay in seiner früheren Grid-Serie auf formale Strukturen von Minimal Art Werken der 1960er und 1970er Jahre bezog, veranschau- lichen die neuen Museum Grids zusätzlich politische Strukturen. Durch die Reduktion erhalten die Gebäude nicht nur eine neue Charakteristik, sondern lassen den Ort des Museums anhand der gebauten Strukturen auch als Ausdruck kultureller, teilweise fragwürdiger Macht erscheinen. In Grid Louvre (2021) wächst der zweidimensionale Grundriss über die Gitterwerke wie eine Raumzeichnung in den Galerieraum hinein, während sich die verschiedenen Stockwerke des Museums in unterschiedlicher Farbigkeit überlagern: blau, chrom und in warnendem schwarz- gelb gestreift. Durch die Verwendung von Warnfarben fordern die Raster die Betrachter/innen heraus, zu reflektieren, wofür ein Museum steht, was es repräsentiert, welche Künstler/innen gezeigt werden, wie es historisch gewachsen ist oder woher die Kunstwerke stammen. Die Werkserie der Folded Flats steht in Kontinuität zu de Ganays Erforschung von Falttechniken seit den frühen 1990er Jahren. Inspiriert von alltäglichen Post-its untersucht er in einer Vielfalt von Formen und Formaten die Faltungsmöglichkeiten des Quadrats. In serieller Arbeitsweise produziert de Ganay abstrakte Wandskulpturen mit minimalistischer Geste aus Aluminium, die durch ihre reine Farbigkeit und dem Spiel aus Licht und Schatten in den Faltungen eine maleri- sche Qualität gewinnen. In der Ausstellung werden XL Folded Flat Yellow 01 (2018) und White & Red Folded Flat Sequence 01 (2021) präsentiert, die de Ganays intensive Beschäftigung mit dem Faltungsprozess und seinen Variationsmöglichkeiten innerhalb der Serie nachempfind- bar machen. Die geometrischen Formen beziehen sich dabei stets auf die reduzierte Formen- sprache der Minimal Art. De Ganay erweitert jedoch deren strenges Verständnis von Form und Material („What you see is what you see“ – Frank Stella). Durch den hohen Wiedererkennungs- wert von Post-its eröffnen die Werke den Betrachter/innen einen Imaginationsraum, der parallel zum künstlerischen Prozess läuft und dazu anregt, die Variationen weiterzudenken oder die Formen zurück zum Quadrat zu führen. De Ganays Pavillon Naked (2021) fordert als begehbare Skulptur noch auf einer weiteren Ebene zu aktiver Teilnahme auf. Die hohle Struktur aus Stahlrohren stellt sowohl eine Raumzeichnung als auch Intervention im Raum dar, durch die neue Verbindungen unter den Werken entstehen. De Ganay konstruiert einen Raum im Raum ohne tatsächliches Volumen. Die Form des Pavillons setzt sich dabei aus einzelnen offenen Modulen zusammen, die gemeinsam ein Referenzsystem zu verschiedensten früheren Werkgruppen bilden. Das Aufgreifen existierender Strukturen dient dem Künstler als formales Bindeglied zwischen seinen Werkserien und so sind die Seasca- pes über die Form der zusammengewachsenden Kreise mit den OPSD Stools verbunden und greifen gleichzeitig sowohl auf die Dot Paintings und Art on Demand zurück. In der 2011 begonnen Werkserie Seascapes erkundet de Ganay Fläche als freie, variable Form sowie als Referenz an die „shaped canvases“ der Minimal Art. Auf Kupferplatten setzt er Ausschnitte von Meeresblick-Fotografien des Fotopioniers Gustave Le Grey aus den Anfangs- zeiten des Genres in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die verschiedenen Aneignungsmodi werden durch die neue Form und die Materialität aus reflektierendem Kupfer zugleich sichtbar und entfremdet. De Ganay siedelt seine Arbeiten bewusst zwischen künstlerischen Genres an, wobei die Seascapes zwischen Objekt, Malerei und Fotografie changieren. Das gleiche Prinzip tritt auch in seinen modularen OPSD Stools auf, die durch „Open System Discs“ Variationen von kreisförmigen Modulen in räumlichen Anordnungen zeigen und sich dabei der Kategorisierung in Skulptur, Objekt, Tisch oder Hocker entziehen und ihre mögliche Funktion nur durch den Titel offenbaren. In der Werkgruppe der CERAMICS spielt de Ganay ebenfalls mit der Gegenüberstellung und der auf den ersten Blick paradoxen Verbindung von Fremdheit und Vertrautheit:
„Ich versuche eine unerwartete Präsenz herzustellen, die scheinbar vertraut und ohne sichtbare Spuren der Produktion ist. Eine Präsenz, die zufällig entsteht, wenn ein vertrauter Gegenstand das Gefühl eines ‚Déjà-vu‘ vermittelt, aber ohne eine Verbindung zu einer persönlichen Geschichte steht. Eine Präsenz, die leicht annehmbar und selbstverständlich ist und gleichzeitig mit ihrer stillen, rätselhaften Vertrautheit überzeugt.” Wie hervorgeht, ordnet de Ganay seine CERAMICS als „familiar objects“ ein, im Gegensatz zu dem Begriff der „specific objects“, welcher 1965 durch den Künstler und Kritiker Donald Judd geprägt wurde. „Spezifische Objekte“ sind spezifisch, weil der Künstler ihre Form, ihren Maßstab, ihre Proportionen und ihre Materialität sorgfältig aufeinander abstimmt. Hingegen sind die CERAMICS gleichzeitig rätselhaft und vertraut, als wären sie zufällig, aber selbstverständlich so entstanden. Diese ambivalente Wirkung nutzt der Künstler in den CERAMICS wie auch den Seascapes als eine Spielform, die Dinge von ihrem Sein zu emanzipieren und als eine Möglich- keit, sie wie etwas anderes aussehen zu lassen als das, was sie wirklich sind. Über den Künstler Sébastien de Ganay (\*1962, Boulogne-Billancourt, FR) verortet seine Werke bewusst zwischen künstlerischen Genres und schafft somit Arbeiten, die sich einer eindeutigen Kategorisierung in Bild, Relief, Objekt oder Möbelstück entziehen, wodurch er die Grenzen zwischen den Gattun- gen aufhebt. Als innovativer Vertreter der experimentellen Malerei und Skulptur kombiniert de Ganay dabei abstrakte, gegenständliche und funktionale Elemente, um mittels Irritation Sinneswahrnehmungen zu aktivieren und konformistische Sichtweisen in Frage zu stellen. Die geomet- rischen Formen seiner Werke erinnern dabei an die kühle Ästhetik und reduzierte Formenspra- che der Minimal Art. De Ganay erweitert jedoch dieses Verständnis, da seine Kunstwerke über die rein formale und materielle Ebene hinaus den Betrachter/innen einen Imaginationsraum öffnen, der parallel zum künstlerischen Prozess läuft. De Ganay studierte Politikwissenschaft und Film an der Columbia University in New York und ist Mitbegründer des Kunstbuchverlags onestar press. Neben zahlreichen Ausstellungsbeteiligungen, unter anderem im Centre Pompidou, Paris und dem Landesmuseum Niederösterreich in St. Pölten, zeigte 2014 das Institut Français in Wien eine umfangreiche Einzelausstellung des Künstlers. 2017 realisierte de Ganay für die Kunsthalle Krems eine vielbeachtete Gesamtinstal- lation in einer ehemaligen Dominikanerkirche, die von einem Übersichtskatalog zu seinem Werk begleitet wurde.
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posted 10. Jan 2022


13. Nov 202113. Jan 2022
Petra und Anton Gölles laden herzlich zur Vernissage ein. **RONALD KODRITSCH | WERNER REITERER | DEBORAH SENGL** SOFT OPENING am Samstag, 13. November von 11 bis 18 Uhr Ausstellung bis 13. Jänner 2022 Mo – Sa 10 – 18 Uhr, So nach Vereinbarung RONALD KODRITSCH 1970* in Leoben 1990-92 Meisterschule für Malerei, Graz 1992-97 Akademie der bildenden Künste, Wien Kodritsch ist vor allem als genialer Maler früh in Erscheinung getreten. Kodritsch greift die polemischen Frontstellungen, die die Malerei seit Mitte der 1960er-Jahre beherrschen, auf und verwendet sie als Ausgangspunkte für seine Bildfindungen. Daraus resultiert die oftmalig zum Einsatz kommende Strategie der ironischen Appropriation und der zynischen Parodierung ihrer ehemaligen Ansprüche WERNER REITERER 1964 * in Leibnitz 1984-1988 Studium der Grafik an der Akademie der bildenden Künste, Wien Die 1996 begonnene Serie der „gezeichneten Ausstellungen“ wird ständig ergänzt und erweitert. Diese Serie ist von einem konstanten Formalismus geprägt, der es erlaubt die unterschiedlichen Inhaltlichkeiten der einzelnen Blätter besser ins Blickfeld zu rücken. Viele der Zeichnungen haben ihre tatsächliche Realisierung in Form von Installationen und Skulpturen erfahren, andere Ideen funktionieren wiederum nur im Medium Zeichnung. DEBORAH SENGL 1974 * in Wien 1992-97 Studium an der Hochschule für Angewandte Kunst, Wien Die Digitalisierung ist ein fixer Bestandteil unseres Lebens geworden und bietet unumstritten große Vorteile. Mit dem technologischen Fortschritt ist aber auch eine Veränderung bzw. der Verlust unserer Privatsphäre zu einem wichtigen Thema geworden. Deborah Sengl thematisiert passend dazu in ihrer neuen Serie „Eyes wide shot“ vermeintlich private Momente, die unter Umständen gar nicht (mehr) so im Verborgenen stattfinden.

artists & participants

Ronald Kodritsch,  Werner Reiterer,  Deborah Sengl 
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posted 09. Jan 2022

MARINA ABRAMOVIĆ - Jenes Selbst / Unser Selbst

24. Jul 202113. Feb 2022
opening: 23. Jul 2021 07:00 pm
MARINA ABRAMOVIĆ Jenes Selbst / Unser Selbst 24.07.2021 – 13.02.2022 Vernissage 23.07.2021, 19:00 Uhr MARINA ABRAMOVIĆ fasziniert mit Performances, Filmen und zuletzt dem Opernprojekt 7 Deaths of Maria Callas weltweit ihr Publikum. Weniger bekannt ist, dass die Pionierin der PERFORMANCE ART in ihrer Anfangszeit in den 1970er Jahren bis ins Jahr 2000 auch in Tübingen, in der Galerie Ingrid Dacić, zu Gast war. Die Ausstellung der Kunsthalle Tübingen widmet sich jetzt erstmals den spirituellen Aspekten im Werk von Marina Abramović. An die Tradition der europäischen Mystik anknüpfend, hat Marina Abramović in den letzten fünf Jahrzehnten ihres Schaffens einen undogmatischen, individuellen Zugang zum Transzendenten entwickelt, der die religiösen Traditionen um schamanistische, alchemistische und buddhistische Elemente erweiterte. Die von Nicole Fritz in enger Zusammenarbeit mit Marina Abramović und ihrem Studio kuratierte Ausstellung in der Kunsthalle Tübingen widmet sich erstmals den spirituellen Aspekten im Werk der Künstlerin und folgt ihrem Rite de Passage – ihrer Reise ins eigene Innere – an ausgewählten Hauptwerken. Am Ende ihrer Entwicklung steht die im wahrsten Sinne des Wortes selbstbewusste Künstlerin, engagierte Impulsgeberin und charismatische Performance-Lehrerin Marina Abramović, die ihre Erfahrungen in Workshops und dem von ihr gegründeten Marina Abramović Institute (MAI) weitergibt, um das Publikum in kollektiven Übungen über die Kunst wieder mit sich selbst in Kontakt zu bringen. Zur Ausstellung erscheint ein umfassender Katalogband (Deutsch/Englisch) mit interdisziplinären Beiträgen von: Erich Ackermann, Hartmut Böhme, Jeannette Fischer, Nicole Fritz, Antje von Graevenitz, Volker Leppin und Bernhard Pörksen. Kuratiert von Nicole Fritz in enger Zusammenarbeit mit Marina Abramović und ihrem Studio
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